Argentina, país del tango
El teatro Colón, teatro Poguelín, el Teatro San Martín, el Teatro Rex, el Gran Teatro de Córdoba, el Teatro de Títeres Leomar... se preguntarán de que estamos hablando ya que ninguno de estos lugares les resultan conocidos, pero en esta ocasión no nos estamos refieriendo a España, sino a Argentina.
Un maravilloso país situado en el sur de América que linda con Brasil, Uruguay y Chile. Un lugar de lleno de paisajes hermosos y únicos como las Cataratas de Iguazú en el norte del páis o Usuaia muy cerca de la Tierra del Fuego. Argentina es además un país con unas fantásticas obras de teatro interpretadas por unos actores sublimes.
En Capital Federal en el Centro Cultural Borges se representa el musical "Magia, tango y vino", en el que se mezcla luz, color, música y movimiento en un verdadero espectáculo. Con una orquesta que interpreta piezas de Piazzolla, Troilo, Darienzo, Disarli y Mariano Mores, acompañados por cinco parejas de bailarines.
Otra obra muy distinta es "Escaparate"
representada en la sala Garagantúa, escrita y representada por Carlos Belloso narra El recorrido y la búsqueda de un hombre a través de la distancia y el tiempo que lo separan de las gafas que lleva puestas.
Los escenarios argentinos están llenos de intérpretes fascinantes que no deben perderse cuando hagan una visita al país, y si no quieren arriesgar demasiado siempre pueden disfrutar de las versiones argentinas de obras como 5mujeres.com o 5hombres.com y contemplar las diferencias existentes entre los dos países.
Un maravilloso país situado en el sur de América que linda con Brasil, Uruguay y Chile. Un lugar de lleno de paisajes hermosos y únicos como las Cataratas de Iguazú en el norte del páis o Usuaia muy cerca de la Tierra del Fuego. Argentina es además un país con unas fantásticas obras de teatro interpretadas por unos actores sublimes.
En Capital Federal en el Centro Cultural Borges se representa el musical "Magia, tango y vino", en el que se mezcla luz, color, música y movimiento en un verdadero espectáculo. Con una orquesta que interpreta piezas de Piazzolla, Troilo, Darienzo, Disarli y Mariano Mores, acompañados por cinco parejas de bailarines.
Otra obra muy distinta es "Escaparate"
representada en la sala Garagantúa, escrita y representada por Carlos Belloso narra El recorrido y la búsqueda de un hombre a través de la distancia y el tiempo que lo separan de las gafas que lleva puestas. Los escenarios argentinos están llenos de intérpretes fascinantes que no deben perderse cuando hagan una visita al país, y si no quieren arriesgar demasiado siempre pueden disfrutar de las versiones argentinas de obras como 5mujeres.com o 5hombres.com y contemplar las diferencias existentes entre los dos países.
Premios Max de las Artes Escénicas
Mañana Mercedes Sampietro y Asier Etxendía darán a conocer en la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) los finalistas a la X Edición de los Premios Max que se entregarán en Bilbao el 16 de abril.
Los Premios Max nacieron en 1998 de la mano de la SGAE y la Fundación Autor con el propósito de estimular y premiar el talento de los artistas y profesionales de las artes escénicas del país. Sigue el modelo de los premios Moliére en Francia, los Olivier en Gran Bretaña o los Tonys de Broadway.
La posibilidad de conseguir el premio la tienen todos aquellos espectáculos estrenador o reestrenados
en la temporada anterior, junto con sus autores, traductores, adaptadores, compositores, directores, coreógrafos, figurinistas, actores, intérpretes de la danza, productores y escenógrafos que hayan participado en ellos. Los ganadores son elegidos por los compañeros de profesión.
Los obejtivos que persiguen los Premios Max de la Artes Escénicas son reconocer el trabajo realizado por los profesionales de las artes escénicas, siendo unos premios de prestigios. Alcanzar la máxima difusión entre el público en general para lograr la implantación en la sociedad y logra también la máxima implicación de la sociedad a partir de la estrecha colaboración de los profesionales del sector junto con los principales agentes culturales, públicos y privados.
Con los Premios Max se propone una iniciativa que potenciará la creación escénica y la vida cultural.
El galardon tiene la forma de una manzana tocada por un antifaz y está diseñada por el poeta y artista Joan Brossa. La escultura simboliza una metáfora del teatro.
La manzana redonda y plateada, del tamaño de un puño y con un antifaz simboliza el teatro, porque como dice su autor "parece una cabeza y al mismo tiempo una manzana, un fruto pecaminoso y frívolo; el antifaz aporta la dimensión dramática y el misterio escénico".
Los Premios Max otorgan 23 galardones entre los que figuran, mejor espectáculo de teatro, mejor espectáculo de teatro musical, mejor espectáculo de danza, mejor autor en castellano, mejor coreografía, mejor actriz protagonista y una larga lista hasta completar el total de las candidaturas. Además otorga 5 premios especiales que son Espectáculo Revelación, Premio Hispanoamericano de las Artes Escénicas, Premio Honor, Premio Nuevas Tendencia y Premio de la Críticia.
Algunas de las condiciones necesarias para participar en los premios es que las obras hayan sido escritas o compuestas originalmente por autores de la SGAE; o que todos los espectáculos hayan sido exhibidos dentro del territorio del Estado Español y hayan sido producidos o coproducidos por productoras o compañçias domiciliadas en España.
Algunos de los premiados en sus nueve ediciones han sido "Bésame el cáctus"
como Premio al mejor espectáculo de danza (2003); Cristina Hoyos, Premio Mejor Espectáculo de Artes Escénicas en Proyección Internacional (2000) con "Arsa y Toma"; Rafael Amargo, Mejor Intérprete Masculino de Danza (2002) por el espectáculo "Amargo" o el Circo Raluy que obtuvo el Premio Especial de Circo (1998).
Los Premios Max nacieron en 1998 de la mano de la SGAE y la Fundación Autor con el propósito de estimular y premiar el talento de los artistas y profesionales de las artes escénicas del país. Sigue el modelo de los premios Moliére en Francia, los Olivier en Gran Bretaña o los Tonys de Broadway.
La posibilidad de conseguir el premio la tienen todos aquellos espectáculos estrenador o reestrenados
en la temporada anterior, junto con sus autores, traductores, adaptadores, compositores, directores, coreógrafos, figurinistas, actores, intérpretes de la danza, productores y escenógrafos que hayan participado en ellos. Los ganadores son elegidos por los compañeros de profesión. Los obejtivos que persiguen los Premios Max de la Artes Escénicas son reconocer el trabajo realizado por los profesionales de las artes escénicas, siendo unos premios de prestigios. Alcanzar la máxima difusión entre el público en general para lograr la implantación en la sociedad y logra también la máxima implicación de la sociedad a partir de la estrecha colaboración de los profesionales del sector junto con los principales agentes culturales, públicos y privados.
Con los Premios Max se propone una iniciativa que potenciará la creación escénica y la vida cultural.
El galardon tiene la forma de una manzana tocada por un antifaz y está diseñada por el poeta y artista Joan Brossa. La escultura simboliza una metáfora del teatro.
La manzana redonda y plateada, del tamaño de un puño y con un antifaz simboliza el teatro, porque como dice su autor "parece una cabeza y al mismo tiempo una manzana, un fruto pecaminoso y frívolo; el antifaz aporta la dimensión dramática y el misterio escénico".Los Premios Max otorgan 23 galardones entre los que figuran, mejor espectáculo de teatro, mejor espectáculo de teatro musical, mejor espectáculo de danza, mejor autor en castellano, mejor coreografía, mejor actriz protagonista y una larga lista hasta completar el total de las candidaturas. Además otorga 5 premios especiales que son Espectáculo Revelación, Premio Hispanoamericano de las Artes Escénicas, Premio Honor, Premio Nuevas Tendencia y Premio de la Críticia.
Algunas de las condiciones necesarias para participar en los premios es que las obras hayan sido escritas o compuestas originalmente por autores de la SGAE; o que todos los espectáculos hayan sido exhibidos dentro del territorio del Estado Español y hayan sido producidos o coproducidos por productoras o compañçias domiciliadas en España.
Algunos de los premiados en sus nueve ediciones han sido "Bésame el cáctus"
como Premio al mejor espectáculo de danza (2003); Cristina Hoyos, Premio Mejor Espectáculo de Artes Escénicas en Proyección Internacional (2000) con "Arsa y Toma"; Rafael Amargo, Mejor Intérprete Masculino de Danza (2002) por el espectáculo "Amargo" o el Circo Raluy que obtuvo el Premio Especial de Circo (1998).Mañana salen los finalistas a los Premios Max 2007
Los finalistas a la X edición de los Premios Max se darán a conocer el lunes 29 de enero. Los galardones, que se entregarán el 16 de abril en el Palacio Euskalduna de Bilbao son los premios de escena más importantes del país.
El nombre de los finalistas lo comunicarán la actriz Mercedes Sampietro y el actor y bailarín Asier Etxeandía, la lectura de los candidatos será en la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) a las 13:00 horas, y estará presidida por su presidente ejecutivo, Eduardo Bautista.
El galardón que se entrega es una estatuilla de una manzana con un antifaz diseñada por Joan Brossa.
La X Edición de los Premios Max dictaminan los mejores espectáculos estrenados, reestrenados o en gira durante la temporada 2005/2006.
Además la organización entregará tres premios de asignación directa: Nuevas Tendencias, Hispanoamericano de las Artes Escénicas y Premio de Honor. Se concederán además el Premio Max de la Crítica y el de Espectáculo Revelación.
Algunos de los artistas que han obtenido el Premio Max han sido Antonio Belart (2001) como Mejor Figurinista con "A little night music (Música para una noche de verano) o la compañía Animalario (2006) como Mejor espectáculo de teatro por Hamelin.
El nombre de los finalistas lo comunicarán la actriz Mercedes Sampietro y el actor y bailarín Asier Etxeandía, la lectura de los candidatos será en la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) a las 13:00 horas, y estará presidida por su presidente ejecutivo, Eduardo Bautista.
El galardón que se entrega es una estatuilla de una manzana con un antifaz diseñada por Joan Brossa.
La X Edición de los Premios Max dictaminan los mejores espectáculos estrenados, reestrenados o en gira durante la temporada 2005/2006. Además la organización entregará tres premios de asignación directa: Nuevas Tendencias, Hispanoamericano de las Artes Escénicas y Premio de Honor. Se concederán además el Premio Max de la Crítica y el de Espectáculo Revelación.
Algunos de los artistas que han obtenido el Premio Max han sido Antonio Belart (2001) como Mejor Figurinista con "A little night music (Música para una noche de verano) o la compañía Animalario (2006) como Mejor espectáculo de teatro por Hamelin.
Toquisqui, un espectáculo diferente
El pasado 27 de diciembre actuaban en el auditorio de La Casa de la Cultura de La Roda el grupo cómico Regomello con su espectáculo de monólogos Toquisqui.
Nos encontramos en, un pueblo de la provincia de Albacete conocido en todo el territorio español por los Miguelitos, unos pastelillos de hojaldre y crema pastelera que conquista el paladar de cualquiera que los pruebe. El teatro donde se representa el espectáculo es un gran centro cultural con variadas actividades, pues el ayuntamiento de la localidad ha dado un gran impulso a esta institución con la creación de la Universidad Popular.
La entrada al auditorio está llena de gente que hacen cola para entrar al recinto. En la puerta, los componentes de Regomello reparten a los espectadores un pegatina en la que hay impresa una paleta de pintor y que reza "por un techo en la Casa de la Cultura" y una pequeña hoja con una poesía.
El lleno es absoluto, no queda ningún asiento vacío, poco después comienza el espectáculo.
Monólogos cargados de humor que describen situaciones cotidianas que todos nos preguntamos porqué ocurren: desde los grupos de mujeres que salen a andar por las tardes con la chaqueta al hombro y que no se alejan mucho unas de otras por eso de que las malas lenguas son largas, pasando por los salones intocables de las casas y haciendo hincapié en los profesores.
Pero el hecho de que hable de los maestros no es una cuestión del azar sino que todo tiene un motivo y es que los integrantes de Regomello cuando no están subidos encima del escenario se suben encima de la tarima para enseñar a leer a sus alumnos.
Toquisqui habla de eso, "de todo quisqui" (expresión muy conocida en el sureste de la península, sobre todo en Castilla la Mancha y que significa todo el mundo), nadie se salva de los diálogos mordaces y las canciones que interpretan. Además la poesía que entregaron en la entrada y que cómo bien dijo uno de los integrantes del grupo todos habíamos doblado y guardado en el bolsillo ahora cumple su función, con ésta todo el público hace un pequeño comentario de texto muy divertido.
Con los componentes del grupo al bajo, la guitarra, deleitaron al público rodense con un espectáculo cargado de risas que puso punto y final con la entrada en el escenario del Coro Municipal de La Roda, que deleitó al auditorio con una versión del villancico "Noche de Paz".
Regomello hace gira por los pueblos del sureste español con el espectáculo de monólogos y canciones Toquisqui, un año después de recorrer los mismos escenarios con "Géneros de punto".
Nos encontramos en, un pueblo de la provincia de Albacete conocido en todo el territorio español por los Miguelitos, unos pastelillos de hojaldre y crema pastelera que conquista el paladar de cualquiera que los pruebe. El teatro donde se representa el espectáculo es un gran centro cultural con variadas actividades, pues el ayuntamiento de la localidad ha dado un gran impulso a esta institución con la creación de la Universidad Popular.
La entrada al auditorio está llena de gente que hacen cola para entrar al recinto. En la puerta, los componentes de Regomello reparten a los espectadores un pegatina en la que hay impresa una paleta de pintor y que reza "por un techo en la Casa de la Cultura" y una pequeña hoja con una poesía.
El lleno es absoluto, no queda ningún asiento vacío, poco después comienza el espectáculo.
Monólogos cargados de humor que describen situaciones cotidianas que todos nos preguntamos porqué ocurren: desde los grupos de mujeres que salen a andar por las tardes con la chaqueta al hombro y que no se alejan mucho unas de otras por eso de que las malas lenguas son largas, pasando por los salones intocables de las casas y haciendo hincapié en los profesores. Pero el hecho de que hable de los maestros no es una cuestión del azar sino que todo tiene un motivo y es que los integrantes de Regomello cuando no están subidos encima del escenario se suben encima de la tarima para enseñar a leer a sus alumnos.
Toquisqui habla de eso, "de todo quisqui" (expresión muy conocida en el sureste de la península, sobre todo en Castilla la Mancha y que significa todo el mundo), nadie se salva de los diálogos mordaces y las canciones que interpretan. Además la poesía que entregaron en la entrada y que cómo bien dijo uno de los integrantes del grupo todos habíamos doblado y guardado en el bolsillo ahora cumple su función, con ésta todo el público hace un pequeño comentario de texto muy divertido.
Con los componentes del grupo al bajo, la guitarra, deleitaron al público rodense con un espectáculo cargado de risas que puso punto y final con la entrada en el escenario del Coro Municipal de La Roda, que deleitó al auditorio con una versión del villancico "Noche de Paz".
Regomello hace gira por los pueblos del sureste español con el espectáculo de monólogos y canciones Toquisqui, un año después de recorrer los mismos escenarios con "Géneros de punto".
La XII Muestra de Teatro Amateur comienza en Cáceres
El domingo 28 de enero se inaugura la XII Muestra de Teatro Amateur que finaliza el 3 de marzo y que está organizada por la Consejería de Cultura y Federación de Asociaciones de Teatro de Extremadura (FATEX).
El festival se llevará a cabo en la Sala Trajano de Mérida, el teatro Alkazar de Plasencia, el Teatro López de Ayala de Badajoz y el Gran Teatro de Cáceres. En la muestra incluida en la programación "Extremadura en invierno: ESTACIONCULTURA" participan siete grupos de teatro.
El acontecimiento que se lleva a cabo desde 1996 tiene como objetivo ofrecer a todos los grupos de teatro amateur de Extremadura la posibilidad de representar sus obras en grandes espacios escénicos. De las propuestas enviadas a los programadores se representaran 10 obras que realizarán los siete grupos elegidos.
La obra de inauguración representada en el Gran Teatro de Cáceres será "Locus Amoenus" de Eugenio Asensio e interpretada por el grupo "Balumba". Protagonizada por María de los Milagros Rodicio, María Victoria Bermejo y Tomás Colmenar, Locus Amoenus narra la historia de Verónica Aguilera que a sus treinta y nueve años deja constancia de sus cualidades organizadoras cuando entra como secretaria del Presidente, o al menos eso es lo que ella cree.
A lo largo de la representación el argumento de la obra hará que el público se pregunte ¿cómo nos comportamos si en un momento de nuestra vida nos encontraramos en un lugar que no nos correponde? Además en la muestra se representarán entre otras obras "El muerto no disputado" por el grupo Garnacha Teatro, "Cuentos de Pam y pimientos" de la compañía Berenjena o "Puré de Flamencas" del grupo Jarancio.
El festival se llevará a cabo en la Sala Trajano de Mérida, el teatro Alkazar de Plasencia, el Teatro López de Ayala de Badajoz y el Gran Teatro de Cáceres. En la muestra incluida en la programación "Extremadura en invierno: ESTACIONCULTURA" participan siete grupos de teatro.
El acontecimiento que se lleva a cabo desde 1996 tiene como objetivo ofrecer a todos los grupos de teatro amateur de Extremadura la posibilidad de representar sus obras en grandes espacios escénicos. De las propuestas enviadas a los programadores se representaran 10 obras que realizarán los siete grupos elegidos.
La obra de inauguración representada en el Gran Teatro de Cáceres será "Locus Amoenus" de Eugenio Asensio e interpretada por el grupo "Balumba". Protagonizada por María de los Milagros Rodicio, María Victoria Bermejo y Tomás Colmenar, Locus Amoenus narra la historia de Verónica Aguilera que a sus treinta y nueve años deja constancia de sus cualidades organizadoras cuando entra como secretaria del Presidente, o al menos eso es lo que ella cree.
A lo largo de la representación el argumento de la obra hará que el público se pregunte ¿cómo nos comportamos si en un momento de nuestra vida nos encontraramos en un lugar que no nos correponde? Además en la muestra se representarán entre otras obras "El muerto no disputado" por el grupo Garnacha Teatro, "Cuentos de Pam y pimientos" de la compañía Berenjena o "Puré de Flamencas" del grupo Jarancio.
Centro de Nuevos Creadores: escuela, obra y teatro
El Centro de Nuevos Creadores, escuela de Cristina Rota lleva 29 años en activo, a lo largo de este tiempo han salido grandes actorescomo Ana Torrent (Tesis), Alberto San Juan o Guillermo Toledo que triunfan es España, y otros que lo hacen a nivel internacional como Penélope Cruz que se ha convertido en la primera española nominada al Oscar como mejor actriz. Esta escuela además de generar grandes actores ofrece todos los fines de semana el especáculo "La katarsis del tomatazo" en la Sala Mirador.
Escuela de Cristina Rota
El Centro de Nuevos Creadores fundada por la actriz Cristina Rota nace en 1978 con el objetivo de crear un espacio donde el actor obtenga una formación integral que le permita generar su propio trabajo, sabiendo abarcar todos los aspectos de la actividad teatral, desde la gestión, promoción, cuestiones técnicas, la dirección, dramaturgia e interpretación.
La Escuela de Cristina Rota es la única de España que ofrece un trabajo con Dinámica de Grupo, es decir, cada uno de los grupos se encarga de su dinámica de trabajo, estableciendo sus propias normas, teniendo en cuenta su rol y nivel participativo.
El aprendizaje se fundamenta en discutir, dar opiniones, criticar y ser criticado, estar presente en el establecimiento de las normas. La función de los profesores es de orientar y colaborar en el proceso de crecimiento de los alumnos como actores.
La escuela cuenta con un espacio de grandes dimensiones, con teatros, áreas de cine y platós para llevar a cabo producciones propias, auditorios al aire libre, zonas ajardinadas, bibliotecas, escuelas de teatro y danza contemporánea, espacio para las artes plásticas, arte urbano y naves para estudio, diseño y música.
El plan de estudios consta de seis cursos: el programa de iniciación tiene entre sus objetivos la conciencia de su "alerta"
, despertar la percepción a través del reaprendizaje sensorial, desbloquear los sentidos para tener un mayor contacto consigo mismo, despertar del imaginario, el mundo real y el mundo simbólico.
El programa básico intenta incrementar el vínculo del alumno con la realidad, introducirlo en el mundo de los signos, lenguaje gestual y oral y avanza en aquellos objetivos que se iniciaron en el programa anterior. Los siguientes cuatro cursos cuentan en el plan de estudios con asignaturas como interpretación, danza contemporánea, movimiento y armonización, jazz, danza afro, historia del teatro, esgrima, voz o dramaturgia.
La escuela ofrece además cursos de verano entre los que se encuentran seminarios de interpretación, taller de movimiento y armonización, taller afro, seminario esgresadod (10 &10 danza) y dramaturgias plásticas.
El Centro de Nuevos Creadores es una institución en donde forman artistas de teatro, danza, música y audiovisuales, lo que posibilita la creación de proyectos conjuntos en los que éstas disciplinas interactúan, y uno de esos proyectos es sin lugar a dudas "La katarsis del tomatazo".
"La Katarsis del Tomatazo"
Sala Mirador, calle Doctor Fourquet, una calle estrecha y llena de coches aparcados en ambos lados, en el número 31 una puerta y un pasillo algo estrecho en el que al fondo se ve un patio, es la entrada de la escuela. Desde la puerta se ve un cartel de cartón con un gran tomate impreso en el que dentro figura "La katarsis del tomatazo", un poco más atrás hay un columpio, un elemento bastante raro para una sala de teatro, pero esta no es una sala cualquiera, es una muy diferente al resto.
Nada más llegar al patio, lleno de plantas y mesitas se encuentran tres chicas con minifalda a cuadros rojos y camisa blanca que hablan en mejicano, son las chicas de Rebelde (exitosa serie juvenil mejicana copia de la argentina Rebelde Way). Al lado un joven Romeo,
ataviado con mallas al más puro estilo medieval y con camisa amplia, llama a gritos a su amada Julieta, preguntando a unos y a otros de los miembros del público que ya se encuentran allí si la han visto.
Y justo al otro lado un personaje de lo más variopinto, un huevo Kinder
que se echa encima de unos y otros preguntando si alguien se lo quiere comer. La Katarsis del tomatazo comienza en cuanto uno pone el pie dentro de este patio tan particular. Cuando todos los personajes se han dado una vuelta entre el público que hay en el ya nombrado patio desaparecen y los espectadores son invitados a entrar en la sala.
La obra comienza con la descripción de Aristóteles de Katarsis como una purificación del Alma a través de la piedad y el terror. Desde ese momento y durante casi dos horas los actores de la Escuela de Cristina Rota ofrecen una gran variedad de sketch, coreografías, escenas dramáticas...
Un espectáculo en el que el público interactúa de dos formas: la primera solo disponible para algunos elegidos que salen al escenario para convertirse en compañeros de los actores por unos minutos. Y es en el otro modo de interactuación del público donde tiene presencia el término "tomatazo"
, el público hace de jurado valorando si le ha gustado o no la representación tirando tomates a los actores (un acto que ayuda a los interprétes a perder el miedo escénico). Como si en medio de la Edad Media nos eecontraramos los tomates vuelan por el aire hasta el escenario.
La katarsis del tomatazo es una obra que interpretada por actores noveles hace reir y llorar y nos ofrece escenas que en algunas ocasiones poco tienen que disipar con la realidad. Un espectáculo lleno de risas y alegrias, de dramas y tragedias, lleno de actores con muchas ganas de trabajar y demostrar el talento que llevan dentro ante un público con tomates en las manos.
Sala Mirador
La Sala Mirador en donde se representa cada viernes y sábado La katarsis del tomatazo no tiene nada que ver con el resto de salas de teatro madrileñas.
Escondida en una calle cercana a Atocha está compuesta por tres "escenarios", el primero de ellos es el patio de
la escuela, lleno de enredaderas y plantas, con columpios y mesitas de terraza, en donde los actores de la obra se meten entre el público y sus conversaciones.
El que podriamos determinar como el segundo de los lugares de representación es el bar en el que los espectadores antes de entrar en la sala o en el intermedio de la obra disfrutan de la copa que les brinda la entrada a La katarsis del tomatazo. Y por último, el escenario en cuestión, en donde se representa la mayor parte de la obra. Se trata de una pequeña sala con capacidad para 60-75 personas que se acomodan en las butacas de plástico situadas en escala.
En frente del "patio de butacas" se encuentra el escenario, con los suelos ya muy gastados tras 12 años en cartel
Los lujos quedan apartados en esta sala en la que un trozo de tomate puede caer sobre los pantalones de algunos de los componentes del público (sobre todo aquellos que se encuentran en las primeras filas).
Sin duda ese es el escenario con muchas representaciones a sus espaldas, un escenario que se usa muhos de los 365 del año para ensayar, representar, reir y llorar. La Sala Mirador ha representado otras obras que se intercalan con La Katarsis del tomatazo como "El privilegio de ser perro"
Escuela de Cristina Rota
El Centro de Nuevos Creadores fundada por la actriz Cristina Rota nace en 1978 con el objetivo de crear un espacio donde el actor obtenga una formación integral que le permita generar su propio trabajo, sabiendo abarcar todos los aspectos de la actividad teatral, desde la gestión, promoción, cuestiones técnicas, la dirección, dramaturgia e interpretación.
La Escuela de Cristina Rota es la única de España que ofrece un trabajo con Dinámica de Grupo, es decir, cada uno de los grupos se encarga de su dinámica de trabajo, estableciendo sus propias normas, teniendo en cuenta su rol y nivel participativo.
El aprendizaje se fundamenta en discutir, dar opiniones, criticar y ser criticado, estar presente en el establecimiento de las normas. La función de los profesores es de orientar y colaborar en el proceso de crecimiento de los alumnos como actores. La escuela cuenta con un espacio de grandes dimensiones, con teatros, áreas de cine y platós para llevar a cabo producciones propias, auditorios al aire libre, zonas ajardinadas, bibliotecas, escuelas de teatro y danza contemporánea, espacio para las artes plásticas, arte urbano y naves para estudio, diseño y música.
El plan de estudios consta de seis cursos: el programa de iniciación tiene entre sus objetivos la conciencia de su "alerta"
, despertar la percepción a través del reaprendizaje sensorial, desbloquear los sentidos para tener un mayor contacto consigo mismo, despertar del imaginario, el mundo real y el mundo simbólico. El programa básico intenta incrementar el vínculo del alumno con la realidad, introducirlo en el mundo de los signos, lenguaje gestual y oral y avanza en aquellos objetivos que se iniciaron en el programa anterior. Los siguientes cuatro cursos cuentan en el plan de estudios con asignaturas como interpretación, danza contemporánea, movimiento y armonización, jazz, danza afro, historia del teatro, esgrima, voz o dramaturgia.
La escuela ofrece además cursos de verano entre los que se encuentran seminarios de interpretación, taller de movimiento y armonización, taller afro, seminario esgresadod (10 &10 danza) y dramaturgias plásticas.
El Centro de Nuevos Creadores es una institución en donde forman artistas de teatro, danza, música y audiovisuales, lo que posibilita la creación de proyectos conjuntos en los que éstas disciplinas interactúan, y uno de esos proyectos es sin lugar a dudas "La katarsis del tomatazo".
"La Katarsis del Tomatazo"
Sala Mirador, calle Doctor Fourquet, una calle estrecha y llena de coches aparcados en ambos lados, en el número 31 una puerta y un pasillo algo estrecho en el que al fondo se ve un patio, es la entrada de la escuela. Desde la puerta se ve un cartel de cartón con un gran tomate impreso en el que dentro figura "La katarsis del tomatazo", un poco más atrás hay un columpio, un elemento bastante raro para una sala de teatro, pero esta no es una sala cualquiera, es una muy diferente al resto.
Nada más llegar al patio, lleno de plantas y mesitas se encuentran tres chicas con minifalda a cuadros rojos y camisa blanca que hablan en mejicano, son las chicas de Rebelde (exitosa serie juvenil mejicana copia de la argentina Rebelde Way). Al lado un joven Romeo,
ataviado con mallas al más puro estilo medieval y con camisa amplia, llama a gritos a su amada Julieta, preguntando a unos y a otros de los miembros del público que ya se encuentran allí si la han visto. Y justo al otro lado un personaje de lo más variopinto, un huevo Kinder
que se echa encima de unos y otros preguntando si alguien se lo quiere comer. La Katarsis del tomatazo comienza en cuanto uno pone el pie dentro de este patio tan particular. Cuando todos los personajes se han dado una vuelta entre el público que hay en el ya nombrado patio desaparecen y los espectadores son invitados a entrar en la sala.
La obra comienza con la descripción de Aristóteles de Katarsis como una purificación del Alma a través de la piedad y el terror. Desde ese momento y durante casi dos horas los actores de la Escuela de Cristina Rota ofrecen una gran variedad de sketch, coreografías, escenas dramáticas...
Un espectáculo en el que el público interactúa de dos formas: la primera solo disponible para algunos elegidos que salen al escenario para convertirse en compañeros de los actores por unos minutos. Y es en el otro modo de interactuación del público donde tiene presencia el término "tomatazo"
, el público hace de jurado valorando si le ha gustado o no la representación tirando tomates a los actores (un acto que ayuda a los interprétes a perder el miedo escénico). Como si en medio de la Edad Media nos eecontraramos los tomates vuelan por el aire hasta el escenario. La katarsis del tomatazo es una obra que interpretada por actores noveles hace reir y llorar y nos ofrece escenas que en algunas ocasiones poco tienen que disipar con la realidad. Un espectáculo lleno de risas y alegrias, de dramas y tragedias, lleno de actores con muchas ganas de trabajar y demostrar el talento que llevan dentro ante un público con tomates en las manos.
Sala Mirador
La Sala Mirador en donde se representa cada viernes y sábado La katarsis del tomatazo no tiene nada que ver con el resto de salas de teatro madrileñas.
Escondida en una calle cercana a Atocha está compuesta por tres "escenarios", el primero de ellos es el patio de
la escuela, lleno de enredaderas y plantas, con columpios y mesitas de terraza, en donde los actores de la obra se meten entre el público y sus conversaciones. El que podriamos determinar como el segundo de los lugares de representación es el bar en el que los espectadores antes de entrar en la sala o en el intermedio de la obra disfrutan de la copa que les brinda la entrada a La katarsis del tomatazo. Y por último, el escenario en cuestión, en donde se representa la mayor parte de la obra. Se trata de una pequeña sala con capacidad para 60-75 personas que se acomodan en las butacas de plástico situadas en escala.
En frente del "patio de butacas" se encuentra el escenario, con los suelos ya muy gastados tras 12 años en cartel
Los lujos quedan apartados en esta sala en la que un trozo de tomate puede caer sobre los pantalones de algunos de los componentes del público (sobre todo aquellos que se encuentran en las primeras filas). Sin duda ese es el escenario con muchas representaciones a sus espaldas, un escenario que se usa muhos de los 365 del año para ensayar, representar, reir y llorar. La Sala Mirador ha representado otras obras que se intercalan con La Katarsis del tomatazo como "El privilegio de ser perro"
Cándido vuelve al cartel de La Scala de Milán
Stéphane Lissner ha dado marcha atrás en la decisión que tomó el pasado 28 de diciembre de cancelar la versión de Cándido de Robert Carsen. Tras una conversación entre Lissner y el director de la obra los problemas que impedían que se llevara a cabo la representación en La Scala de Milán parecen haberse solucionado.
Hace 5 días Lissner, director artístico de La Scala cancelaba la ópera al afirmar entre otros motivos que
no encontraría su público" en Milán. La decisión de suspender Cándido no se debía únicamente a las sátiras políticas, una escena que duraba sólo tres minutos, en la que los actores aparecían con máscaras de los políticos de los países mundiales, con ropa interior y corbatas que representaban las banderas de sus respectivos países, bailando borrachos sobre una marea negra. Sino que otra de las razones era los textos que había añadido Carsen, además Lissner decía que el espectáculo visto en París "donde el espíritu de Voltaire está siempre vivo, no puede convencer a los milaneses por las mismas razones históricas".
Robert Carsen declaró al períodico Le Monde que su texto es un 20% más corto que el inicial y que siempre pensó
en escribir una nueva versión para el público de La Scala, entre otras razones porque debía traducir los diálogos al italiano.
Para el director de escena de Cándido que ya había trabajado con Lissner en Milán anteriormente "el público de La Scala es suficientemente sofisticado como para comprender los propósitos de Voltaire." La ópera en la que también participa la English National Operade Londres está programada en La Scala de Milán del 20 de junio al 18 de julio.
Hace 5 días Lissner, director artístico de La Scala cancelaba la ópera al afirmar entre otros motivos que
no encontraría su público" en Milán. La decisión de suspender Cándido no se debía únicamente a las sátiras políticas, una escena que duraba sólo tres minutos, en la que los actores aparecían con máscaras de los políticos de los países mundiales, con ropa interior y corbatas que representaban las banderas de sus respectivos países, bailando borrachos sobre una marea negra. Sino que otra de las razones era los textos que había añadido Carsen, además Lissner decía que el espectáculo visto en París "donde el espíritu de Voltaire está siempre vivo, no puede convencer a los milaneses por las mismas razones históricas". Robert Carsen declaró al períodico Le Monde que su texto es un 20% más corto que el inicial y que siempre pensó
en escribir una nueva versión para el público de La Scala, entre otras razones porque debía traducir los diálogos al italiano. Para el director de escena de Cándido que ya había trabajado con Lissner en Milán anteriormente "el público de La Scala es suficientemente sofisticado como para comprender los propósitos de Voltaire." La ópera en la que también participa la English National Operade Londres está programada en La Scala de Milán del 20 de junio al 18 de julio.
La Scala de Milán cancela una nueva versión de Cándido
El pasado 28 de diciembre, La Scala de Milán emitió un comunicado cancelando la versión de Robert Carsen de la ópera Cándido alegando entre otros motivos que no encontraría a su público en Milán.
La decisión fue tomada por Stéphane Lissner, director artísitico de La Scala después de que viera la representación de la ópera en el Theatre du Chatelet de París, argumentando que no cumple con el programa artísitco de La Scala.
La ópera de Leonard Berstein que ahora dirige Robert Carsen muestra en una de las escenas a actores con máscaras de George Bush, Jacques Chirac, Tony Blair, el ex-primer ministro italiano Silvio Berlusconi y Vladimir Putin bailando borrachos sobre una marea negra y ataviados con ropa interior y corbatas que representan las banderas de sus respectivos países.
El portavoz de La Scala, Carlo María Cella afirmó que esa escena es tan sólo una pequeña parte del problema. Indicó que Carsen ha modificado en gran parte la obra original de Berstein introduciendo por ejemplo nuevos diálogos. Cella además afirmó que "en lugar de ser parecido al original, se basa en él para crear un trabajo particular".
La Scala aún no sabe que obra reemplazará a esta versión de Cándido que ridiculiza a Bush, Blair y Berlusconi.
La decisión fue tomada por Stéphane Lissner, director artísitico de La Scala después de que viera la representación de la ópera en el Theatre du Chatelet de París, argumentando que no cumple con el programa artísitco de La Scala.
La ópera de Leonard Berstein que ahora dirige Robert Carsen muestra en una de las escenas a actores con máscaras de George Bush, Jacques Chirac, Tony Blair, el ex-primer ministro italiano Silvio Berlusconi y Vladimir Putin bailando borrachos sobre una marea negra y ataviados con ropa interior y corbatas que representan las banderas de sus respectivos países.
El portavoz de La Scala, Carlo María Cella afirmó que esa escena es tan sólo una pequeña parte del problema. Indicó que Carsen ha modificado en gran parte la obra original de Berstein introduciendo por ejemplo nuevos diálogos. Cella además afirmó que "en lugar de ser parecido al original, se basa en él para crear un trabajo particular".
La Scala aún no sabe que obra reemplazará a esta versión de Cándido que ridiculiza a Bush, Blair y Berlusconi.
La Scala de Milán obliga a sus espectadores a acudir correctamente vestidos.
El teatro La Scala de Milán ha adoptado una nueva política, instando al público a que acudan vestidos de forma adecuada, los hombres con traje y corbata y traje oscuro en los estrenos y las mujeres vestidas con "adecuado decoro".
El director artístico de La Scala de Milán, Stéphane Lissner, ha decidido dar un gran impulso a las normas de comportamiento porque algunas habían caído en desuso, como la de vestor correctamente. La dirección del teatro ha prometido "controles discretos" y ha explicado que no se "expulsará" a nadie, pero se invita al público a que respeten las normas.
En el mundo de la cultura esta decisión tiene sus defensores y detractores, entre los primeros se encuentra el director de orquesta Riccardo Chailly que afirma "una sede histórica como La Scala tiene que tener un público que honre el lugar", además critica otros teatros del mundo donde no se respetan ciertas normas, como en Holanda donde dice "sólo falta que el público acuda en ropa interior".
Sin embargo otra parte del mundo cultural como el Premio Nobel Dario Fo afirma creer "que La Scala prefiere un público con cierto rango y esa iniciativa es una forma de discriminación". Otros como Antonello Manacorda se muestran a favor de acudir al teatro vestidos de forma correcta, pero no cree que la elegancia haya que identificarla con chaqueta y corbata.
El director artístico de La Scala de Milán, Stéphane Lissner, ha decidido dar un gran impulso a las normas de comportamiento porque algunas habían caído en desuso, como la de vestor correctamente. La dirección del teatro ha prometido "controles discretos" y ha explicado que no se "expulsará" a nadie, pero se invita al público a que respeten las normas.
En el mundo de la cultura esta decisión tiene sus defensores y detractores, entre los primeros se encuentra el director de orquesta Riccardo Chailly que afirma "una sede histórica como La Scala tiene que tener un público que honre el lugar", además critica otros teatros del mundo donde no se respetan ciertas normas, como en Holanda donde dice "sólo falta que el público acuda en ropa interior".
Sin embargo otra parte del mundo cultural como el Premio Nobel Dario Fo afirma creer "que La Scala prefiere un público con cierto rango y esa iniciativa es una forma de discriminación". Otros como Antonello Manacorda se muestran a favor de acudir al teatro vestidos de forma correcta, pero no cree que la elegancia haya que identificarla con chaqueta y corbata.
A punto de cerrar el teatro por excelencia de la música negra de los años 20-50
En Washington, The Lincoln Theater, donde actuaron grandes artistas de la música como Louis Amstrong, Duke Ellington o Ella Fitzgerald está sin fondos y contemplan la posibilidad de clausurar el teatro. 
El teatro cerrará a menos de que reciba una fuerte inyección de dinero. A principios de enero sólo disponía de 1362 $ y aún debían pagar a los empleados. Adrian M. Fenty, alcalde de Washington afirmó que estaba buscando una solución para evitar el cierre. Al teatro se le concedió en octubre una subención de 500.000 $, pero en enero declararon que la ciudad carecía de fondos y el subsidio fue cancelado.
Con 1250 asientos e inaugurado en 1922, el Lincoln Theater figura en el Registro Nacional de Lugares Históricos y es el teatro histórico oficial de la capital de EEUU. En sus años gloriosos atraía a las estrellas de la música negra, y servía de sala de estrenos de películas y salón de fiestas para debutantes cuando las salas del centro estaban vedadas a los negros.
Su decadencia llegó con el fin de la segregación racial y cerró en 1979. En 1994 abrió de nuevo, renovando el lujoso teatro (tenía apliques de bronce y arañas de cristal) siendo admistrada por una fundación sin ánimo de lucro. Ahora la falta de inversión hará que una de las joyas de la "Broadway Negra" cierre sus puertas.
El teatro cerrará a menos de que reciba una fuerte inyección de dinero. A principios de enero sólo disponía de 1362 $ y aún debían pagar a los empleados. Adrian M. Fenty, alcalde de Washington afirmó que estaba buscando una solución para evitar el cierre. Al teatro se le concedió en octubre una subención de 500.000 $, pero en enero declararon que la ciudad carecía de fondos y el subsidio fue cancelado.
Con 1250 asientos e inaugurado en 1922, el Lincoln Theater figura en el Registro Nacional de Lugares Históricos y es el teatro histórico oficial de la capital de EEUU. En sus años gloriosos atraía a las estrellas de la música negra, y servía de sala de estrenos de películas y salón de fiestas para debutantes cuando las salas del centro estaban vedadas a los negros.
Su decadencia llegó con el fin de la segregación racial y cerró en 1979. En 1994 abrió de nuevo, renovando el lujoso teatro (tenía apliques de bronce y arañas de cristal) siendo admistrada por una fundación sin ánimo de lucro. Ahora la falta de inversión hará que una de las joyas de la "Broadway Negra" cierre sus puertas.