LA CAIDA (Downfall)
Alemania – 2004
Director: Olivier Hirschbiegel
Guión: Bernd Eichinger
Basado en los libros “Der Untergang”, de Joachim Fest y en “Biszur Letzten Stunden”, de Traudl Junge y Melissa Muller.
Reparto: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Juliane Kohler, Ulrich Matthes, Mathias Habich,...
Nominada al premio Oscar como Mejor Película en Lengua No Inglesa 2004
Calificación: 4/5
Berlín, abril de 1945. Una nación está punto de sufrir su hundimiento. Una encarnizada batalla se libera en las calles de la capital, la cual ya no puede resistir más. Ante esto, Adolf Hitler (Bruno Ganz) y su círculo de confianza, que incluye a su secretaria personal Traudl Junger (Alexandra Maria Lara), deciden atrincherarse en el búnker del Fuhrer, quien se niega a abandonar la ciudad.
“La Caída” ( o “El Hundimiento”, título con el que ha llegado a varias manos) es el trabajo de un grupo de eficientes artesanos cinematográficos, un gran guionista y de un reparto de excelente nivel y naturalidad. Chocándonos de frente con la idea de tener ante nuestros ojos los últimos doce días en la vida de Hitler, el interés nos carcome, al punto de involucrarnos minuto tras otro en una historia llena de datos históricos, la mayoría pocos conocidos pero de los cuales confiamos con libertad.
El filme nos ubica en una zona especial, pero pocas veces mostrada: la imparcialidad de contar una historia real que tenga a millones de víctimas en el medio. Ya son muchas las películas que se disputan entre sí la veracidad de sus versiones, tratando de ganar gente que las comprenda. En esta oportunidad, Olivier Hirschbiegel y Bernd Eichinger se encargan con pericia de una narración harto fluida que se disfraza de compleja, logrando lo mejor de la película. El sentimiento de claustrofobia (apoyado por lo gris en cada ambiente del búnker) encaja con exactitud en esa tensión contenida y palpitante de cada uno de los personajes, la cual se refleja en miradas encrespadas, con la ilusión de un grito. Pero me parece justo nombrar el impecable trabajo de Rainer Klausmann: director de fotografía de quien sospecho es artífice de las escenas más logradas. Siempre disfruto y rescato la labor de los directores de fotografía, pues realizan trabajos mayormente olvidados, ero de inmensa maestría en los mejores casos.
Durante las aproximadas dos horas y veinte minutos que dura la película, logramos respirar el encierro y acostumbrarnos a los pasadizos, sintiendo sobre nosotros un mundo que se derrumba. Los elementos históricos de desplegan en parte bajo los testimonios utilizados para el guión, principalmente el de Traudl Junge: joven secretaria personal de Hitler, quien nos deja, post-mortem, algunas palabras (ubicadas al inicio y final del filme) en las que nos confiesa sus sentimientos algo más claros y fortificados por el pasar de los años. Así, los minutos también pasan y detallan al mismo Hitler, humanizándolo, lo cual ayuda a ver con sensatez el perfil más cercano posible del personaje histórico y de su personal infierno, el cual trasladaba al resto.
Bruno Ganz logra la caracterización perfecta de Hitler, algo que jamás pude ver en el cine, televisión o teatro. Su fuerza vocal delinea la manera más firme (pese al deterioro físico del personaje) de presentarnos al corazón del búnker y del poderío nazi en franco deceso. No caen excesos histriónicos ni en caricaturización fílmica, como ya ocurrió en el pasado. Los silencios y temblores de Hitler sobrepasan la dureza de otros personajes, mostrando el control de un líder bajo sus limitados alcances y la demasía de errores. Alexandra Maria Lara, interpretando a la secretaria del Fuhrer, es una frescura constante que e todo momento lleva el respiro y la cadencia más próxima al espectador; ella, observadora privilegiada y castigada a la vez por dicha voluntad, es en parte nuestra guía del recorrido. Presenta con coherencia su personaje, al igual que el nutrido reparto tan realista como la recreación de los escenarios en los que se movilizan. Claro que existe los ligeros tropiezos, como las historias que involucran a niños en el exterior o en la presencia fantasmal de Eva Braun (esposa de Hitler) durante la historia.
Termina la película y deja algo más; no mucho, pero sí algo. Y esto se debe, y agradece, a cada uno de los puntos que humildemente he querido comentar. Toda historia, buena o mala, de nuestra historia se debe seguir contando, pero en la mejor de las formas posible, algo que en el Perú no creo ver hasta dentro de muchos años.
Colaboración de Alan Cáceres S.
kubrick_spielberg@hotmail.com
Director: Olivier Hirschbiegel
Guión: Bernd Eichinger
Basado en los libros “Der Untergang”, de Joachim Fest y en “Biszur Letzten Stunden”, de Traudl Junge y Melissa Muller.
Reparto: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Juliane Kohler, Ulrich Matthes, Mathias Habich,...
Nominada al premio Oscar como Mejor Película en Lengua No Inglesa 2004
Calificación: 4/5
Berlín, abril de 1945. Una nación está punto de sufrir su hundimiento. Una encarnizada batalla se libera en las calles de la capital, la cual ya no puede resistir más. Ante esto, Adolf Hitler (Bruno Ganz) y su círculo de confianza, que incluye a su secretaria personal Traudl Junger (Alexandra Maria Lara), deciden atrincherarse en el búnker del Fuhrer, quien se niega a abandonar la ciudad.“La Caída” ( o “El Hundimiento”, título con el que ha llegado a varias manos) es el trabajo de un grupo de eficientes artesanos cinematográficos, un gran guionista y de un reparto de excelente nivel y naturalidad. Chocándonos de frente con la idea de tener ante nuestros ojos los últimos doce días en la vida de Hitler, el interés nos carcome, al punto de involucrarnos minuto tras otro en una historia llena de datos históricos, la mayoría pocos conocidos pero de los cuales confiamos con libertad.
El filme nos ubica en una zona especial, pero pocas veces mostrada: la imparcialidad de contar una historia real que tenga a millones de víctimas en el medio. Ya son muchas las películas que se disputan entre sí la veracidad de sus versiones, tratando de ganar gente que las comprenda. En esta oportunidad, Olivier Hirschbiegel y Bernd Eichinger se encargan con pericia de una narración harto fluida que se disfraza de compleja, logrando lo mejor de la película. El sentimiento de claustrofobia (apoyado por lo gris en cada ambiente del búnker) encaja con exactitud en esa tensión contenida y palpitante de cada uno de los personajes, la cual se refleja en miradas encrespadas, con la ilusión de un grito. Pero me parece justo nombrar el impecable trabajo de Rainer Klausmann: director de fotografía de quien sospecho es artífice de las escenas más logradas. Siempre disfruto y rescato la labor de los directores de fotografía, pues realizan trabajos mayormente olvidados, ero de inmensa maestría en los mejores casos.
Durante las aproximadas dos horas y veinte minutos que dura la película, logramos respirar el encierro y acostumbrarnos a los pasadizos, sintiendo sobre nosotros un mundo que se derrumba. Los elementos históricos de desplegan en parte bajo los testimonios utilizados para el guión, principalmente el de Traudl Junge: joven secretaria personal de Hitler, quien nos deja, post-mortem, algunas palabras (ubicadas al inicio y final del filme) en las que nos confiesa sus sentimientos algo más claros y fortificados por el pasar de los años. Así, los minutos también pasan y detallan al mismo Hitler, humanizándolo, lo cual ayuda a ver con sensatez el perfil más cercano posible del personaje histórico y de su personal infierno, el cual trasladaba al resto.
Bruno Ganz logra la caracterización perfecta de Hitler, algo que jamás pude ver en el cine, televisión o teatro. Su fuerza vocal delinea la manera más firme (pese al deterioro físico del personaje) de presentarnos al corazón del búnker y del poderío nazi en franco deceso. No caen excesos histriónicos ni en caricaturización fílmica, como ya ocurrió en el pasado. Los silencios y temblores de Hitler sobrepasan la dureza de otros personajes, mostrando el control de un líder bajo sus limitados alcances y la demasía de errores. Alexandra Maria Lara, interpretando a la secretaria del Fuhrer, es una frescura constante que e todo momento lleva el respiro y la cadencia más próxima al espectador; ella, observadora privilegiada y castigada a la vez por dicha voluntad, es en parte nuestra guía del recorrido. Presenta con coherencia su personaje, al igual que el nutrido reparto tan realista como la recreación de los escenarios en los que se movilizan. Claro que existe los ligeros tropiezos, como las historias que involucran a niños en el exterior o en la presencia fantasmal de Eva Braun (esposa de Hitler) durante la historia.
Termina la película y deja algo más; no mucho, pero sí algo. Y esto se debe, y agradece, a cada uno de los puntos que humildemente he querido comentar. Toda historia, buena o mala, de nuestra historia se debe seguir contando, pero en la mejor de las formas posible, algo que en el Perú no creo ver hasta dentro de muchos años.
Colaboración de Alan Cáceres S.
kubrick_spielberg@hotmail.com
VOCES INOCENTES
de Luis Mandoki
2004 Mexico USA Puerto Rico Drama
Con Carlos Padilla, Leonor Varela
Chava es un niño muy despierto, esta conociendo el primer amor, le encanta como a los otros niños de su edad jugar a las bolitas y hacer cometas de papel, ademas de ser muy aplicado en el colegio y pronto llegar a cumplir los doce años, tal vez ahí empiece el problema.
Porque al llegar a esa edad será reclutado por el ejercito salvadoreño para combatir al FMLN en un proyecto de captar niños antes que estos sean reclutados por los guerrilleros, su mayor preocupación será dejar a su madre y a sus dos hermanos menores quienes todos los días sortean disparos y bombas provenientes de ambos flancos.
Oscar Orlando Torres, quien es el guionista, nos brinda su testimonio en esta producción, la cual basa sus primeros años en El Salvador para recrear una historia que tal vez jamas pudo ser contada, si tan solo una sola de aquellas miles de balas hubiera cruzado unos milimetros mas cerca.
Voces inocentes cuenta con una hermosa fotografía, actuaciones increibles, como es el caso de los mas pequeños, quienes derrochan una magistral identificación con sus personajes.
Mandoki, el director, ha trabajado en EEUU en películas irregulares tales como "Mensaje en la Botella" con Kevin Costner o en "Cuando un hombre ama a una mujer" con Andy García y Meg Ryan, sin embargo sentía que debia pagar una cuota para con su comunidad y lo logra aceptando este bello proyecto que aunque llevó a la bancarrota a la productora mexicana Altavista concreta lo que muy pocos han logrado, transmitir un mensaje que llegue a pocas personas pero que llegue al fin y al cabo.
Voces Inocentes es el ejemplo perfecto de aquella flor que aunque crezca en el fango, sigue siendo hermosa y permite que uno llegue a dos conclusiones despues de ver esta película.
La primera, es que el cine no tiene una correspondencia entre calidad y cantidad, entre taquilla y buen gusto, para ser mas claros sorprende el hecho que no haya sido estrenada ni en el uno por ciento de las salas latinoamericanas, aunque eso no sea nuevo, no deja de alarmarnos la energía que concentramos en tratar de no vernos en nuestra propia realidad.
La segunda conclusión es que se acabaron los cuatro grandes directores que dominan el buen arte audiovisual, demostrando que se puede hacer buen cine con bajos recursos y mucha creatividad.
A prestar pues, mucha atención, por que se puede hallar una verdadera joya donde uno menos lo espere, tal vez en nuestras propias narices mientras alquilamos "Los cuatro fantásticos" nos esté esperando algo interesante a la vuelta del exhibidor...
2004 Mexico USA Puerto Rico Drama
Con Carlos Padilla, Leonor Varela
Chava es un niño muy despierto, esta conociendo el primer amor, le encanta como a los otros niños de su edad jugar a las bolitas y hacer cometas de papel, ademas de ser muy aplicado en el colegio y pronto llegar a cumplir los doce años, tal vez ahí empiece el problema.Porque al llegar a esa edad será reclutado por el ejercito salvadoreño para combatir al FMLN en un proyecto de captar niños antes que estos sean reclutados por los guerrilleros, su mayor preocupación será dejar a su madre y a sus dos hermanos menores quienes todos los días sortean disparos y bombas provenientes de ambos flancos.
Oscar Orlando Torres, quien es el guionista, nos brinda su testimonio en esta producción, la cual basa sus primeros años en El Salvador para recrear una historia que tal vez jamas pudo ser contada, si tan solo una sola de aquellas miles de balas hubiera cruzado unos milimetros mas cerca.
Voces inocentes cuenta con una hermosa fotografía, actuaciones increibles, como es el caso de los mas pequeños, quienes derrochan una magistral identificación con sus personajes.
Mandoki, el director, ha trabajado en EEUU en películas irregulares tales como "Mensaje en la Botella" con Kevin Costner o en "Cuando un hombre ama a una mujer" con Andy García y Meg Ryan, sin embargo sentía que debia pagar una cuota para con su comunidad y lo logra aceptando este bello proyecto que aunque llevó a la bancarrota a la productora mexicana Altavista concreta lo que muy pocos han logrado, transmitir un mensaje que llegue a pocas personas pero que llegue al fin y al cabo.
Voces Inocentes es el ejemplo perfecto de aquella flor que aunque crezca en el fango, sigue siendo hermosa y permite que uno llegue a dos conclusiones despues de ver esta película.
La primera, es que el cine no tiene una correspondencia entre calidad y cantidad, entre taquilla y buen gusto, para ser mas claros sorprende el hecho que no haya sido estrenada ni en el uno por ciento de las salas latinoamericanas, aunque eso no sea nuevo, no deja de alarmarnos la energía que concentramos en tratar de no vernos en nuestra propia realidad.
La segunda conclusión es que se acabaron los cuatro grandes directores que dominan el buen arte audiovisual, demostrando que se puede hacer buen cine con bajos recursos y mucha creatividad.
A prestar pues, mucha atención, por que se puede hallar una verdadera joya donde uno menos lo espere, tal vez en nuestras propias narices mientras alquilamos "Los cuatro fantásticos" nos esté esperando algo interesante a la vuelta del exhibidor...
ZATOICHI
de Takeshi Kitano
2003 Japón
Takeshi Kitano, Tadanobu Asano
Una vez mas el maestro Kitano ( Las vacaciones de Kikujiro ) nos demuestra que no es pura casualidad tanta genialidad, dirige y actúa en esta película que se añade como una nueva joya en el cine japonés, lo curioso es que hace de un guerrero ciego y segun sus palabras, actuar y dirigir con los ojos cerrados es una de las cosas mas difíciles del mundo.
Este personaje que ha sido llevado al cine múltiples veces es producto de esa fascinación oriental por los guerreros solitarios y errantes, Zatoichi es un perfecto ejemplo de ello, sin embargo esta película aporta nuevas características.
La estética visual es lo mas notable en esta entrega, cada fotograma es una postal que nos lleva a un viaje donde experimentaremos alegría, tristeza, asombro y admiración, mucha admiración.
Indispensable para los seguidores del buen cine de acción y para demostrar que en este género no todo es Tarantino, otro director y guionista notable, quien a su vez se ha alimentado mucho de esta vertiente.
Kitano incluye una escena de danza, ejecutada por "Los Stripes" un grupo de baile japones y por el elenco mismo que haría sonrojar a los mas experimentados bailarines del mismísimo carnaval de Rio, esta sola escena justifica con creces todo el esfuerzo en conjunto, que Kitano reconoce generosamente junto a sus técnicos y empleados quienes lograron hacer de esta película, la sensación que rompió en todo el festival de Venecia en el año 2004.
2003 Japón
Takeshi Kitano, Tadanobu Asano
Una vez mas el maestro Kitano ( Las vacaciones de Kikujiro ) nos demuestra que no es pura casualidad tanta genialidad, dirige y actúa en esta película que se añade como una nueva joya en el cine japonés, lo curioso es que hace de un guerrero ciego y segun sus palabras, actuar y dirigir con los ojos cerrados es una de las cosas mas difíciles del mundo.Este personaje que ha sido llevado al cine múltiples veces es producto de esa fascinación oriental por los guerreros solitarios y errantes, Zatoichi es un perfecto ejemplo de ello, sin embargo esta película aporta nuevas características.
La estética visual es lo mas notable en esta entrega, cada fotograma es una postal que nos lleva a un viaje donde experimentaremos alegría, tristeza, asombro y admiración, mucha admiración.
Indispensable para los seguidores del buen cine de acción y para demostrar que en este género no todo es Tarantino, otro director y guionista notable, quien a su vez se ha alimentado mucho de esta vertiente.
Kitano incluye una escena de danza, ejecutada por "Los Stripes" un grupo de baile japones y por el elenco mismo que haría sonrojar a los mas experimentados bailarines del mismísimo carnaval de Rio, esta sola escena justifica con creces todo el esfuerzo en conjunto, que Kitano reconoce generosamente junto a sus técnicos y empleados quienes lograron hacer de esta película, la sensación que rompió en todo el festival de Venecia en el año 2004.
LA VENTANA DE ENFRENTE
de Ferzan Ozpetek
ITALIA 2003 Drama
Giovanna Mezzogiorno, Massimo Girotti, Raoul Bova, Filippo Nigro
Giovanna es una bella joven, buena madre, mejor esposa, tiene dos trabajos: por el día despluma pollos y por la noche vende pasteles en un bar, asi transcurre su vida junto a sus dos pequeñas hijas y un desempleado esposo, sin embargo ella tiene un refugio, la pequeña ventana de su cocina, en la cual pasa horas mientras prepara sus pasteles, en ella observa las peripecias de su joven vecino, quien vive una soltería plena.
Cuando llega el día en que Filippo, su esposo, trae a un viejo amnésico a la casa, su vida cambia plenamente, en una suerte de eventos fortuitos, los cuales desencadenaran pensamientos reprimidos, sentimientos de una mujer en un remoto pueblo.
Lo rescatable de esta sencilla historia, es que rompe con el "stablishment", ya que nos encontramos con voyeurismo femenino, un otoñal sentimiento homosexual, un esposo que funge de ama de casa, la vida misma.
Giovanna nos demuestra que no hay blancos ni negros, que todos cometemos errores, que toda ese cacareada fidelidad no es mas que un saludo a la bandera y que las oportunidades que te brinda la vida no vienen necesariamente en orden.
Simone, el anciano en el cual gira toda la historia, es interpretado brillantemente por Massimo Girotti, lamentablemente no pudo llegar a verla el día de su estreno pues falleció unos meses antes, excelente broche de oro a 63 años de carrera artística.
Definitivamente esta película, 15 veces premiada, no encaja perfectamente al gusto de quienes adoran los finales felices, ni de aquellos que admiran el tipo de talento artístico que ofrecen actrices como Jessica Alba o Jennifer Lopez, quedan advertidos entonces, en esta película pueden encontrarse con una realidad no muchas veces encarada: las mujeres tambien tienen derecho a equivocarse.
ITALIA 2003 Drama
Giovanna Mezzogiorno, Massimo Girotti, Raoul Bova, Filippo Nigro
Giovanna es una bella joven, buena madre, mejor esposa, tiene dos trabajos: por el día despluma pollos y por la noche vende pasteles en un bar, asi transcurre su vida junto a sus dos pequeñas hijas y un desempleado esposo, sin embargo ella tiene un refugio, la pequeña ventana de su cocina, en la cual pasa horas mientras prepara sus pasteles, en ella observa las peripecias de su joven vecino, quien vive una soltería plena.Cuando llega el día en que Filippo, su esposo, trae a un viejo amnésico a la casa, su vida cambia plenamente, en una suerte de eventos fortuitos, los cuales desencadenaran pensamientos reprimidos, sentimientos de una mujer en un remoto pueblo.
Lo rescatable de esta sencilla historia, es que rompe con el "stablishment", ya que nos encontramos con voyeurismo femenino, un otoñal sentimiento homosexual, un esposo que funge de ama de casa, la vida misma.
Giovanna nos demuestra que no hay blancos ni negros, que todos cometemos errores, que toda ese cacareada fidelidad no es mas que un saludo a la bandera y que las oportunidades que te brinda la vida no vienen necesariamente en orden.
Simone, el anciano en el cual gira toda la historia, es interpretado brillantemente por Massimo Girotti, lamentablemente no pudo llegar a verla el día de su estreno pues falleció unos meses antes, excelente broche de oro a 63 años de carrera artística.
Definitivamente esta película, 15 veces premiada, no encaja perfectamente al gusto de quienes adoran los finales felices, ni de aquellos que admiran el tipo de talento artístico que ofrecen actrices como Jessica Alba o Jennifer Lopez, quedan advertidos entonces, en esta película pueden encontrarse con una realidad no muchas veces encarada: las mujeres tambien tienen derecho a equivocarse.
BEFORE SUNRISE / BEFORE SUNSET
de Richard Linklater
USA AUSTRIA FRANCIA 1995 / 2004
Ethan Hawke, Julie Delpy
En esta ocasión deseo comentar dos películas que en realidad es una sola, puesto que se necesitan una de otra para redondear perfectamente esta historia.
Jesse y Celine son los personajes de estas películas, ambos solamente se han visto dos veces en diez años, a pesar de encajar tan perfectamente y sentir que ambos son, esa parte faltante en la existencia de cada uno.
En Before Sunrise (1995) Jesse y Celine son jovenes, dignos, orgullosos y es que sienten que el mundo va a caer rendido a sus pies dentro de muy poco, en esta aventura ambos exponen sus ideas y sentimientos mientras va naciendo algo entre ellos, todo esto ocurre en una sola noche.
En Before Sunset (2004) Esta pareja son una decada mas adultos, incluso fisicamente han cambiado, pero aun más interiormente, en el transcurso de este segundo encuentro iran descubriendo lo mucho que han ido perdiendo en todos esos años.
La riqueza de los dialogos es lo mejor de la película, si tienes la envidiable suerte de no haberla visto, (en realidad me gustaria volver a experimentar todas esas sensaciones que tuve al verlas por primera vez) vas a encontrar ideas y opiniones que muchas veces has planteado en tu vida, la conversación que sostienen ambos es tan real, que por momentos te olvidas completamente que es tan solo una película, pero esa es la esencia del buen cine, al igual que el maquillaje en una mujer, es mas bello mientras mejor se disimule.
Me voy a permitir ser personal (solo por esta vez) al explicar ciertos puntos, realmente he ido creciendo con esta película, cuando la vi por primera vez en 1995 me asombro la facilidad con la que te puedes identificar con las situaciones de esta primera entrega, incluso para llegar a avalar ciertos errores aunque de eso dependa nuestro futuro. Cuando vi la segunda parte, hace un mes, al igual que los personajes y con una versión de la vida mas realista, lamenté haber dejado pasar tantas cosas, como rezan aquellos poemas de Nadine Stair atribuidos erroneamente a Borges: "Si pudiera vivir mi vida nuevamente trataría de cometer mas errores".
Linklater crea de esta forma una fábula postmodernista de las relaciones cosmopólitas quien en una era de transbordadores y alta teconología, llegamos fatalmente a la conclusión en que el mundo es un pañuelo y lo que es peor que es nuestro pañuelo. Osadamente pretendemos caer en la certeza de que esa persona que cambió tu vida, va a estar ahi esperandote, envasada, flotando en formol, cuando es exactamente lo contrario.
Todos tenemos una vida limitada y tal como lo demuestra la "teoría del caos" de Lorentz Poincaré, no es necesario que hagas nada, quedate ahi sentado y verás como tu vida se autodestruye porque todo tiende malditamente al exterminio.
En todo caso, esta es la esencia de este blog, incitarte a que veas este tipo de películas y que influya en forma positiva en tu vida, porque nosotros somos lo que comemos... y lo que vemos por supuesto.
USA AUSTRIA FRANCIA 1995 / 2004
Ethan Hawke, Julie Delpy
En esta ocasión deseo comentar dos películas que en realidad es una sola, puesto que se necesitan una de otra para redondear perfectamente esta historia. Jesse y Celine son los personajes de estas películas, ambos solamente se han visto dos veces en diez años, a pesar de encajar tan perfectamente y sentir que ambos son, esa parte faltante en la existencia de cada uno.
En Before Sunrise (1995) Jesse y Celine son jovenes, dignos, orgullosos y es que sienten que el mundo va a caer rendido a sus pies dentro de muy poco, en esta aventura ambos exponen sus ideas y sentimientos mientras va naciendo algo entre ellos, todo esto ocurre en una sola noche.
En Before Sunset (2004) Esta pareja son una decada mas adultos, incluso fisicamente han cambiado, pero aun más interiormente, en el transcurso de este segundo encuentro iran descubriendo lo mucho que han ido perdiendo en todos esos años.
La riqueza de los dialogos es lo mejor de la película, si tienes la envidiable suerte de no haberla visto, (en realidad me gustaria volver a experimentar todas esas sensaciones que tuve al verlas por primera vez) vas a encontrar ideas y opiniones que muchas veces has planteado en tu vida, la conversación que sostienen ambos es tan real, que por momentos te olvidas completamente que es tan solo una película, pero esa es la esencia del buen cine, al igual que el maquillaje en una mujer, es mas bello mientras mejor se disimule.
Me voy a permitir ser personal (solo por esta vez) al explicar ciertos puntos, realmente he ido creciendo con esta película, cuando la vi por primera vez en 1995 me asombro la facilidad con la que te puedes identificar con las situaciones de esta primera entrega, incluso para llegar a avalar ciertos errores aunque de eso dependa nuestro futuro. Cuando vi la segunda parte, hace un mes, al igual que los personajes y con una versión de la vida mas realista, lamenté haber dejado pasar tantas cosas, como rezan aquellos poemas de Nadine Stair atribuidos erroneamente a Borges: "Si pudiera vivir mi vida nuevamente trataría de cometer mas errores".
Linklater crea de esta forma una fábula postmodernista de las relaciones cosmopólitas quien en una era de transbordadores y alta teconología, llegamos fatalmente a la conclusión en que el mundo es un pañuelo y lo que es peor que es nuestro pañuelo. Osadamente pretendemos caer en la certeza de que esa persona que cambió tu vida, va a estar ahi esperandote, envasada, flotando en formol, cuando es exactamente lo contrario.
Todos tenemos una vida limitada y tal como lo demuestra la "teoría del caos" de Lorentz Poincaré, no es necesario que hagas nada, quedate ahi sentado y verás como tu vida se autodestruye porque todo tiende malditamente al exterminio.
En todo caso, esta es la esencia de este blog, incitarte a que veas este tipo de películas y que influya en forma positiva en tu vida, porque nosotros somos lo que comemos... y lo que vemos por supuesto.
DONNIE DARKO
de Richard Kelly
USA 2001 Drama Fantasia
Jake Gyllenhaal, Drew Barrymore, Patrick Swayze, Katharine Ross
Realmente para quien gusta del cine sencillo y sin pretensiones pero no por eso exento de una carga fuerte de sensibilidad y alucine, esta es su película. Y es que cuenta con características que rayan en lo ilógico y que lo ha encumbrado en estos años en un filme de culto.
Donnie Darko es un muchacho como todos, con la pequeña diferencia de tener como mejor amigo a un siniestro conejo gigante, producto de sus alucinaciones quien cual gitana mal pagada, solo le vaticina hechos fatales, se inicia de esta forma un paseo por el parque de la irrealidad, donde todo se confunde en esa telaraña enmarañada construida entre la vigilia y el sueño.
Realmente notable Jake Gyllenhaal, es increible como un muchacho de 20 años se desempeña tan eficazmente en esta película, luego lo veriamos un año despues (2002) en "una buena chica" una extraña comedia negra que, a pesar de una Jennifer Aniston no muy comoda con su papel, Gyllenhaal cumple de forma eficaz ante el rol encomendado.
Lamentablemente esta industria fagocitaria le hizo lo mismo que a Matt Damon y sobre todo a Ben Affleck, antiguos "wonder boys", plastificandolo en el celuloide y es asi como se le aprecia en "el dia despues de mañana" totalmente acartonado y maniqueado, esperemos que vuelva con esa mezcla extraña de simpleza-patetismo-locura que podemos encontrar facilmente en el vecino del lado, pero raramente en la pantalla grande
USA 2001 Drama Fantasia
Jake Gyllenhaal, Drew Barrymore, Patrick Swayze, Katharine Ross
Realmente para quien gusta del cine sencillo y sin pretensiones pero no por eso exento de una carga fuerte de sensibilidad y alucine, esta es su película. Y es que cuenta con características que rayan en lo ilógico y que lo ha encumbrado en estos años en un filme de culto.Donnie Darko es un muchacho como todos, con la pequeña diferencia de tener como mejor amigo a un siniestro conejo gigante, producto de sus alucinaciones quien cual gitana mal pagada, solo le vaticina hechos fatales, se inicia de esta forma un paseo por el parque de la irrealidad, donde todo se confunde en esa telaraña enmarañada construida entre la vigilia y el sueño.
Realmente notable Jake Gyllenhaal, es increible como un muchacho de 20 años se desempeña tan eficazmente en esta película, luego lo veriamos un año despues (2002) en "una buena chica" una extraña comedia negra que, a pesar de una Jennifer Aniston no muy comoda con su papel, Gyllenhaal cumple de forma eficaz ante el rol encomendado.
Lamentablemente esta industria fagocitaria le hizo lo mismo que a Matt Damon y sobre todo a Ben Affleck, antiguos "wonder boys", plastificandolo en el celuloide y es asi como se le aprecia en "el dia despues de mañana" totalmente acartonado y maniqueado, esperemos que vuelva con esa mezcla extraña de simpleza-patetismo-locura que podemos encontrar facilmente en el vecino del lado, pero raramente en la pantalla grande
HISTORIA DE DOS HERMANAS
de Ji-Woon Kim
SURCOREA 2003 Suspenso Drama Terror
Kap-su Kim, Jung-ah Yum, Su-jeong Lim, Bae Soo-mi.
Existe en Korea una leyenda popular muy conocida, la cual narra la historia de una cruel madrastra que asesina a la hija de su esposo, ahogándola en un rio, la hermana de esta, al enterarse de esto se arroja al mismo para estar junto a ella, el rio existe y se llama "Janghwa, Hongryeon" (Flor de Loto y Rosa Flor). Esta triste oda ha sido llevada en cuatro ocasiones al cine, en esta quinta versión Ji-Woon Kim le da la vuelta a la historia, volviéndola una adaptación súmamente libre.
Es que en este guión escrito por el propio director, se narra una historia que para muchos puede resultar incomprensible, para otros intrigante, pero finalmente se coincide en reconocer que en conjunto, se trata de una de las mejores entregas, cuando no la mejor, que ha podido producir el nuevo cine asiático.
Con algunos paralelos a El Sexto Sentido y a Los Otros, los sentimientos que se reflejan en esta familia disfuncional, el amor estoico del padre, el odio lindante con la locura de la madrastra y sobre todo la necesidad mutua entre ambas hermanas, hacen de esta cinta, que a primera vista puede ser tildada de terror escatológico al mas puro estilo gore (vease afiche) en un fuerte drama muy cercano a la realidad, conmovedor y profundamente impactante.
El terror llega por supuesto, pero en dosis necesarias, sin caer en el efectismo exagerado, ni en el horror barato y sin sentido, que podríamos encontrar en la mayoria de su género, es por eso que este filme nos deja al final una nostalgia que no hace sino corroborar, cuanto podemos comprometernos con sus personajes, sus sentimientos y sus destinos efímeros, fugaces, vagos pero imperecederos en nuestra memoria.
SURCOREA 2003 Suspenso Drama Terror
Kap-su Kim, Jung-ah Yum, Su-jeong Lim, Bae Soo-mi.
Existe en Korea una leyenda popular muy conocida, la cual narra la historia de una cruel madrastra que asesina a la hija de su esposo, ahogándola en un rio, la hermana de esta, al enterarse de esto se arroja al mismo para estar junto a ella, el rio existe y se llama "Janghwa, Hongryeon" (Flor de Loto y Rosa Flor). Esta triste oda ha sido llevada en cuatro ocasiones al cine, en esta quinta versión Ji-Woon Kim le da la vuelta a la historia, volviéndola una adaptación súmamente libre.Es que en este guión escrito por el propio director, se narra una historia que para muchos puede resultar incomprensible, para otros intrigante, pero finalmente se coincide en reconocer que en conjunto, se trata de una de las mejores entregas, cuando no la mejor, que ha podido producir el nuevo cine asiático.
Con algunos paralelos a El Sexto Sentido y a Los Otros, los sentimientos que se reflejan en esta familia disfuncional, el amor estoico del padre, el odio lindante con la locura de la madrastra y sobre todo la necesidad mutua entre ambas hermanas, hacen de esta cinta, que a primera vista puede ser tildada de terror escatológico al mas puro estilo gore (vease afiche) en un fuerte drama muy cercano a la realidad, conmovedor y profundamente impactante.
El terror llega por supuesto, pero en dosis necesarias, sin caer en el efectismo exagerado, ni en el horror barato y sin sentido, que podríamos encontrar en la mayoria de su género, es por eso que este filme nos deja al final una nostalgia que no hace sino corroborar, cuanto podemos comprometernos con sus personajes, sus sentimientos y sus destinos efímeros, fugaces, vagos pero imperecederos en nuestra memoria.
CRASH
de Paul Haggis
USA 2004 Drama
Sandra Bullock,Matt Dillon, Brendan Fraser, Ryan Phillipe, Tony Danza
El típico norteamericano, aquel que alguna vez se autodenominó W.A.S.P.(White Anglosajon Protestant) con el paso de los años ha visto crecer su miedo, ese miedo de ser lenta y paulatinamente relegado, y es que en las tres últimas decadas hemos visto a la comunidad negra posicionarse en los deportes, los latinos por su parte en el ambiente artístico, los japoneses con los últimos avances tecnológicos, incluso los hindúes son reclutados por docenas en el área informática. Existe pues una colisión cultural y social en los estados norteamericanos de mayor desarrollo comercial, precisamente de este choque, Haggis se inspira para crear esta hermosa fábula en la que convergen personajes multiraciales, conectados de una u otra forma al estilo de Short Curts de Robert Altman pero con el alma de Magnolia de Paul Thomas Anderson.
El acierto de Haggis en esta su opera prima (anteriormente fue nominado por el guión de Million Dollar Baby) fue tocar las fibras mas íntimas del pensamiento norteamericano, sin tabúes ni miramientos, ese sentimiento que no llega al odio pero comulga con el desprecio, ese orgullo que se puede sentir hacia la propia etnia, pero que te impide aprender de otras, racismo y discriminación que Haggis manipula a su gusto, de igual forma el odio y la redención les son permitidos a los personajes, al fin y al cabo todos somos el equilibrio de sentimientos contrapuestos, la dualidad del yin y el yang según la filosofía china.
Lamentablemente esta lección moral no respondió en las taquillas, tal vez uno de los factores perjudiciales fue el título de la película, efectivo para el argumento pero confundida por muchos con la anterior Crash de David Cronenberg (1996) lo que provocó que muchos pensaran que se trataba de un reestreno o para otros de un simple remake.
En contraparte fue ampliamente reconocida por la crítica, incluso llego a asombrar la evolución de Paul Haggis, quien se impulsa desde sus guiones televisivos como los de "Walker Texas Rangers" interpretado por Chuck Norris para llegar a esa madurez facilmente percibida en Million Dollar Baby y Crash.
Planos innovadores, una banda sonora que encaja perfectamente con las escenas, dialogos profundos, entre otras características; hacen de esta película, una obra altamente recomendable y una fuerte promesa de una equivalente performance generadas por este novel director hacia sus proximas entregas.
USA 2004 Drama
Sandra Bullock,Matt Dillon, Brendan Fraser, Ryan Phillipe, Tony Danza
El típico norteamericano, aquel que alguna vez se autodenominó W.A.S.P.(White Anglosajon Protestant) con el paso de los años ha visto crecer su miedo, ese miedo de ser lenta y paulatinamente relegado, y es que en las tres últimas decadas hemos visto a la comunidad negra posicionarse en los deportes, los latinos por su parte en el ambiente artístico, los japoneses con los últimos avances tecnológicos, incluso los hindúes son reclutados por docenas en el área informática. Existe pues una colisión cultural y social en los estados norteamericanos de mayor desarrollo comercial, precisamente de este choque, Haggis se inspira para crear esta hermosa fábula en la que convergen personajes multiraciales, conectados de una u otra forma al estilo de Short Curts de Robert Altman pero con el alma de Magnolia de Paul Thomas Anderson.El acierto de Haggis en esta su opera prima (anteriormente fue nominado por el guión de Million Dollar Baby) fue tocar las fibras mas íntimas del pensamiento norteamericano, sin tabúes ni miramientos, ese sentimiento que no llega al odio pero comulga con el desprecio, ese orgullo que se puede sentir hacia la propia etnia, pero que te impide aprender de otras, racismo y discriminación que Haggis manipula a su gusto, de igual forma el odio y la redención les son permitidos a los personajes, al fin y al cabo todos somos el equilibrio de sentimientos contrapuestos, la dualidad del yin y el yang según la filosofía china.
Lamentablemente esta lección moral no respondió en las taquillas, tal vez uno de los factores perjudiciales fue el título de la película, efectivo para el argumento pero confundida por muchos con la anterior Crash de David Cronenberg (1996) lo que provocó que muchos pensaran que se trataba de un reestreno o para otros de un simple remake.
En contraparte fue ampliamente reconocida por la crítica, incluso llego a asombrar la evolución de Paul Haggis, quien se impulsa desde sus guiones televisivos como los de "Walker Texas Rangers" interpretado por Chuck Norris para llegar a esa madurez facilmente percibida en Million Dollar Baby y Crash.
Planos innovadores, una banda sonora que encaja perfectamente con las escenas, dialogos profundos, entre otras características; hacen de esta película, una obra altamente recomendable y una fuerte promesa de una equivalente performance generadas por este novel director hacia sus proximas entregas.