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Rastreando
DesarraigoUn cielo inquieto
El pasado 12 de Mayo se estrenó El cielo gira , primer trabajo de Mercedes Álvarez, en el que a través de un formato documental relata la agonía de su pueblo.
Algunos ya la han calificado como la mejor obra del año para disgusto de los aficionados a Star Wars. El cielo gira, a pesar de su título, no nos lleva a un mundo de galaxias lejanas en el que se disputan guerras absurdas y sin sentido. No necesita desplegar una amplia gama de efectos digitales que oculten una falta de argumento. No.
El Cielo gira es el documental español del año. Heredera de películas como El sol del membrillo o Alumbramiento de Víctor Erice, o En Construcción, J. L. Guerín, (de la que fue editora) vuelve a las raíces del cine para hablar de la vida. Olvida los envoltorios de colores y se muestra realista, cruda, sincera con las sensaciones que el pequeño pueblo de Aldealseñor (Soria) despierta a su autora e hija Mercedes Álvarez.
En palabras del crítico de cine Miguel Marías "El cielo gira se desarrolla en tono
menor, con calma y serenidad, sin alharacas ni sensacionalismo, sin gritos ni pancartas. Fluye como un murmullo, como un arroyo de agua fresca y clara, quizá con poco caudal pero eternamente en movimiento.
Hasta la fecha, el documental ha sido galardonado en el Festival de Rotterdam, el Cinema du Reél de París, el Festival Infinity de Alba y el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires.
Algunos ya la han calificado como la mejor obra del año para disgusto de los aficionados a Star Wars. El cielo gira, a pesar de su título, no nos lleva a un mundo de galaxias lejanas en el que se disputan guerras absurdas y sin sentido. No necesita desplegar una amplia gama de efectos digitales que oculten una falta de argumento. No.
El Cielo gira es el documental español del año. Heredera de películas como El sol del membrillo o Alumbramiento de Víctor Erice, o En Construcción, J. L. Guerín, (de la que fue editora) vuelve a las raíces del cine para hablar de la vida. Olvida los envoltorios de colores y se muestra realista, cruda, sincera con las sensaciones que el pequeño pueblo de Aldealseñor (Soria) despierta a su autora e hija Mercedes Álvarez.
En palabras del crítico de cine Miguel Marías "El cielo gira se desarrolla en tono
menor, con calma y serenidad, sin alharacas ni sensacionalismo, sin gritos ni pancartas. Fluye como un murmullo, como un arroyo de agua fresca y clara, quizá con poco caudal pero eternamente en movimiento.Hasta la fecha, el documental ha sido galardonado en el Festival de Rotterdam, el Cinema du Reél de París, el Festival Infinity de Alba y el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires.
And the winner is...
Lo prometido es deuda. Hace unos días prometí que continuaría informando sobre el Festival de Cannes. Pues bien, aquí estoy para hacerlo. Como os imaginareis por la fecha de publicación de este post, el festival ya ha terminado, por lo que voy a tratar de hacer un pequeño pastiche con lo más destacado.
La Palma de Oro, el principal premio del festival, ha sido otorgada a The Child la película de Jean-Pierre & Luc Dardenne
en la que Jérémie Renier y Déborah Francois interpretan a unos jóvenes que tratan de luchar por sobrevivir. Los directores, veteranos del festival, ya conocían la sensación de ganar la Palma de Oro, ya que hace seis años la obtuvieron por Rossetta.
El Gran Premio del jurado lo ganó Broken Flowers. La película cumplió los pronósticos que la señalaban como una de las favoritas del festival.
A pesar de lo valoradas que han resultado estas dos películas, la opinión de los críticos no es tan positiva. En líneas generales, se ha destacado que el nivel de las proyecciones ha estado muy por debajo de lo que se esperaba. Incluso Javier Bardem, miembro de jurado, manifestó que "a nuestro juicio, no se ha visto la gran película que todos esperábamos, de la que se sale diciendo, ya está, ya no hay más que discutir"
Pero el festival de Cannes no es solo un concurso. Hay vida más allá de los premios. Y en esta edición, el evento más destacado fue la presentación, fuera de concurso, del Capitulo III de la infinita saga de Lucas. La presentación no deja de contrastar con
la tendencia del festival, aunque muchos medios han señalado la posibilidad de que este estreno trate de acercar el cine de blockbuster a Europa, quizás también haya sido un factor clave en su presentación la publicidad que por ello se han llevado los dos eventos: tanto el festival por estrenar Star Wars, como la película por ser presentada en Cannes.
La Palma de Oro, el principal premio del festival, ha sido otorgada a The Child la película de Jean-Pierre & Luc Dardenne
en la que Jérémie Renier y Déborah Francois interpretan a unos jóvenes que tratan de luchar por sobrevivir. Los directores, veteranos del festival, ya conocían la sensación de ganar la Palma de Oro, ya que hace seis años la obtuvieron por Rossetta.El Gran Premio del jurado lo ganó Broken Flowers. La película cumplió los pronósticos que la señalaban como una de las favoritas del festival.
A pesar de lo valoradas que han resultado estas dos películas, la opinión de los críticos no es tan positiva. En líneas generales, se ha destacado que el nivel de las proyecciones ha estado muy por debajo de lo que se esperaba. Incluso Javier Bardem, miembro de jurado, manifestó que "a nuestro juicio, no se ha visto la gran película que todos esperábamos, de la que se sale diciendo, ya está, ya no hay más que discutir"
Pero el festival de Cannes no es solo un concurso. Hay vida más allá de los premios. Y en esta edición, el evento más destacado fue la presentación, fuera de concurso, del Capitulo III de la infinita saga de Lucas. La presentación no deja de contrastar con
la tendencia del festival, aunque muchos medios han señalado la posibilidad de que este estreno trate de acercar el cine de blockbuster a Europa, quizás también haya sido un factor clave en su presentación la publicidad que por ello se han llevado los dos eventos: tanto el festival por estrenar Star Wars, como la película por ser presentada en Cannes.Una visión diferente
Ya sé que prometí seguir hablando de Cannes y lo pienso hacer, pero hoy el motivo de este post es otro. No sé si alguien se acordará que hace algunas semanas escribí las direcciones de algunas páginas interesantes con relación al mundo de cine. Pues bien, en este caso voy a hacer algo parecido pero al contrario. Voy a interiorizar una posición de verdugo y voy a criticar algunas páginas que digámoslo suavemente, no son de mi agrado.
Bueno, realmente me voy a centrar en una única página por un motivo bastante simple: en la red hay muchas páginas sobre cine, pero la mayoría no son oficiales, y por lo tanto, creo que cada uno puede escribir lo que quiera sin que nadie le juzge. En cambio, cuando las páginas son oficiales si que son juzgables y por esto sólo me voy a centrar en una que no me gusta nada, la página de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España.
Aunque visualmente es bonita, está animada y muestra seriedad, la información que aporta es bastante escueta en relación con la que podía aportar. Sólo nos cuenta una breve historia de la academia, algún proyecto y las publicaciones de la Academia, parte más extensa de la página. No hay ni foros, ni un link a la base de datos del ministerio, ni referencia a las películas españolas del año, ni nada. Lo único destacable es un link a la sección de los Premios Goya del último año, que también es bastante escasa, no tiene ni fotos, ni artículos periodísticos publicados con relación a la ceremonia, ni críticas...
Como se puede ver, deja mucho que desear, ya que es supuestamente el organismo más importante del cine español. Dicen luchar por sacar a flote una industria a día de hoy inexistente y, sin embargo, no son capaces ni de tener una web digna de una Academia Cinematográfica y cultural. No hay reflexión, no hay noticias sobre el mundo del cine, no hay libros recomendados... realmente no hay de nada.
Bueno, realmente me voy a centrar en una única página por un motivo bastante simple: en la red hay muchas páginas sobre cine, pero la mayoría no son oficiales, y por lo tanto, creo que cada uno puede escribir lo que quiera sin que nadie le juzge. En cambio, cuando las páginas son oficiales si que son juzgables y por esto sólo me voy a centrar en una que no me gusta nada, la página de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España.
Aunque visualmente es bonita, está animada y muestra seriedad, la información que aporta es bastante escueta en relación con la que podía aportar. Sólo nos cuenta una breve historia de la academia, algún proyecto y las publicaciones de la Academia, parte más extensa de la página. No hay ni foros, ni un link a la base de datos del ministerio, ni referencia a las películas españolas del año, ni nada. Lo único destacable es un link a la sección de los Premios Goya del último año, que también es bastante escasa, no tiene ni fotos, ni artículos periodísticos publicados con relación a la ceremonia, ni críticas...
Como se puede ver, deja mucho que desear, ya que es supuestamente el organismo más importante del cine español. Dicen luchar por sacar a flote una industria a día de hoy inexistente y, sin embargo, no son capaces ni de tener una web digna de una Academia Cinematográfica y cultural. No hay reflexión, no hay noticias sobre el mundo del cine, no hay libros recomendados... realmente no hay de nada.
Tres días de cine
El miércoles 11 dio comienzo la 58 edición del Festival de cine de Cannes. Algunos de los nombres más destacados de una fiesta cinematográfica que este año destaca por su recuperación del cine de autor son Woody Allen, Dominik Moll, Kim Ki-duk, Ozu o Jean Renoir.
Con el estreno de Leming, película Francesa del realizador Dominic Moll (Harry, un amigo que os quiere), dio comienzo el miércoles 11 de Mayo una nueva edición del Festival de cine de Cannes. En esta ocasión, los dos eventos más esperados por el público se presentan fuera de concurso. El primero sucedió el jueves 12 con la presentación de Match Point, última película del esperado y siempre excéntrico Woody Allen. El segundo tendrá lugar el domingo 15 con la esperada presentación en sociedad de la tercera y última parte de la segunda trilogía de Star Wars, El Episodio III, La venganza de los Siths.
Pero como yo no soy una enviada especial al festival de Cannes, y voy a contar lo sucedido en los últimos 3 días hay que organizarse:
DÍA 11:
A las 7.30 de la tarde da comienzo el festival con la aparición en la alfombra roja de los miembros del jurado, dirigido por el gran director de cine Emir Kusturika y formado por personalidades
cinematográficas muy relevantes como Nandita Das, Salma Hayek, Toni Morrison, Agnès Varda, Javier Bardem, Fatih Akin, Benoît Jacquot y John Woo. Tras ellos, los primeros concursantes en aparecer fueron los protagonistas y el equipo de la película con la que se inició el festival, Leming. La película está dirigida por Dominic Moll y protagonizada por Laurent Lucas, Charlotte Gainsbourg, Charlotte Rampling y André Dussollier.
DÍA 12:
El día 12 se reparte geográficamente entre dos culturas opuestas en su forma de entender la vida, pero igualmente interesantes. Oriente y occidente acortan su distancia para reunirse en una pantalla de cine.
El día comienza a las 8.30 con la proyección de Match Point, la última creación de Woody Allen, que a pesar de presentarse fuera de competición, era una de las citas más esperadas del calendario.
La película protagonizada por Scarlett Johanson (Lost in Traslation), Jonathan Rhys Myers (Alejandro Magno, Quiero ser como Beckam), Emily Mortimer (Mi querido Frankie) o Brian Cox (Troya, El mito de Bourne). Película rodada en Londres (y no en Manthatan) y de tintes más dramáticos que cómicos.
El día continúa con la presentación de varias películas procedentes del medio y lejano oriente que se presentan a concurso. "Bashing" del director japonés Masahiro Kobayashi (Bootleg Film,) presente en la sección oficial del concurso y "Hwal" del coreano Kim Ki-Duk, (Hierro 3) presente en la sección Un Certain Regard. La segunda película del día presente en el concurso oficial es "Kilometre Zero" de Hiner Saleem, un drama enmarcado en el periodo de guerra entre Irán e Irak y basado en algunas experiencias personales del director y de su hermano, que a los 17 años tuvieron que huir de Irak por culpa del régimen de Sadam Husein.
DÍA 13:
En la vuelta al mundo que supone Cannes, el día comienza en Canadá. "Where the truth lies" es la película que inicia el tercer día de festival, dirigida por Atom Egoyan y protagonizada por Kevin Bacon, Colin Firth y Alison Lohman.
La segunda película en desfilar por la alfombra roja es "Last Days", de Gus Van Sant , director conocido para los habituales de estas citas ya que en el año 2003 ganó la Palma de Oro y el premio al Mejor Director con su anterior trabajo, Elephant. En este caso el director nos propone un retroceso a los últimos días de Kurt Cobain, en mítico y polémico líder de Nirvana.
En la sección Un Certain Regard, hoy se han presentado "Nordeste" del argentino Juan Solanas, "Le Filmeur" de Alain Cavalier y "Delwende" de S. Pierre Yameogo (Burkina -Faso). Fuera de concurso el día también ha sido completo ya que estos han sido los títulos que se han presentado:"Crossing the Bridge" by Fatih Akin,
"Midnight Movies: From the Margin to the Mainstream" de Stuart Samuels y "Land of the Dead" de George A. Romero.
TO BE CONTINUED...
Con el estreno de Leming, película Francesa del realizador Dominic Moll (Harry, un amigo que os quiere), dio comienzo el miércoles 11 de Mayo una nueva edición del Festival de cine de Cannes. En esta ocasión, los dos eventos más esperados por el público se presentan fuera de concurso. El primero sucedió el jueves 12 con la presentación de Match Point, última película del esperado y siempre excéntrico Woody Allen. El segundo tendrá lugar el domingo 15 con la esperada presentación en sociedad de la tercera y última parte de la segunda trilogía de Star Wars, El Episodio III, La venganza de los Siths.
Pero como yo no soy una enviada especial al festival de Cannes, y voy a contar lo sucedido en los últimos 3 días hay que organizarse:
DÍA 11:
A las 7.30 de la tarde da comienzo el festival con la aparición en la alfombra roja de los miembros del jurado, dirigido por el gran director de cine Emir Kusturika y formado por personalidades
cinematográficas muy relevantes como Nandita Das, Salma Hayek, Toni Morrison, Agnès Varda, Javier Bardem, Fatih Akin, Benoît Jacquot y John Woo. Tras ellos, los primeros concursantes en aparecer fueron los protagonistas y el equipo de la película con la que se inició el festival, Leming. La película está dirigida por Dominic Moll y protagonizada por Laurent Lucas, Charlotte Gainsbourg, Charlotte Rampling y André Dussollier. DÍA 12:
El día 12 se reparte geográficamente entre dos culturas opuestas en su forma de entender la vida, pero igualmente interesantes. Oriente y occidente acortan su distancia para reunirse en una pantalla de cine.
El día comienza a las 8.30 con la proyección de Match Point, la última creación de Woody Allen, que a pesar de presentarse fuera de competición, era una de las citas más esperadas del calendario.
La película protagonizada por Scarlett Johanson (Lost in Traslation), Jonathan Rhys Myers (Alejandro Magno, Quiero ser como Beckam), Emily Mortimer (Mi querido Frankie) o Brian Cox (Troya, El mito de Bourne). Película rodada en Londres (y no en Manthatan) y de tintes más dramáticos que cómicos.El día continúa con la presentación de varias películas procedentes del medio y lejano oriente que se presentan a concurso. "Bashing" del director japonés Masahiro Kobayashi (Bootleg Film,) presente en la sección oficial del concurso y "Hwal" del coreano Kim Ki-Duk, (Hierro 3) presente en la sección Un Certain Regard. La segunda película del día presente en el concurso oficial es "Kilometre Zero" de Hiner Saleem, un drama enmarcado en el periodo de guerra entre Irán e Irak y basado en algunas experiencias personales del director y de su hermano, que a los 17 años tuvieron que huir de Irak por culpa del régimen de Sadam Husein.
DÍA 13:
En la vuelta al mundo que supone Cannes, el día comienza en Canadá. "Where the truth lies" es la película que inicia el tercer día de festival, dirigida por Atom Egoyan y protagonizada por Kevin Bacon, Colin Firth y Alison Lohman.
La segunda película en desfilar por la alfombra roja es "Last Days", de Gus Van Sant , director conocido para los habituales de estas citas ya que en el año 2003 ganó la Palma de Oro y el premio al Mejor Director con su anterior trabajo, Elephant. En este caso el director nos propone un retroceso a los últimos días de Kurt Cobain, en mítico y polémico líder de Nirvana.En la sección Un Certain Regard, hoy se han presentado "Nordeste" del argentino Juan Solanas, "Le Filmeur" de Alain Cavalier y "Delwende" de S. Pierre Yameogo (Burkina -Faso). Fuera de concurso el día también ha sido completo ya que estos han sido los títulos que se han presentado:"Crossing the Bridge" by Fatih Akin,
"Midnight Movies: From the Margin to the Mainstream" de Stuart Samuels y "Land of the Dead" de George A. Romero.
TO BE CONTINUED...
Una utilidad gastronómica
El castellano es una lengua que se caracteriza por tener un amplio número de palabras polisémicas, frases de doble sentido, refranes...
De esto se puede deducir una cosa: los castellano parlantes tenemos una gran facilidad para buscar varias utilidades a una misma realidad (entendiendo como realidad la palabra en cuestión).
Pues lamento decir, para aquellos que, siendo castellano-parlantes, obtengan una satisfacción personal y se cuelguen una medalla en su orgullo, que no somos los únicos. ¿No me creéis?. Pues seguid leyendo.
Hagamos un juego. Yo os digo una palabra y vosotros me decís a lo que os remite. ¿Que se os viene a la mente si leéis, por ejemplo, la palabra mantequilla?. Bueno, quizás los que estéis leyendo esto tengáis un cerebro un poco perverso, y se os venga a la mente algún uso externo y poco recomendable de la mantequilla distinto a su utilidad gastronómica. Pero, ¿a que no sabéis quién difundió este uso?.
Pues sí amigos, una vez más el cine se alza como medio difusor de la ruptura de viejos tabúes sexuales siendo capaz hasta de fomentar el consumo masivo de la mantequilla. Estoy hablando de una película que seguro que muchos habéis visto, El último tango en París.
1972, Italia. Bernardo Bertolucci estrena una película en la que al señor Marlon Brando se le ve el trasero, y a la señorita María Schneider se le ve algo más. La gente acude masivamente a verla. En España se hacen verdaderos esfuerzos para cruzar los Pirineos y llegar a Perpignan para verla. A su vuelta, las mujeres se quejan de que a Brando sólo se le ve el trasero mientras que María Schneider enseña mucho más. Pero a pasar de todo eso, la satisfacción es completa. Cruzaron la frontera para impregnarse de modernismo, de renovación cultural, de libertad y valió la pena.
El reconocimiento del último tango de Bertolucci llega hasta nuestros días. Nosotros que vivimos en una sociedad Posmoderna, en la que todo se enseña, en la que la forma domina al fondo, en la que sólo importa la imagen, sigue estando de plena actualidad una película que habla de muchas cosas a través del sexo. No es una película pornográfica como muchos la tratan de calificar. Es una película que narra su discurso, que se muestra, a través del sexo.
Un discurso, por otra parte, bastante discutible, ya que las relaciones de género no se muestran muy igualitarias. Y es aquí donde ese producto que se suele utilizar para darle otro sabor diferente al pan, adquiere su mayor relevancia. No es mi intención hacer de este post una reivindicación feminista en contra de la dominación de la mujer que transmite esa escena. 
Aunque sí que es bastante chocante que una película que se sitúa tras la revolución de Mayo del 68, se enmarca en un régimen de libertad y de igualdad, bebe de la Nueva Ola francesa, en la que la importancia de las relaciones entre personas adquieren su mayor grado, trasmita un discurso desigual, basado en una relación de dominación, de poder.
Quizás la intención del autor era provocar. O quizás esa supuesta dominación sólo muestra la decadencia del personaje de Brando que no es capaz de enfrentarse a la situación, ya que la manipula para que no se le vaya de las manos, aunque esto le acaba resultando imposible. A pesar de crear un mundo independiente en el que sólo existan ellos y sus fantasías representado en el principal escenario de la película, el piso, a pesar de desear ser seres errantes, sin nombre, y por lo tanto sin ataduras, sin estigmas, sin pasado y sin futuro, sólo con presente; su proyecto fracasa.
Parece duro plantearse que Bertolucci tratara de, con El último tango en París, transformar las pantallas de cine en espejos en los que los espectadores de los 70 pudieran ver un reflejo de sus propias vidas. Vidas que cada vez tratan de olvidar más su referente, su pasado, su nombre, sin conseguirlo y para ello se refugian en el presente, se mueven por inercia, se sumergen en el estrés. Vidas que, quizás, ansían encontrar un piso en mitad de esa ciudad que creen conocer de maravilla que les descubra un nuevo universo en miniatura, un remanso de paz en el que verdaderamente puedan eliminar sus estigmas, sus prejuicios, su nombre y puedan así hacer realidad sus más ocultas fantasías, sean estas cuáles sean.
Quizás por esto El último tango en París siga siendo una película actual a pesar de contar con 33 años. Porque nos sigue poniendo en frente un espejo en el que, en nuestra completa posmodernidad, nos sentimos reflejados. Es una película que rompe la norma, que nos pone ante situaciones límite en las que hasta nos podemos sentir heridos, pero que no nos es indiferente. Plantea cuestiones existenciales que se comenzaban a perfilar en los años 70, cuando la crisis de la modernidad era similar a la crisis personal del personaje de Brando, y que actualmente, en el siglo XXI, están enraizadas en la mayoría de los individuos que conforman lo que habitualmente se denomina como sociedad.
De esto se puede deducir una cosa: los castellano parlantes tenemos una gran facilidad para buscar varias utilidades a una misma realidad (entendiendo como realidad la palabra en cuestión).
Pues lamento decir, para aquellos que, siendo castellano-parlantes, obtengan una satisfacción personal y se cuelguen una medalla en su orgullo, que no somos los únicos. ¿No me creéis?. Pues seguid leyendo.
Hagamos un juego. Yo os digo una palabra y vosotros me decís a lo que os remite. ¿Que se os viene a la mente si leéis, por ejemplo, la palabra mantequilla?. Bueno, quizás los que estéis leyendo esto tengáis un cerebro un poco perverso, y se os venga a la mente algún uso externo y poco recomendable de la mantequilla distinto a su utilidad gastronómica. Pero, ¿a que no sabéis quién difundió este uso?.
Pues sí amigos, una vez más el cine se alza como medio difusor de la ruptura de viejos tabúes sexuales siendo capaz hasta de fomentar el consumo masivo de la mantequilla. Estoy hablando de una película que seguro que muchos habéis visto, El último tango en París.
1972, Italia. Bernardo Bertolucci estrena una película en la que al señor Marlon Brando se le ve el trasero, y a la señorita María Schneider se le ve algo más. La gente acude masivamente a verla. En España se hacen verdaderos esfuerzos para cruzar los Pirineos y llegar a Perpignan para verla. A su vuelta, las mujeres se quejan de que a Brando sólo se le ve el trasero mientras que María Schneider enseña mucho más. Pero a pasar de todo eso, la satisfacción es completa. Cruzaron la frontera para impregnarse de modernismo, de renovación cultural, de libertad y valió la pena. El reconocimiento del último tango de Bertolucci llega hasta nuestros días. Nosotros que vivimos en una sociedad Posmoderna, en la que todo se enseña, en la que la forma domina al fondo, en la que sólo importa la imagen, sigue estando de plena actualidad una película que habla de muchas cosas a través del sexo. No es una película pornográfica como muchos la tratan de calificar. Es una película que narra su discurso, que se muestra, a través del sexo.
Un discurso, por otra parte, bastante discutible, ya que las relaciones de género no se muestran muy igualitarias. Y es aquí donde ese producto que se suele utilizar para darle otro sabor diferente al pan, adquiere su mayor relevancia. No es mi intención hacer de este post una reivindicación feminista en contra de la dominación de la mujer que transmite esa escena. Aunque sí que es bastante chocante que una película que se sitúa tras la revolución de Mayo del 68, se enmarca en un régimen de libertad y de igualdad, bebe de la Nueva Ola francesa, en la que la importancia de las relaciones entre personas adquieren su mayor grado, trasmita un discurso desigual, basado en una relación de dominación, de poder.Quizás la intención del autor era provocar. O quizás esa supuesta dominación sólo muestra la decadencia del personaje de Brando que no es capaz de enfrentarse a la situación, ya que la manipula para que no se le vaya de las manos, aunque esto le acaba resultando imposible. A pesar de crear un mundo independiente en el que sólo existan ellos y sus fantasías representado en el principal escenario de la película, el piso, a pesar de desear ser seres errantes, sin nombre, y por lo tanto sin ataduras, sin estigmas, sin pasado y sin futuro, sólo con presente; su proyecto fracasa.
Parece duro plantearse que Bertolucci tratara de, con El último tango en París, transformar las pantallas de cine en espejos en los que los espectadores de los 70 pudieran ver un reflejo de sus propias vidas. Vidas que cada vez tratan de olvidar más su referente, su pasado, su nombre, sin conseguirlo y para ello se refugian en el presente, se mueven por inercia, se sumergen en el estrés. Vidas que, quizás, ansían encontrar un piso en mitad de esa ciudad que creen conocer de maravilla que les descubra un nuevo universo en miniatura, un remanso de paz en el que verdaderamente puedan eliminar sus estigmas, sus prejuicios, su nombre y puedan así hacer realidad sus más ocultas fantasías, sean estas cuáles sean.Quizás por esto El último tango en París siga siendo una película actual a pesar de contar con 33 años. Porque nos sigue poniendo en frente un espejo en el que, en nuestra completa posmodernidad, nos sentimos reflejados. Es una película que rompe la norma, que nos pone ante situaciones límite en las que hasta nos podemos sentir heridos, pero que no nos es indiferente. Plantea cuestiones existenciales que se comenzaban a perfilar en los años 70, cuando la crisis de la modernidad era similar a la crisis personal del personaje de Brando, y que actualmente, en el siglo XXI, están enraizadas en la mayoría de los individuos que conforman lo que habitualmente se denomina como sociedad.
Una tierra manchada de sangre.
El ser humano se caracteriza por hacer difíciles las cosas que aparentemente son fáciles. Es una propiedad innata a su personalidad y, por desgracia, es invariable.
La pequeña reflexión que introduce este post tiene un significado, aunque en un primer momento alguien pueda dudarlo. Y si lo que duda no es que el comentario sea útil para este post, sino que la propia idea tenga sentido por si misma, pues le invito a hacer un experimento. Que apague la luz, se siente en el sillón, le de al play y se deje llevar viendo una película que seguro no le será indiferente, En tierra de nadie.
Quizás a muchos os suene este título, ya que en el año 2001 fue galardonado con el Oscar y el Globo de Oro a mejor película extranjera, el Cesar a mejor director novel, el premio a mejor guión en Cannes y en la Academia Europea, el premio a mejor director desde el Sindicato de Cine Francés y el Premio de la Audiencia en el festival de San Sebastián. Además si leéis las críticas y comentarios que sobre este film de Danis Tanovic se suelen hacer, os daréis cuenta de que os suenan; es una gran película que muestra las desgracias de la guerra, el director es capaz de situarnos en medio de dos frentes en los que los que combaten no son números si no nombres, supone una notable crítica a la actuación de la ONU...
Y todo eso es cierto, no sólo estoy de acuerdo, sino que lo sostengo, pero a mi no me gusta sentarme a escribir cosas que ya han dicho otros. Por eso os voy a tratar de convencer de que esta película vale la pena buscando frases un poco más originales. Empezaré diciendo que la película a nivel técnico está muy bien, que la interpretaciones sobrecogen, que el argumento atrapa... Sigo sin ser original, ¿verdad?. Allá voy.
La película es una reflexión sobre la notable estupidez del ser humano. De cómo nuestra prepotencia nos puede hacer comportarnos como completos necios hasta en las situaciones más extremas por pura prepotencia. Por nuestra obsesión en considerarnos mejores que los vecinos de enfrente, que los ciudadanos del país de al lado, que aquellos que no pueden optar a un despacho con secretaria... Nos hace reflexionar sobre la certeza de que el hombre es el peor monstruo que habita la tierra, ya que es el único que es capaz de disfrutar haciendo daño a los muertos.
Pone los pelos de punta. Hace que se salten las lágrimas. Consigue que te avergüences de ti mismo y de los de tu misma especie por la extrema capacidad que tenemos de hacer difícil lo fácil, de creernos por encima del bien y del mal; por no se capaces de escuchar antes de disparar, por no considerar como igual al que tenemos al lado, por haber sido la única especie de la tierra que ha contribuido a una destrucción premeditada de lo que le rodea, aunque esto no sea de su propiedad.
La pequeña reflexión que introduce este post tiene un significado, aunque en un primer momento alguien pueda dudarlo. Y si lo que duda no es que el comentario sea útil para este post, sino que la propia idea tenga sentido por si misma, pues le invito a hacer un experimento. Que apague la luz, se siente en el sillón, le de al play y se deje llevar viendo una película que seguro no le será indiferente, En tierra de nadie.
Quizás a muchos os suene este título, ya que en el año 2001 fue galardonado con el Oscar y el Globo de Oro a mejor película extranjera, el Cesar a mejor director novel, el premio a mejor guión en Cannes y en la Academia Europea, el premio a mejor director desde el Sindicato de Cine Francés y el Premio de la Audiencia en el festival de San Sebastián. Además si leéis las críticas y comentarios que sobre este film de Danis Tanovic se suelen hacer, os daréis cuenta de que os suenan; es una gran película que muestra las desgracias de la guerra, el director es capaz de situarnos en medio de dos frentes en los que los que combaten no son números si no nombres, supone una notable crítica a la actuación de la ONU...
Y todo eso es cierto, no sólo estoy de acuerdo, sino que lo sostengo, pero a mi no me gusta sentarme a escribir cosas que ya han dicho otros. Por eso os voy a tratar de convencer de que esta película vale la pena buscando frases un poco más originales. Empezaré diciendo que la película a nivel técnico está muy bien, que la interpretaciones sobrecogen, que el argumento atrapa... Sigo sin ser original, ¿verdad?. Allá voy.
La película es una reflexión sobre la notable estupidez del ser humano. De cómo nuestra prepotencia nos puede hacer comportarnos como completos necios hasta en las situaciones más extremas por pura prepotencia. Por nuestra obsesión en considerarnos mejores que los vecinos de enfrente, que los ciudadanos del país de al lado, que aquellos que no pueden optar a un despacho con secretaria... Nos hace reflexionar sobre la certeza de que el hombre es el peor monstruo que habita la tierra, ya que es el único que es capaz de disfrutar haciendo daño a los muertos.
Pone los pelos de punta. Hace que se salten las lágrimas. Consigue que te avergüences de ti mismo y de los de tu misma especie por la extrema capacidad que tenemos de hacer difícil lo fácil, de creernos por encima del bien y del mal; por no se capaces de escuchar antes de disparar, por no considerar como igual al que tenemos al lado, por haber sido la única especie de la tierra que ha contribuido a una destrucción premeditada de lo que le rodea, aunque esto no sea de su propiedad.
Una mirada `pa lo hondo´
No se si alguna vez he comentado en este blog que soy estudiante de audiovisuales. Hace unos días, en clase, nos pusieron como ejemplo una de las películas más importantes de uno de los autores norteamericanos más importantes. La película era Annie Hall y el autor (casi sobra decirlo) era Woody Allen. Como no la había visto, al día siguiente me fui a la biblioteca, la cogí y esto fue lo que sentí cuando la vi.
Algunos dicen que el psicoanálisis está acabado. Que la época conocida como posmodernidad, que es la que nos está tocando vivir, no cree en metateorías que dicen tener respuesta para todo. Pero esta afirmación es difícil de creer tras ver una película de Woody Allen. Aunque Annie Hall sea un film del año 77, está de la más completa actualidad, porque, al igual que la mayoría de las películas de Woody Allen, hablan de las personas, de sus paranoias, de sus sentimientos, de sus contradicciones, de sus miedos, de sus ilusiones...
Y eso es lo que se siente mientras se cualquiera de sus film. Hay gente que dice que sus películas no le gustan porque les pone nerviosos, pero habría que preguntarles, siempre desde una perspectiva psicoanalítica, si realmente les pone nerviosos las películas de Allen o por el contrario, lo que esas películas desencadenan en ellos. Me explico. Desde una perspectiva Freudiana, se podría decir que lo que sucede es que en estas películas encuentran una identificación directa con lo que en ellas se cuenta, y que, por lo tanto no son las películas lo que no les gustan, sino los recuerdos y las sensaciones que estas les evocan.
En fin, sea como sea, y diga Freud lo que diga, cada uno tiene derecho a decidir si le gusta o no un autor, sus películas y lo que estas le recuerdan
Algunos dicen que el psicoanálisis está acabado. Que la época conocida como posmodernidad, que es la que nos está tocando vivir, no cree en metateorías que dicen tener respuesta para todo. Pero esta afirmación es difícil de creer tras ver una película de Woody Allen. Aunque Annie Hall sea un film del año 77, está de la más completa actualidad, porque, al igual que la mayoría de las películas de Woody Allen, hablan de las personas, de sus paranoias, de sus sentimientos, de sus contradicciones, de sus miedos, de sus ilusiones...
Y eso es lo que se siente mientras se cualquiera de sus film. Hay gente que dice que sus películas no le gustan porque les pone nerviosos, pero habría que preguntarles, siempre desde una perspectiva psicoanalítica, si realmente les pone nerviosos las películas de Allen o por el contrario, lo que esas películas desencadenan en ellos. Me explico. Desde una perspectiva Freudiana, se podría decir que lo que sucede es que en estas películas encuentran una identificación directa con lo que en ellas se cuenta, y que, por lo tanto no son las películas lo que no les gustan, sino los recuerdos y las sensaciones que estas les evocan.
En fin, sea como sea, y diga Freud lo que diga, cada uno tiene derecho a decidir si le gusta o no un autor, sus películas y lo que estas le recuerdan