<![CDATA[Rincón Underground]]><![CDATA[En el día de hoy…un poco de mainstream]]>En “Rincón Underground” hemos hecho, a lo largo de estos tres meses, una recopilación por los movimientos alternativos más importantes. ¿Pero qué pasa hoy en día? ¿Sigue existiendo un verdadero espíritu underground como el del rock de los años 80? ¿Somos outsiders o mainstream? ¿Qué es lo que verdaderamente destaca?
Outsider: Término que define a aquellos grupos de música que tratan de escapar del mainstream, de lo comercial, de lo que marcan las cadenas musicales.
Mainstream: La tendencia, lo que se lleva, la moda… lo marcado por las grandes multinacionales.
Nos gusta ir a contracorriente, destacar, ser diferentes. Por ello, la moda es lo diferente, lo que supuestamente a nadie le gusta. Pero con este “no gustar” hemos conseguido crear la moda de los que dicen escapar de ella.
Cabe hacerse una pregunta viendo lo que tenemos alrededor: ¿existe un outsider puro? ¿o se trata todo de un mainstream cubierto de una falsa capa de esmalte alternativo?
Esto, a escala musical, también tiene lugar y se refleja en un movimiento que está desbancando al siempre vendido, siempre de moda y siempre beneficiado por las grandes discográficas, pop. El movimiento que ahora se contrapone al “sonido popular” es el emo que ha llegado a constituir una nueva tribu urbana.
Fotografía: My Chemical Romance Fuente: Somore Scene
El emo es un tipo de punk nacido a finales de los años 80 por los diversos sonidos que derivaron del punk más puro. El emo destacaba por sus letras emotivas (de ahí el nombre: emotional) pero sigue manteniendo el carácter fuerte, descarado y duro de la batería pesada y la guitarra eléctrica punk. Junto con el emo, aparece otra derivación del punk: el screamo. Éste, es un punk en el que el instrumento de la voz no canta, no recita, no rapea… grita. Otra de las grandes derivaciones del movimiento punk fue el hardcore, caracterizado por ser mucho más violento en directo, por aportar un mayor peso a la eléctrica pero manteniendo siempre la rapidez en la batería.
Estas tres derivaciones se pueden entremezclar entre sí y con el punk más puro. De ahí que nos encontremos con grupos definidos como hardcore-emotional (emocore) o screamo-emo (screamo). Pero en realidad, lo que está pegando más fuerte en estos últimos años es el emo. Debido a la gran fuerza que ha adquirido, la estética de esta tribu urbana se ha trasladado al resto de tendencias punk: se trata de una mezcla entre la moda gótica y la punk. Predomina el color negro, las caras pálidas, uñas negras, pantalones de pitillo (cuanto más apretados mejor), zapatillas desgastadas, imperdibles, botones como pendientes, piercings labiales y muchas camisetas de rayas o lisas con algún tipo de mensaje. Pero quizás lo que más caracterice a este grupo sea el pelo: largo echado hacia delante tapando la mitad de la cara.
Los emos han encontrado un espacio social entre los jóvenes que cada vez es mayor y esta estética se puede ver en los escaparates de cualquier tienda… ¿eso es outsider? ¿eso es underground? ¿eso es espíritu punk?...lamentablemente no. Se trata de un negocio más que olvida la música para dar ciertos modelos emitidos en televisión que serán copiados por aquellos que se vean más embaucados en la moda emo.
Independientemente de las numerosas críticas que se puedan realizar ante este aspecto, aquí lo que nos importa es la música, y lo que queremos proyectar en esta nueva entrada es qué es el verdadero emo y qué es lo que hoy escuchamos en la radio bajo esta etiqueta.
El emo, como ya hemos definido, es punk original pero con una lírica mucho menos reivindicativa y mucho más introspectiva, personal y emocional. Trata de apelar a las emociones de quienes escuchan emo y de dejar un mensaje de tipo subjetivo que cada uno configura según lo que le transmita la música. Dentro de lo que aquí llamaremos “emo original” se podrían encontrar grupos como Jimmy Eat World (emo-punk), Embrace(emocore) o Finch(screamo). Algunos de estos grupos ni siquiera comparten la estética, pero se mantienen fieles al espíritu del movimiento que les vio nacer: el punk.
Con respecto a los grupos que hoy en día conforman el panorama musical y son tildados de emo, se presentan My Chemical Romance, A.F.I, Fall Out Boy y Panic! At the disco.
Video: Miss Murder de A.F.I Fuente: Youtube Duración: 05:02 min
De estos cuatro grupos que podríamos denominar “los principales grupos underground del mainstream actual”, los dos primeros son los que más se acercan de verdad a la definición de música emo, aunque en realidad no presenten mucho espíritu punk de los 80, pero todo no se puede pedir… ¿o sí?
De My Chemical Romance y de A.F.I (A Fire Inside), destacar que se han mantenido dentro de un sonido más fuerte, más puro, más punk hardcore. Aún así, han recibido críticas no sólo por parte de los entendidos en la música underground, sino también por parte de colectivos de periodistas y padres preocupados por sus hijos: mantienen que este tipo de grupos avocan a los adolescentes al suicidio con sus letras y su apariencia. Qué decir… desde los inicios del rock las letras de este género y el resto de estilos musicales, han tocado toda la temática habida y por haber: el amor, la amistad, la muerte, la enfermedad, la vida… No es algo que hayan inventado los emos ni mucho menos, sino recordemos el sentimiento grunge o las letras de Radiohead.
Fall Out Boy y Panic! at the Disco son todo lo criticables que un grupo pueda ser. Se denominan como emos e incluso punks pero, en cambio, su estilo es más bien pop (aunque es verdad que con reminiscencias punk, como la batería rápida y pesada). Sí que tienen algún que otro sonido duro, pero no se puede admitir que sean grupos comparables con verdaderos punks como Bad Religion o Lagwagon (dos grupos de punk puro).
Emo, ¿una moda juvenil que poco tiene que ver con la música?, ¿Un estilo musical cuyo integrante principal es la estética? ¿Puro márquetin? ¿Música con futuro o moda pasajera?
Algo que solo el tiempo podrá responder…
]]><![CDATA[La miscelánea de los camaleónicos Incubus]]>Incubo…un demonio masculino que sume en un profundo sueño a sus víctimas femeninas con las que tendrá relaciones sexuales. Las propias víctimas, asumen el hecho como un mal sueño, como una pesadilla de la que no pueden despertar. Incubus…banda californiana de la pequeña ciudad de Calabasas que nació a principios de la década de los 90 y se convertiría pocos años después en un referente para la música nu-metal (un género de heavy metal que creció en estos años con grupos como Tool, Rage Against the Machine o Il Niño).
El nombre fue elegido por uno de los componentes del grupo (Einziger) que vio la historia del Incubo en un libro de sexología. Admiten que no quieren relacionar su música con el significado del mito, pero que el concepto del sueño profundo como una pesadilla de la que no se puede escapar y que, en verdad, es realidad, les atrajo desde un principio.
El nu metal que profesaban en los inicios, es un género sin definición exacta. Es una mezcla de diferentes estilos con la característica de que encajan todos a la perfección: rap y hardcore, metal alternativo con rap, punk con metal… lo que verdaderamente define el nu metal es, como indica su nombre (“new metal” que derivó en “nu-metal”) su frescura: algo nuevo que no se había escuchado antes.
Incubus lo consiguieron: dieron a conocer a sus fans una música poco definida pero de muy buena calidad. Y lo siguen consiguiendo…
Este grupo de Calabasas está formado por cinco chicos: Brandon Boyd cantante, líder, compositor, letrista y percusionista del grupo; Mike Einziger, virtuoso de la guitarra eléctrica y acústica y compositor del grupo; Jose Pasillas, baterista del grupo; Dj Kilmore encargado de los platos y las mesas de mezclas en producción, que sustituyó en 1998 a Dj Life quien se marchó del grupo por querer iniciar una carrera en solitario; Ben Kenney, actual bajista del grupo que sustituye a Dirk Lance .
Empezaron en 1995 con el lanzamiento del que sería su disco más puro con respecto al nu metal: “Fungus Amongus”. Los temas se podrían denominar como “mucho ruido con letras de poco sentido”. Era su etapa de experimentación después de ensayar y actuar en pequeños bares desde hacía más de 4 años. Una pequeña discográfica (Stopuglynailfungus Music on Chillum ) les dio la oportunidad.
En las ediciones siguientes de ese disco, después de haber editado ya otros álbumes y de haber crecido musical y personalmente, en los créditos del cd piden perdón a todos aquellos fans que lo había comprado por “haber experimentado demasiado con los sonidos”. Desde luego que humor no les falta a estos californianos cuyo mejor calificativo puede ser “camaleónicos”.
Después de ese fallido primer disco, siguen ensayando y madurando y tres años después editan “S.C.I.E.N.C.E”: nu metal en estado puro con canciones más reivindicativas y con un objetivo más social, como en el ejemplo de Idiot Box, en el que se critica duramente la televisión como alienadora de la sociedad.
El siguiente disco llamado “Make Yourself” deja de ser metal y se pasa al lado alternativo. Canciones que mezclan sonidos étnicos, melódicos, con fuertes toques de metal y con letras cada vez más profundas y existenciales de la mano de Boyd que se descubre en esta época, como el escritor de poesía que adapta ésta a la música. Stellar, puede ser una de las que más llame la atención ante el contraste mostrado con el anterior álbum, pero Drive se convierte en un auténtico himno para los fans de Incubus que poco a poco, y de manera mundial, se comenzaban a extender.
“Morning View”, editado en 2001, marcó el punto de inflexión del grupo (lo que hizo que Dirk Lance dejase el grupo pues prefería mantener las raíces nu metal de los orígenes). Se pasó de heavy a música alternativa agresiva para terminar en una especie de mezcla entre jazz, funk y tendencias innovadoras. Incubus se había formado definitivamente.
Los dos discos siguiente (“A Crow Left Of The Murder” y “Light Grenades”), reafirman la transición que supuso “Morning View” para Incubus: el estilo de Incubus sería indefinible con una sola palabra, pero se mantendrían los valores alternativos, las letras con significado (ya sea político, social o existencial), los sonidos limpios, los toques rock, los matices underground y la energía en directo de los cinco componentes.
Han sido criticados duramente por aquellos que mantienen como un error esta “evolución”, que más bien determinan una “degradación” de Incubus. Ante estas críticas no responden, pues dicen que siguen siendo ellos, que siguen teniendo el mismo espíritu: hacen lo que quieren, lo que les gusta, lo que les hace felices.
Está claro que no se podría comparar el último disco del grupo con “S.C.I.E.N.C.E”, por ejemplo, pero… ¿quién puede afirmar que uno es peor que el otro? Son discos diferentes que parecen de grupos diferentes sino fuera porque la voz de Brandon Boyd es inconfundible en cualquier estilo (está considerada una de las mejores voces de nuestra época); los acordes y la perfección en la guitarra de Einziger es impecable; la preeminencia del bajo es innegable; la batería fuerte, firme y siempre adecuada; los platos y los diferentes efectos siempre son exactos y encajan a la perfección en todo momento.
Foto: Brandon Boyd con Mike al fondo el 5 de marzo de 2007, Lisboa Fuente: María Fernández Carballo
Incubus se podría definir como un conjunto de buenos músicos, que se iniciaron en sonidos duros para ir evolucionando a sonidos más introspectivos (pero no por ello, menos reivindicativos) y que actualmente, cuentan con las actuaciones en directo más cuidadas y más auténticas musicalmente de los grupos de hoy en día: no necesitan miles de luces ni de watios de sonido para enseñar que la música es un arte con diferentes posibilidades.
Pero si aquí acabase Incubus…nos quedaríamos cortos en “Rincón Underground”: Han creado “The Make Yourself Foundation”, una fundación de parte del grupo que se encarga de recoger fondos mediante los beneficios de su márquetin y de sus conciertos para utilizarlo en la lucha contra enfermedades, en mejoras de infraestructuras en el tercer mundo…
Y además, está el tema de la lírica, los tatuajes, los dibujos, las exposiciones… y es que Incubus es algo más… se han convertido en una especie de “imperio artístico”: Brandon y Pasillas diseñan tatuajes; Boyd, además, aprovechando sus dotes para la poesía ha publicado varios libros además de colecciones de dibujos y exposiciones de sus obras; Dj Kilmorey Miketienen un proyecto musical paralelo basado en la experimentación de diversos instrumentos…
Fotografía: Dibujo de Brandon Boyd Fuente: Fan Fire
Incubus hace pensar como grupo musical (al ver la trayectoria, los diversos géneros que tiñen sus canciones…), pero también más allá: el significado de las letras, los mensajes sociales, la introspección que consiguen transmitir con cada nota… arte en su más pura esencia que deja tras de sí un sabor tan dulce que engancha desde el principio.
]]><![CDATA[El mundo de los desenchufados]]>¿Qué pasa si solo conocemos a un artista por sus álbumes? Pues que, sencillamente, no lo conocemos. Un artista se conoce en estudio, pero se tiene que conocer en directo. El directo es lo que marca la diferencia con el resto de grupos o solistas. Si en directo desafinas, no actúas, no das un poco de espectáculo, no lo sientes… te quedas sin público. Al igual que con cualquier producto de la tienda de la esquina, “el cliente siempre tiene la razón” y la verdadera presentación de un artista siempre se da en el escenario.
Pero si además demuestras que eres capaz de adaptar tu estilo en un concierto acústico, deshaciéndote de amplificadores, guitarras eléctricas… y te defiendes a capella y “desnudo” de cualquier sonido metálico que pueda tapar fallos en los conciertos, eres más que un artista: eres un músico. Por ello, en “Rincón Underground” abogamos por los Unplugged.
Unplugged, término inglés que literalmente quiere decir “desenchufado”. Es el gran amigo y el gran enemigo de los grupos de música rock. Supone deshacerse de lo que más aman: sonidos pesados, potentes, amplificados… y dar a conocer lo que realmente son al desnudo. Pasan de dar la nota, a dar el do de pecho… y eso, vale su peso en oro para los más fans.
La cadena MTV, aunque criticada por muchos, ha tenido a lo largo de su historia, la maravillosa idea de concertar Unpluggeds de los artistas a los que menos les pega hacer un desenchufado y a los que se dedican a una música más acústica.
Fotografía: Unplugged de The Cure en 1991 Fuente: Unplugged Free
Todo empezó con la propuesta de hacer presentaciones en directo de los nuevos discos de grupos como Jon Bon Jovi. Los espectadores no dejaban de pedir que se repitiese la emisión de la presentación en acústico, y los directivos decidieron dar un paso más concertando verdaderos directos de grupos.
¿Quién diría en los 80 o 90 que verían a Nirvana, Pearl Jam o a Alice In Chains, grupos representantes de la rabia grunge en el escenario, interpretando canciones de ritmo acelerado con una guitarra española y un bajo acústico?
Video: Black de Pearl Jam 1992 Fuente: Youtube Duración: 07:17 min
Pero ahora, no solamente lo podemos decir, sino que los amantes del grunge pueden presumir de ello, pues no solo fueron algunos de los Unplugged que quedarán en los anales de la historia como “los más vistos” o “los mejor valorados” sino que además, reafirmaron la calidad de los artistas.
Hay una lista innumerable de artistas que han caído en las redes “sin cables” de estos directos y que han reafirmado su estatus dentro de la música gracias a estas demostraciones sin posibles arreglos o tapaderas. No sólo artistas rock, también pop, música alternativa, hip-hop, rap, metal… todos han sucumbido… y para bien.
Fotografía:Lauryn Hill Unplugged 2002 Fuente: Word Mag
La cantante Lauryn Hill del obsoleto grupo de hip-hop The Fugees, se atrevió, una vez disuelto el grupo, a demostrar sus dotes con una guitarra y su mejor instrumento: la voz. La polémica afroamericana demostró lo que ya todos sabíamos: que su voz puede ser dura, desgarrada, rota… en unos momentos, para convertirse en dulce, melódica y fluida en otros. Pero el cambio estaba en el formato del concierto: la ausencia de sonidos contundentes alrededor de su voz realzaba la increíble capacidad vocal de la solista, dejando la piel de gallina a todo aquel que ve alguna de las piezas que tocó esa noche en los estudios de la MTV.
Y qué grupo más diferente a la anterior mencionada hip-hopera, que Kiss…Sí, ellos también tuvieron su Unplugged. Y no fue peor que el de Hill, sino…diferente. La banda se reunió en 1995, por primera vez desde 1979 con sus miembros originales. Y, como curiosidad, no iban maquillados de pintura blanca y negra como es costumbre en esta banda. El año posterior al directo, el álbum “Kiss Unplugged” alcanzaba el puesto número 15 de la prestigiosa lista de la revista americana Billboard. Caracterizados por sus potentes y electrizantes conciertos, sorprendieron con melodiosas versiones de sus temas más heavies. Y es que un Unplugged, puede hacer maravillas.
Fotografía: Kiss Unplugged 1995 Fuente:Kiss Fan Shop
No podemos recoger en un solo post las reseñas de todos los Unpluggeds destacables, pero sí podemos tratar de transmitir la magia de momentos que son difícilmente repetibles en el futuro (el caso del Unplugged de Nirvana o el de Alice In Chains, sería imposible repetirlos o tratar de imitarlos debido a la muerte de los dos líderes del grupo). Son ocasiones limitadas, un privilegio, que se acaba convirtiendo en una hora, o poco más, de música que cala hondo, de música de verdad.
Es el privilegio de la música no pasada por filtros de estudio y sin arreglos de última hora: un auténtico placer a oídos de quien tiene la oportunidad de escuchar esas piezas, que por un momento se convierten en melodías tranquilas. Sólo el sentimiento del que interpreta puede marcar la diferencia. ]]><![CDATA[Otro mundo es posible]]>En una sociedad donde cada día es más difícil pensar en un cambio serio, en donde la burocracia, la política, el dinero y los intereses prevalecen frente a cualquier valor humano, hay voces pacíficas que se levantan pensando que las utopías lo son si adoptamos una actitud de “no actividad”.
Jamaica, años 60-70. Salta a nuestra mente un nombre: Robert Nesta Marley. En sus primeros años fue superviviente junto con su madre en uno de los barrios más pobres de la capital del país, Kingston. Una Jamaica en donde las bandas de jóvenes inundaban estos barrios ocupados por la gente del mundo rural que buscaba una salida económica en la metrópolis jamaicana.
Dentro de esas bandas, los Rude Boys (que darían origen a los Skin Heads actuales) eran los más destacados. Los jóvenes de color de la Jamaica más sesentera, lejos de vivir en comunas y cantar al amor libre, se vestían al estilo de los gánsteres de América del norte: unos pantalones doblados, tirantes por encima de la camisa y un sombrero. La música, que como siempre en “Rincón Underground” no puede faltar, era el ska. Ska, palabra que no se sabe muy bien de dónde viene, pero que define a una derivación del punk pero cuyos orígenes poco tuvieron que ver con este movimiento.
La leyenda cuenta cómo llegaban los ritmos foráneos a Jamaica: fundamentalmente americanos. El blues, el jazz… eran entendidos de otra manera por la isla y los ritmos caribeños se fueron entremezclando poco a poco con los sonidos depurados de las emisoras yanquis hasta el nacimiento del ska. Como vemos, aunque poco a poco esos sonidos hayan evolucionado hasta caracterizarse por unas guitarras eléctricas rápidas y la fuerza y pesadez de la batería como fuente principal (es decir, punk), los verdaderos ritmos precursores del ska, poco tenían que ver con el punk. Aún así, la actitud de los grupos que interpretaban esta nueva mezcla latina-yanqui, resultó ser un aliciente para acelerar los ritmos hasta llegar al trepidante sonido ska-punk.
Pero esta tendencia no perduró… elrocksteadyinvadió la escena musical quitándole protagonismo al ska (que posteriormente se exportaría a EEUU en donde ideologías extremistas lo adoptarían junto con la forma de vestir de los “ruddies” para caracterizarse): Se dice que los conciertos de ska eran demasiado rápidos e hiperactivos para el calor de Jamaica. Por ello, poco a poco fue decreciendo el tempo de las canciones hasta que se creó el género rocksteady, ¿otra leyenda más?
La evolución musical de esta pequeña isla no terminó con el rocksteady…llegó el reggae, mucho más tranquilo que el rocksteady. Con un máximo exponente que, aunque no fue el creador de los ritmos reggaes, sí le dio la actitud al nuevo género: el gran Bobby, Bob Nesta Marley,hacía su aparición.
¿Por qué los pobres de Jamaica no podían hacer música? Pues la hicieron, y aunque se ganaron el nombre de “harapientos” (de ahí la expresión “reggae”), consiguieron llevar la música a otro nivel: consiguieron mandar un mensaje de esperanza. Bob Marley, unió el movimiento rastafari con esta música que se adaptó a la perfección para expresar todo lo que pretendía este artista: recordemos nuestros orígenes, África, ahí se encuentra la respuesta a todas nuestras preguntas. Necesitamos un sentimiento panafricanista para, a partir de él, mejorar en Jamaica y así sucesivamente hasta cambiar el nuestro pequeño mundo. Los orígenes reflejan lo que somos. Y ahora somos una comunidad dividida, pobre, problemática… La memoria histórica sería la base de este movimiento y de las letras de Marley sobre la unión y la hermanación.
Video: Africa Unite, Bob Marley Fuente: Youtube Duración: 3:06 min.
Podríamos hablar de su numerosa descendencia, del mito del número de distintos tipos de piojos que se encontraron en una de sus rastas después de muerto, de sus intentos por cambiar la política de su país, de los mensajes que lanzaba a favor de la unión y en contra de la división… nos quedamos con canciones como “One Love” o “Africa Unite” y la visión de este utópico que murió dejando tras de sí generaciones enteras de jóvenes con sentimientos de esperanza ante un mundo unido y un cambio posible.
“Redemption Song”, “No woman no cry”… auténticos himnos que no acaban, que cantaban nuestros padres con sus vinilos, que conocemos nosotros ahora y que escucharán nuestros hijos, porque un mito puede morir, pero no puede morir el sentimiento y la mentalidad que dejó detrás: de ahí la grandeza de Bob Marley.
]]><![CDATA[La Alicia Encadenada de la música underground]]>Alice In Chains: grupo de grunge formado en Seattle en 1987. A estos músicos que componían para una “Alicia encadenada” siempre se les situó dentro de la Generación X de los 80 (generación que comprende grupos como Nirvana, Pearl Jam o Soundgarden que durante esa década se desmarcaron de las tendencias del momento mediante una música punk-rock).
Independientemente de si Alice In Chains está por encima o por debajo de esos otros grupos (cuestión que supondría un auténtico debate), está claro que Layne Staley (su líder y vocalista) y compañía, se desmarcaron del resto por mezclar melodías y guitarras que les acercaban al heavy metal.
Alice In Chains se formaron por casualidad, cuando Layne se encontró con el guitarrita Jerry Cantrell que a su vez conocía al bajista Mike Starr y al batería Sean Kenney. Ellos tres decidieron ensayar y componer, hasta que se vieron con suficiente preparación para comenzar a tocar en bares de Seattle.
Ficharon por una discográfica, no por la archiconocida por los grupos underground Sub-Pop, sino por Columbia Records (mucho más comercial e internacional). Pero el fichar por esta gran discográfica no sólo denotaba el gran talento de Alice In Chains, sino que también les sirvió para abrirse las puertas de la fama tocando como teloneros de artistas de la talla de Iggy Pop y Poison.
Video: Nutshell, Unplugged de Alice In Chains Fuente: Youtube Duración: 4:31 min
"We die Young" no sólo era por el significado del título, toda una manifestación grunge y una premonición que se haría realidad en 2002 con la muerte del cantante, sino también el título de un EP promocional que se ha convertido en verdadero objetivo de coleccionistas por su escasa distribución.
Fotografía: Layne Staley en directo Fuente: Pop Matters
A partir de ahí, y de concierto en concierto, las giras estadounidenses se quedaron cortas y comenzaron a expandir sus cadenas por el resto del mundo. Los discos comenzaron a fluir y a venderse hasta llegar al número uno de las listas con un disco que llevaba el mismo nombre que el grupo: Alice In Chains se hacían grandes y la música underground brillaba de nuevo. La Generación X era una realidad latente e influyente a distintos niveles.
Pero como siempre, los rumores no paraban: autodestrucción y drogas eran las claves que, de boca en boca, llegaban relacionadas con este grupo. De hecho, hay claras referencias a las prácticas ilícitas de drogas en canciones como Angry Chair.
Participaron en festivales de rock como el famoso Lollapalooza, tocaron en compañía de artistas como Slash (guitarrista de prestigio del grupo Guns & Roses), Ozzy Osbourne (cantante y líder de Black Sabbath)… Saturday Night Show, The Late Show with David Letterman… son algunos de los programas americanos televisivos que se convirtieron en escenarios improvisados para esta banda de Seattle.
Y llegaron más allá: fueron varias veces nominados para los premios Grammy. Hasta cinco nominaciones con diferentes álbumes y componentes, pero no fueron suficientes para llevarse una de las estatuillas. Es la llamada “maldición” de Alice In Chains.
En 2002 muere Layne Staley. La rumorología creada a partir de las malas lenguas que hablaban sobre la heroína como otro de los componentes del grupo, se hacía realidad. Apareció muerto el 19 de abril de 2002, pero llevaba muerto dos semanas. El cadáver, ya en descomposición, estaba rodeado de drogas y la causa de la muerte no dejaba lugar a dudas: una sobredosis producida por un cóctel de heroína y cocaína.
Muchos fueron los artistas que en su memoria, trataron de recordar a este artista que había hecho renacer un grunge mucho más duro y fuerte. Eddie Vedder (cantante de Pearl Jam) compañero de movimiento musical y coetáneo de Staley, le dedicó una canción nada más escuchar la noticia por la radio, que se encuentra en un disco del grupo de manera oculta.
Fotografía: Portada del disco “Alice In Chains Unplugged” Fuente: Portal Alternativo
Alice In Chains siguen hoy en día tocando en festivales y realizando giras (aunque con otros miembros y con William Duvall sustituyendo a Layne). Seguimos recordando con nostalgia el "Unplugged MTV" del grupo, un disco/dvd que se ha convertido junto con el de Nirvana en uno de los Unplugged de culto de los miles de fans de esta música underground, que se formó entre tantos disgustos, maldiciones y muertes.
]]><![CDATA[¿La salvación del <i>rock</i>?]]>Él no es como los rockeros de hoy en día, que de espíritu loco no tienen nada. Él es como la estrella perdida de la década de los 70 u 80, engendrado en 1979 y que se erigió como estrella en el siglo XXI. Parece una oveja descarriada. Debería ser uno de los grandes del rock clásico o de la new wave de los 90. Pero no. Es como la reencarnación del espíritu rock por excelencia y para muchos melancólicos, la salvación de este siglo lleno de rock alternativo con poca sustancia: Pete Doherty, el inglés errante.
Ya apuntaba maneras con su lírica, que le hizo ganar un concurso con sólo 16 años. Pero la verdad es que la infancia de esta “pequeña gran estrella trastornada”, para nada fue una infancia tormentosa, horrible e insoportable. Sacaba buenas notas en el colegio, ganaba certámenes de poesía…era un chico normal que poco a poco dejaba entrever uno de sus muchos talentos.
Después de su paso por el colegio, decidió seguir su formación en la universidad, estudiando lo que verdaderamente le gustaba: literatura inglesa. Pero ni el gran Shakespeare ni Virginia Wolf pudieron con él. Camden Town sí que pudo: dejó la carrera en su primer año y se metió de lleno en la vida alternativa. Además empezó su experimentación con las drogas: la vida punk le llenó por completo y de la mejor y la peor manera al mismo tiempo.
Fotografía: Pete Doherty tocando con BabyshamblesFuente: La Prensa HN
Junto con su compañero de piso, Carl Bârat, fundó su primer grupo de música: punk del original, en estado puro. Porque obviamente el espíritu rebelde de este personaje, no podía ser otro que el punk originado décadas atrás en esas calles que él frecuentaba todos los días.
The Libertines fue el primer proyecto a finales de los 90 de Doherty que tuvo su máximo exponente en su disco “Up The Bracket”. Con este disco y con temas tan geniales como Time For Heroes, el grupo se dio a conocer a nivel nacional en las islas británicas y acabaron convirtiéndose en estrellas dentro de la corriente punk. Dieron conciertos por toda Europa y se ganaron la etiqueta prodigiosa del público de “grupo de culto alternativo”. Pero los problemas con las drogas de Pete hicieron mella en el grupo: robó a Carl Bârat, en su propia casa, para conseguir más heroína. Y es que con todo lo que ganaban con los conciertos y los discos vendidos en los siete años del grupo (de 1997 a 2004), Pete no tenía suficiente.
Video: Fuck Forever de BabyshamblesFuente: Youtube Duración: 4:41 min
El mito de Pete Doherty, se iba acrecentando poco a poco: era el prototipo rock por antonomasia. Pocos quedaban como él. Además, su romance con la modelo Kate Moss y la aparición de unas imágenes de esta en actitud cariñosa con unas rayas de cocaína, no hizo nada más que acrecentar la fama de Doherty.
Después de empezar a salir con Moss, Pete recomienza su carrera con otro grupo: Babyshambles. Este grupo tampoco decepciona a los miles de fans de Doherty que esperaban otra manifestación del arte del músico. A la vez, Kate decide dejar la relación con él por los continuos problemas que su relación con Pete y con las drogas le ocasionan en su trabajo. Pete le jura amor eterno y le hace la promesa de que volverá a tratar de rehabilitarse (no era la primera, ni sería la última vez, que de manera voluntaria u obligada por las autoridades, se encierra en un centro de rehabilitación).
Fotografía: Pete Doherty llevando a Kate Moss en brazos Fuente: Metro (Gran Bretaña)
La pareja sigue junta, Babyshambles siguen dando éxitos…aunque ahora Doherty está comenzando a sacar trabajos en solitario y continúa ofreciendo noticias bizarras para los hambrientos tabloides amarillistas de Londres. En Internet nos podemos encontrar numerosos vídeos de este personaje inyectándose heroína, haciendo fiestas en uno de sus pisos londinenses dedicados única y exclusivamente a realizar bacanales y orgías de drogas y muchas entrevistas controvertidas (como la que realizó con la cadena estadounidense MTV en la que acaba lanzando sangre a la cámara mediante una aguja)
Se dice que está arruinado, que las drogas acaparan todas y cada una de las células de su cuerpo, que el cambio de “niño inteligente y bueno” a “estrella decadente del punk-rock” pudo ser por su trabajo de cavador de fosas en un cementerio durante su adolescencia, que muchas de sus fiestas se pueden comparar con las famosas que realizaba el cantante de Queen, Freddy Mercury (pero sin la mitad de estilo y opulencia) y que Kate Moss se acabará convirtiendo en otra viuda negra del rock, pues a este chico, que cuenta hoy en día con 28 años, hace un par de ellos, se le diagnosticó "la enfermedad de los 27”: Moriría con 27 años al igual que todas esas otras estrellas que desafiaron al "Dios rock" con sus excesos y paranoias. Pero Doherty, acabó desafiándonos a los demás.
¿Le damos un par de años de vida más a este chico? O… ¿un halo de esperanza a que no abandone su perfecta y deseada manía de componer punk con toda la rabia de los sabios alternativos de los años 80? ]]><![CDATA[El temido número 27]]>Parece que el número 27 tiene algo de mágico, algo de trágico y un mucho de número innombrable: con 27 años murieron Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones. Estas cinco genialidades siguen siendo recordadas actualmente, siguen sonando en las radios, siguen en las pantallas de televisión de aquellos programas que no paran de recordar a estas figuras que dejaron tras de sí, generaciones enteras al borde del paroxismo.
Jimi Hendrix, nombrado mejor guitarrista del mundo por la prestigiosa revista Rolling Stone, el mismo que revolucionó el festival de Woodstock de 1969 al quemar su guitarra y alzarla en el aire como si estuviese realmente poseído por algún tipo de demonio o dios rock, a los 27 años de edad, muere en 1970 por una mezcla de somníferos y alcohol.
Como siempre, no se llega a saber realmente bien qué versión (de las muchas que se dan a conocer) será la verdadera. De hecho, ni las propias autoridades son capaces de dar respuesta a si Hendrix murió ingiriendo su propio vómito o si fue el camillero que lo trasladaba a un hospital cuando Jimi todavía estaba vivo, quien provocó su muerte de forma accidental al despistarse y dejar que éste dejase la cabeza fuera de la camilla atragantándose y muriendo.
The Doors no hubieran sido lo mismo sin él. De hecho, no hubieran existido y, si lo hubieran hecho, no serían recordados. Jim Morrison: El Rey Lagarto, Mister Mojo Risin, el Chamán de la West Coast americana, el salvador del rock de los 60 y de los 70… innumerables adjetivos y sobrenombres para este ídolo de masas que se enfrentó a todas las autoridades de las ciudades que visitaba con su grupo por decir lo que quería… lo que toda una generación quería.
También murió con 27 años y también tuvo una misteriosa muerte relacionada con las drogas (tomaba marihuana, LSD, cocaína y peyote, pero nunca heroína por su fobia a las agujas). Un año después de la muerte de Jimi Hendrix, el Rey Lagarto aparece muerto en la bañera de su casa. ¿Paro cardiaco? Es lo que indica el acta de defunción, pero las circunstancias extrañas en las que murió y el hecho de que no se le realizase autopsia, lleva a que aparezcan diferentes teorías que incluso recaen en la posibilidad de que esté vivo en algún lugar del mundo escapando de la fama.
La única mujer de este grupo de “los malditos del 27”, murió por sobredosis de heroína en 1970, el mismo año que su coetáneo Jimi Hendrix.Janis Joplin ya había sufrido varias sobredosis de droga pero fue capaz de sobrevivir. A esta última, no. Pero también surgen teorías sobre su muerte debido a algunos datos sin aclarar como el hecho de que la heroína con la que murió era de una pureza extrema y de que desapareciesen las agujas con las que supuestamente se inyectó ella misma la droga. Por eso mismo se especula con la posibilidad del asesinato. Seis semanas después de la muerte de esta “dama del rock psicodélico”, salió el disco "Pearl" que se mantuvo durante más de tres meses en el número uno de las listas. Las cenizas de la artista fueron esparcidas por el Océano Pacífico mientras que sus amigos se despedían de ella en una fiesta salvaje.
Brian Jones, verdadero creador de los Rolling Stones, apareció muerto una mañana, en la piscina de su casa. La fama de amante del sexo, de las drogas y del alcohol dieron las bases para una serie de teorías sobre su muerte: el veredicto oficial apuntaba al asma del músico junto con la ingesta de drogas y la mala salud que le caracterizaba. Se habla de conspiración alrededor de la muerte (debido a la crisis que existía en esta época, finales de los 60, entre los componentes del grupo). Según fuentes policiales, está bastante claro que fue un hecho accidental, pero obviamente, hablando del origen de uno de los grupos rock más importantes de la historia, las hipótesis paralelas siguen contándose en películas, libros, artículos…
Kurt Cobain: padre, padrino, rey y líder por autonomasia del género grunge. Aparece en abril de 1994 con un tiro en la cabeza y una sobredosis de heroína en el invernadero de la parte trasera de su mansión de Seattle.
Los amigos y familiares del líder de Nirvana, llevaban varios meses viéndolo raro, más distante que de costumbre pues se pasaba días enteros desaparecido y volvía a reaparecer días más tarde como si nada hubiera pasado. En sus diarios, estos días aparecen como un vacío con algunas divagaciones sobre el cansancio existencial que padece.
Un día, sin más, decide drogarse para ser capaz de suicidarse. El estado de inconsciencia de la heroína le daría el valor suficiente para terminar con su vida de manera rápida… ¿o no?
La primera hipótesis del suicidio (que de hecho, es la oficial), se ve oculta tras una serie de habladurías y teorías de conspiración.
Una de las cuestiones que pone en duda la versión oficial, es el hecho de que con la cantidad de heroína que el cantante tenía en el cuerpo, no sería capaz de coger un arma para apuntarse a la cabeza porque de hecho, estaría muerto por sobredosis antes de poder emprender el disparo. Esta cuestión fue refutada debido a que la cantidad de heroína que tenía Cobain era para él la normal (recordemos que desde temprana edad se drogaba y que su cuerpo estaba completamente acostumbrado y asimilaba de manera asombrosa grandes cantidades de droga).
Además, se habla de que la longitud de la escopeta que terminó con su vida impedía que el propio Kurt sostuviese el arma (fuentes policiales aseguran y demuestran que el suicidio era completamente posible con ese tipo de arma), por lo tanto, otro argumento descalabrado.
Una de las teorías que más se difundió fue la de que en realidad se trató de un asesinato llevado a cabo por un asesino a sueldo encargado por su esposa, Courtney Love. El susodicho asesino apareció semanas después de la muerte del artista, muerto en las vías del tren de Seattle.
Ante esto, nos preguntamos si de verdad tuvo algo que ver la viuda negra con el fallecimiento de Kurt. Una exhaustiva investigación policial (muy implicada en el caso debido a la gran presión mediática) exculpó a Love de cualquier tipo de implicación con el caso. Pero en realidad, no sabremos nunca qué pasó realmente.
Una tercera teoría se centra en la ya nombrada en el caso de Jim Morrison…¿Existirá esa “tierra de nadie” en donde artistas como Bob Marley, Kurt Cobain, Jim Morrison… viven en armonía y alejados de la fama?
No se sabe muy bien cuál es la gran conclusión del caso del creador del grunge, pero la opción más factible, conociendo mínimamente al artista, es la del suicidio. Sí, dejó una carrera artística prometedora; sí, dejó una hija recién nacida; sí, dejó a miles de fans con ganas de más revolución grunge… pero también dejó el mundo de las drogas de manera definitiva (después de haberlo intentado inútilmente miles de veces y sobre todo después de sentirse impotente al ver que era incapaz de dejar las drogas tras tener una hija), dejó de tener los dolores de estómago que llevaban atormentándole desde su juventud, dejó de sufrir por todos y por todo, dejó un mundo en el que él no creía y dejó una carrera musical antes de que lo comercial terminase con sus principios.
Las drogas, las muertes misteriosas, el número 27, las décadas de los 80 y los 90…el exceso rock y los mitos rock. Todo relacionado y todo con el mismo efecto: hordas de jóvenes enamorados de las historias más truculentas y fanáticos de la música punk, rock, más clásica, más rompedora y transgresora. ]]><![CDATA[Melancolía Grunge: La historia de Kurt Cobain]]>Y después de la rabia y la violencia inicial de los punks de la década de los 70, nos encontramos con una derivación del punk inicial y del rock más duro del momento: el grunge.
Grunge, sinónimo de punk-rock, nace en los 80 para gritar el sufrimiento y la desesperación de los jóvenes americanos de Seattle, para después expandir este sentimiento y esta forma de vida, como una gran telaraña, al resto del mundo.
Las voces rotas y las distorsiones de guitarras, la batería consistente, pesada y unos ritmos a veces lentos, a veces rápidos. Esto caracteriza la música grunge, pero lo que importa para definirla es el sentimiento: desencanto y desengaño. Pesimismo, depresión… “No podemos cambiar el mundo. Está todo perdido pero hay que tratar de que el mundo no nos cambie a nosotros”. De eso trata el grunge: cierto espíritu que huele a revolución pasiva hippie pero en vez de utilizar “el buen rollo”, explotan y reflejan su tristeza y su cabreo por medio de acordes desgarrados y la excitación de las drogas.
Video: Where did you sleep last night? Nirvana, Unplugged New York Fuente: Youtube Duración: 5:02 min
Se dice que el origen del grunge tiene lugar con el nacimiento de Nirvana en Seattle allá por el año 1988 (con el lanzamiento de un par de canciones de mano de una discográfica underground de la ciudad).
Pero, ¿de dónde sale ese sentimiento que tanto caracteriza esta música?
En una ciudad donde el único futuro que se le daba a los jóvenes era trabajar en uno de los muchos aserraderos de Seattle, Kurt Donald Cobain, deja el colegio y se pone a trabajar en lo que puede mientras atraviesa una crisis familiar (nunca se recupera del divorcio de sus padres y su madre sale con un chico de su edad). En vez de tirarse por el primer acantilado que ve, se plantea el seguir con su asombrosa carrera artística (los dibujos y lo que escribe en perdidos cuadernos irrecuperables, supera cualquier expectativa para un chico de su edad).
A mediados de los 80 se une con dos chicos de su clase (Chad Channing y Chris Novoselik) en un garaje cualquiera para improvisar unos acordes y olvidarse del mundo durante unas horas mientras fuman marihuana y prueban algún que otro ácido. Nace Nirvana.
Fotografía: Chris Novoselik, Kurt Cobain y Dave GrohlFuente: Blog Rock & Alcohol
Poco a poco tocan en sus primeros conciertos y se dan a conocer. Graban discos como "Bleach" de la mano de la discográfica Sub-Pop. El batería del grupo, Chad Channing, es sustituido por Dave Grohl y lanzan el que será el disco grunge de culto por excelencia: "Nevermind".
Este disco fue número uno en todo el mundo desbancando en la lista de los más vendidos al mismísimo Michael Jackson. El grunge ya no era un proyecto de tres adolescentes encerrados en un garaje de un perdido pueblo de Seattle. El grunge era la revolución y la voz que hablaba por miles jóvenes cansados de su situación. Smells Like Teen Spirit era la canción que no dejan de cantar y de versionar, todavía hoy, los grupos melancólicos que añoran aquellos años que nunca pudieron vivir, pero que tan bien sienten cuando escuchan los discos de sus ídolos de Seattle. Un verdadero himno para toda una década.
“Me siento como si quisieran que muriese para que así se cumpla la clásica historia del rock”
Éstas y otras intervenciones del líder de la banda Nirvana que tanto repetía…poco a poco se hicieron realidad.
Las drogas que cada vez tomaba con más frecuencia, la heroína que se convirtió en la única amiga que era capaz de calmar sus dolores crónicos estomacales además de llevarle por ese camino de paroxismo que necesitaba para evadirse de la realidad de ser la estrella rock del momento, su extrema sensibilidad emocional que lo mantenía en una especie de depresión constante…Courtney Love, mujer con la que se casó en 1992 y con la que tuvo una hija (Frances Bean Cobain) y con la que compartía conciertos, drogas y excesos, el amor desbordado hacia su hija y el miedo que le llevaba a pensar que este mundo no era demasiado bueno para ella…que él no era demasiado bueno para ella. Todo acabó en un suicidio.
Fotografía: Frances Bean Cobain con su padre Kurt Cobain. Fuente: Burntout
Muchas son las especulaciones acerca de su muerte: Si fue un asesinato, si fue un suicidio, si sigue vivo junto con otros artistas de la talla de Bob Marley o Jim Morrison, si fue Courtney Love la que mediante un asesino a sueldo acabó con la vida del rey grunge… suicidio es lo que este caso grita a viva voz, pero no se puede evitar la rumorología alrededor de la muerte de un rokero drogadicto y asombrosamente artístico y talentoso.
Dicen que con la muerte de Kurt Cobain se acabó el grunge. Que los grupos que después le siguieron (los llamados post-grunge) y los que habían nacido junto con Nirvana (Soundgarden, Pearl Jam o Alice In Chains, entre otros) no llegan a la talla del grunge puro de Nirvana. Ante esto hay muchos debates y la conclusión no es clara.
Lo que no se puede negar es que, hoy por hoy, hay grupos grunge new wave (grupos actuales que tratan de recobrar el mismo espíritu), además de las influencias del grunge en muchos otros grupos y estilos musicales y la supervivencia del original por parte de Pearl Jam.
Lo que tampoco se puede negar es que no se repetirá ningún grupo como Nirvana. Marcaron un antes y un después. Hablaron por una generación entera. Pasaron del garaje al gran estadio en poco más de 5 años. Muchos comparan la efervescencia de Nirvana con la que en su día tuvieron los Beattles (grupo que influyó en Kurt Cobain), pero el mensaje era completamente diferente, porque las necesidades de la juventud eran diferentes: Nirvana eran los líderes, la luz que permitía que muchos jóvenes americanos tuviesen un punto de apoyo para seguir adelante: ¿si estos tres chicos lo han hecho, por qué nosotros no?
Fotografía: Kurt Cobain en el Unplugged MTV de Nueva York. Fuente: Unplugged Café
El grunge: “libertad musical”, como decía Kurt Cobain en sus diarios. Nirvana, más que un grupo, un sentimiento que nunca dejará la mente de los jóvenes y que nunca dejará de tener repercusiones. Kurt Cobain, la reencarnación de un anti-mesías que dio luz a una generación y que siempre será recordado por su sensibilidad, su amor y su sufrimiento, esos mismos sentimientos que le hicieron y le destruyeron.
Esta historia sí que es grunge. Así se creó y así se acabó…¿o no?
]]><![CDATA[God Save The Punk!]]>Después de una década de música tranquila aunque reivindicativa, con guitarras eléctricas y voces rasgadas que gritaban por la paz y el derecho a vivir tranquilo y en consonancia con la naturaleza, nos encontramos con un movimiento social y musical que no solo crea la moda de las tribus urbanas, sino que además, reivindica gritando, protestando, pataleando, peleando… la violencia musical llega de la mano del punk.
Años 70, Gran Bretaña, ideas de apolitismo e incluso de anarquía, ideas de república frente al sistema monárquico británico, juventud desesperada que buscaba algo más en una isla reinada por una corona. Aparecen The Clash y Sex Pistols y los jóvenes enfadados e inconformistas ya tienen con qué gritar: la llamada “primera ola del punk” comienza en la tierra de los lords, de las miladys y de las damas de acero.
Años 70, Nueva York, segunda escena punkarra del mundo: Iggy Pop y Ramones. En la tierra de las oportunidades, los jóvenes no encontraban ninguna que verdaderamente les satisfaciera. Por ello, se refugian en lo único que les queda después de la fracasada revolución hippie: el cabreo llevado de la mano del punk americano.
La oleada británica causó más furor en el mundo que la americana porque, además de ser un punk más violento (algo completamente novedoso para la época), fue un gran grupo quien inició este punk: Sex Pistols.
Video: God Save The Queen, Sex Pistols Fuente:Youtube Duración: 3:22 min
Su bajista, Sid Vicious, fue, es y será el icono punk por excelencia. De hecho, todavía se pueden ver jóvenes con la misma estética que solía llevar este personaje: pantalones pitillo rotos, camiseta blanca de tirantes, un candado por colgante, cadenas, pelo pincho, chaqueta de cuero… fue toda una tendencia en su momento y lo sigue siendo. De hecho la tribu urbana punk, toma su estética de Vicious.
Los Sex Pistols, liderados por su cantante Johnny Rotten, siempre serán recordados como unos provocadores natos. No solo por su tema God Save The Queen que, como se puede deducir por el título, no dejaba en muy buen lugar a la reina inglesa; fueron los creadores y catapultadores del pogo un baile violento que consiste en chocarse los unos con los otros al ritmo de la música de un concierto en directo; y además fueron los pioneros en saltarse la censura en los medios británicos de comunicación diciendo fuck en un directo en el programa Today Programme.
Sid Vicious murió a los 21 años en 1979 por sobredosis de heroína. Los últimos años de su vida se pueden denominar como “creación de un mito punk-rocker: Autodestrucción” Dos años antes había conocido a la que sería la mujer de su vida, Nancy Spungen, groupie con la que compartió jeringuillas y amor. Nancy apareció muerta con una puñalada en una habitación de un hotel. Vicious pronto fue arrestado aunque se barajaba la posibilidad de que el culpable hubiera sido uno de los muchos camellos que pasaron por la habitación esa noche.
Tiempo después, la discográfica lanzó un disco para recaudar el dinero de la fianza del bajista de los Pistols, con colaboraciones como Iggy Pop o los New York Dolls. Con ese dinero consiguieron sacar a Sid de la cárcel, para que días después se suicidase con una dosis de heroína extremadamente pura dejando una nota de suicidio en la que pedía que le enterrasen con sus botas y con su chaqueta de cuero cerca de Nancy.
Con respecto a Estados Unidos, aunque más recatados que los europeos, no pasaron desapercibidos en la escena musical mundial. Destaca el irreverente Iggy Pop, los minimalistas Ramones, los ambiguos New York Dolls…
Pero los Ramones son, los que sin duda, iniciaron el carácter más despreocupado del punk en el continente americano. Para empezar, sus orígenes ya dicen algo del carácter de este grupo: se formaron en una comuna en Queens en Nueva York.
Su sonido era diferente al que acostumbraban las bandas americanas de los 70: Los Ramones transgredieron siendo más sencillos: sonidos crudos, rápidos y directos con influencias de grupos del rockabilly de los 50. Eran melodías minimalistas, simples, repetitivas. Punk en estado puro, menos violento que el de Sex Pistols pero no por ello menos punk.
Los Ramones tomaron el apellido “Ramone" para todos y cada uno de los componentes del grupo (de ahí el nombre de la banda). Su líder, fundador y vocalista Joey Ramone, escuchó desde joven a The Who, y algo tuvo que ver en su formación musical ya que Joey acabó siendo el creador del punk newyorkino. Murió en 2001 por linfoma y nunca vio su sueño realizado: el aparecer en el Hall Of Fame, reconocimiento que consiguió en un año después de su muerte.
Todos estos grupos nunca pensaron que tendrían tanta repercusión en un futuro: bandas actuales como Green Day, Offspring o Rancid muestran las influencias de los Ramones y de los Sex Pistols. Grupos como Guns & Roses, Misfits, Motorhead y Pixies presumen del culto que rinden a todas estas corrientes punks de los 70 que tanto hicieron por la música underground.
]]><![CDATA[Movimiento Proto Punk]]>Si la semana pasada hablábamos de los psicodélicos 60, del famoso “make love, not war”, esta semana nos movemos una década más y cambiamos de aires. El punk: Los orígenes de un movimiento que cambió la concepción de la música.
En una década en donde “paz, amor y empatía” llenaban los acordes de guitarra, las notas vocales, los aporreos de guitarra... una serie de grupos vieron más allá. Estas bandas tocaban un rock más duro en la época de los 60 que se denomina proto punk en los círculos de expertos musicales. Claros ejemplos son The Who, The Doors y The Velvet Underground que tuvieron consecuencias en las décadas posteriores a su creación e incluso tienen repercusión hoy en día.
Estos grupos, que se pueden considerar como la transición del rock & roll tradicional y clásico al punk (un rock más agresivo, más rápido), son base de casi todos los grupos de rock posteriores a ellos, pues dejaron una estela que fue y es difícil de olvidar.
Una frase que resume el poder de estos grupos, es la que pronunció Brian Eno (famoso y vanguardista compositor de música electrónica): “el primer álbum de la Velvet Underground sólo vendió 10.000 copias, pero de esas diez mil personas, cada una de ellas salió y formó una banda”
Marcaron un antes y un después. No sólo crearon un nuevo concepto musical, sino que además experimentaron al máximo con la música. Crearon verdaderas obras de arte y se convirtieron en iconos para miles de personas tanto en los 60 y los 70 como en la actualidad.
En el caso de The Who, llegaron a crear una verdadera ópera rock: "Quadrophenia". Nunca un álbum se había concebido de esa manera: todo el álbum gira en torno al problema de identidad de Jimmy (un personaje inventado que reunía cuatro personalidades diferentes). Estas cuatro personalidades se correspondían con las personalidades de los cuatro componentes de la banda: Pete Townshend, John Entwistle, Keith Moon y Roger Daltrey. Cada una de las personalidades se representaba mediante melodías diferentes. Además, también queda reflejado el auge de las tribus urbanas en la transición de la década de los 60 a los 70. Jimmy es un mod que se debate entre su tribu y la tribu rocker del momento.
The Velvet Underground es considerada por muchos como la primera banda proto punk de la historia. Es verdad que a lo largo de su corta trayectoria, variaron continuamente los componentes de la banda, pero lo que pretendían no era vender discos, sino experimentar con la música y llegar a límites a los que no se había llegado. Además de la única mujer que participó en este proyecto (Nico) destaca Lou Reed, que todavía hoy en día sigue dando conciertos y dejando con la boca abierta a los incondicionales de los buenos conciertos y de la buena música. Lou Reed, como líder de la Velvet Underground, compuso verdaderos himnos de la época: Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane, que son las que os recomendamos de este grupo tan influenciado por la pop-art. De hecho, Andy Warhol, icono fundamental de este movimiento artístico, diseñó la portada de un álbum de la Velvet Underground y fue manager del grupo y quien propuso a Nico como una de las nuevas incorporaciones de la banda.
Fotografía: The Velvet Underground Fuente: Blog Onda Rock
The Doors…grupo estelar donde los haya. Marcaron un punto de inflexión que pocas bandas más tuvieron el placer y el privilegio de repetir. Un grupo interesado en el arte, en la poesía, en la psicodelia sesentera y en las drogas como forma de expansión de la mente y del lenguaje. La música: máxima expresión; los conciertos: su hacha de guerra.
Jim Morrison, su líder y vocalista, dejó perlas como L.A Woman, Light My Fire o The End. Son muchas las canciones que siguen teniendo repercusión hoy en día y que todavía podemos escuchar en bares nostálgicos. Y es que The Doors siguen de moda y, de hecho, siguen de gira aunque con otro cantante. La causa de este cambio: El 3 de julio de 1971, Jim Morrison aparece muerto en su bañera de su piso en París. Fuentes oficiales hablan de ataque al corazón, fuentes alternativas gritan: ¡sobredosis!. Y la autopsia, nunca fue realizada. La muerte de Morrison, supuso el fin de The Doors. Unas décadas después aparecen con nueva formación y con nuevo nombre: Riders On The Storm. Con esta nueva banda, dan giras mundiales haciendo versiones de lo que una vez fue “Una música con la que la gente perdía la virginidad. Hay gente que dice que en Vietnam, niños murieron escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que se suicidó con nuestra música de fondo. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, ellas se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta” (Densmore, batería original de The Doors)
