Amenábar adentro
34 años, un Óscar a la Mejor película extranjera y 29 premios Goya. Se trata de Alejandro Amenábar, el “niño” prodigio del cine español. No sólo dirige sus películas, sino que también se encarga de escribir el guión y de componer la banda sonora.
Trayectoria
Amenábar nació en Santiago de Chile en el año 1972, poco antes del golpe de Estado de Pinochet. Cuando su familia se trasladó a Madrid, él dejó de hablar: su timidez era tan grande que le impedía jugar con los demás niños.
Con 19 años decidió estudiar Imagen en la Universidad Complutense, pero no llegó a terminar la carrera. Más interesado por comenzar a trabajar en el mundo del cine, Alejandro rodó su primer corto, La cabeza. Con él comenzó su amistad con Mateo Gil, con el que escribe todos sus guiones. Además, ganó un premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs.
Sus siguientes cortos, con los que siguió cosechando premios, fueron Himenóptero y Luna. Buscando actores sin remunerar, Amenábar hizo un casting en un colegio mayor, al que se presentó un estudiante de la Escuela Superior de Arte Dramático, Eduardo Noriega. En palabras de Amenábar: “yo lo veía muy soso, pero hizo una prueba con un texto de Woody Allen y fue el más natural y el que mejor se defendía".
A manos de José Luis Cuerda fue a parar el guión de Tesis, el primer largometraje de Alejandro. Por supuesto, decidió producirlo y en 1996, el thriller sobre las snuff movies se convirtió en un éxito tanto en la taquilla como en las críticas.
La película, ambientada en la Facultad de Ciencias de la Información de la Complutense, obtuvo 7 premios Goya (entre ellos el de Mejor Guión, Mejor Película y Mejor Director Novel).
Un año después estrenó Abre los ojos, protagonizada por Penélope Cruz y, otra vez su actor fetiche, Eduardo Noriega. Era una película de mucha intriga, que llamó la atención del propio Tom Cruise, quien compró los derechos del film para hacer el remake Vanilla Sky.
Tom Cruise decidió producir Los Otros, con la condición de que fuera rodada en inglés y protagonizada por Nicole Kidman. Esta película, entrenada en el Festival de Venecia, es la que definitivamente le consagra como director. Con ella consiguió 8 Goyas y la alabanza internacional.
"And the Oscar goes to... Mar adentro". En 2005, Alejandro Amenábar recogió la estatuilla a la Mejor película de habla no inglesa por su cuarto y, hasta ahora, último film. También arrasó en la gala de los Goya: se llevó 14 de los 15 premios a los que optaba y despertó el debate social acerca de la eutanasia.
Página oficial de Alejandro Amenábar
La ceremonia de los Óscar
Biografía
Filmografía
Tesis
En 1996 estrena Tesis, un film de intriga psicológica. Alejandro quería tratar el tema de la violencia audiovisual y se centró en las snuff movies: grabaciones de torturas y asesinatos reales. La protagonista era Ana Torrent, la niña de ojos grandes de El espíritu de la colmena. La película supuso el descubrimiento de Noriega y de Fele Martínez.
Críticas
Los protagonistas
Curiosidades
Abre los ojos
Es un thriller psicológico en el que se mezclan sueño y realidad, que mantiene el misterio hasta el final de la película. En esta ocasión, el tema central de la película es la criogenización. Es célebre la escena rodada en la Gran Vía de Madrid totalmente desierta.
En Estados Unidos se hizo el remake Vanilla Sky. Amenábar se negó a dirigirlo, pero Penélope Cruz sí aceptó volver a protagonizar la historia junto a Tom Cruise.
Amor y miedo
Curiosidades
Abre los ojos y Matrix
Los otros
En este film, rodado íntegramente en inglés en una mansión cántabra, Amenábar explora el género de terror. El que fuera protagonizada por Nicole Kidman llamó la atención internacional sobre las películas del joven director. Con mucha elegancia, la historia está salpicada de pinceladas de miedo y el desarrollo psicológico de los personajes es brillante, como el de los dos niños con alergia a la luz del sol.
Análisis de la película
Especial en El Mundo
Especial en El País
Mar adentro
Es considerada como su mejor película. Con ella dio un giro a su trayectoria profesional y fue catapultado al panorama internacional. A pesar de tener un trasfondo muy duro, la eutanasia, consigue darle un tratamiento a la historia muy cercano a la realidad y con toques incluso de humor. Además de en Javier Bardem, Amenábar confió en la actriz televisiva Belén Rueda y descubrió nuevos talentos, como Lola Dueñas.
Todos los datos
Críticas
La banda sonora
Disfruta de la mejor escena de Amenábar
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Dossier documental por Elena Santos
TrayectoriaAmenábar nació en Santiago de Chile en el año 1972, poco antes del golpe de Estado de Pinochet. Cuando su familia se trasladó a Madrid, él dejó de hablar: su timidez era tan grande que le impedía jugar con los demás niños.
Con 19 años decidió estudiar Imagen en la Universidad Complutense, pero no llegó a terminar la carrera. Más interesado por comenzar a trabajar en el mundo del cine, Alejandro rodó su primer corto, La cabeza. Con él comenzó su amistad con Mateo Gil, con el que escribe todos sus guiones. Además, ganó un premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs.
Sus siguientes cortos, con los que siguió cosechando premios, fueron Himenóptero y Luna. Buscando actores sin remunerar, Amenábar hizo un casting en un colegio mayor, al que se presentó un estudiante de la Escuela Superior de Arte Dramático, Eduardo Noriega. En palabras de Amenábar: “yo lo veía muy soso, pero hizo una prueba con un texto de Woody Allen y fue el más natural y el que mejor se defendía".
A manos de José Luis Cuerda fue a parar el guión de Tesis, el primer largometraje de Alejandro. Por supuesto, decidió producirlo y en 1996, el thriller sobre las snuff movies se convirtió en un éxito tanto en la taquilla como en las críticas.La película, ambientada en la Facultad de Ciencias de la Información de la Complutense, obtuvo 7 premios Goya (entre ellos el de Mejor Guión, Mejor Película y Mejor Director Novel).
Un año después estrenó Abre los ojos, protagonizada por Penélope Cruz y, otra vez su actor fetiche, Eduardo Noriega. Era una película de mucha intriga, que llamó la atención del propio Tom Cruise, quien compró los derechos del film para hacer el remake Vanilla Sky.
Tom Cruise decidió producir Los Otros, con la condición de que fuera rodada en inglés y protagonizada por Nicole Kidman. Esta película, entrenada en el Festival de Venecia, es la que definitivamente le consagra como director. Con ella consiguió 8 Goyas y la alabanza internacional.
"And the Oscar goes to... Mar adentro". En 2005, Alejandro Amenábar recogió la estatuilla a la Mejor película de habla no inglesa por su cuarto y, hasta ahora, último film. También arrasó en la gala de los Goya: se llevó 14 de los 15 premios a los que optaba y despertó el debate social acerca de la eutanasia.
Página oficial de Alejandro Amenábar
La ceremonia de los Óscar
Biografía
Filmografía
Tesis
En 1996 estrena Tesis, un film de intriga psicológica. Alejandro quería tratar el tema de la violencia audiovisual y se centró en las snuff movies: grabaciones de torturas y asesinatos reales. La protagonista era Ana Torrent, la niña de ojos grandes de El espíritu de la colmena. La película supuso el descubrimiento de Noriega y de Fele Martínez.Críticas
Los protagonistas
Curiosidades
Abre los ojos
Es un thriller psicológico en el que se mezclan sueño y realidad, que mantiene el misterio hasta el final de la película. En esta ocasión, el tema central de la película es la criogenización. Es célebre la escena rodada en la Gran Vía de Madrid totalmente desierta.En Estados Unidos se hizo el remake Vanilla Sky. Amenábar se negó a dirigirlo, pero Penélope Cruz sí aceptó volver a protagonizar la historia junto a Tom Cruise.
Amor y miedo
Curiosidades
Abre los ojos y Matrix
Los otros
En este film, rodado íntegramente en inglés en una mansión cántabra, Amenábar explora el género de terror. El que fuera protagonizada por Nicole Kidman llamó la atención internacional sobre las películas del joven director. Con mucha elegancia, la historia está salpicada de pinceladas de miedo y el desarrollo psicológico de los personajes es brillante, como el de los dos niños con alergia a la luz del sol. Análisis de la película
Especial en El Mundo
Especial en El País
Mar adentro
Es considerada como su mejor película. Con ella dio un giro a su trayectoria profesional y fue catapultado al panorama internacional. A pesar de tener un trasfondo muy duro, la eutanasia, consigue darle un tratamiento a la historia muy cercano a la realidad y con toques incluso de humor. Además de en Javier Bardem, Amenábar confió en la actriz televisiva Belén Rueda y descubrió nuevos talentos, como Lola Dueñas.Todos los datos
Críticas
La banda sonora
Disfruta de la mejor escena de Amenábar
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Dossier documental por Elena Santos
El universo mutante
Hombres que controlan el fuego, el hielo o el metal. Mujeres capaces de controlar los cambios climáticos, de atravesar paredes y de adoptar la apariencia de cualquier persona. Estos son algunos de los mutantes de X-MEN, el mítico cómic que, después de dar el salto a las series de animación televisivas, llegó hace un par de años a las pantallas de cine. Con motivo del estreno de la tercera película sobre las aventuras de estos personajes, 5con20 te ofrece toda la información sobre ellos.
EL CÓMIC
Corría el año 1963 cuando Stan Lee y Jack Kirby crearon el primer cómic sobre las aventuras de un grupo de jóvenes con superpoderes: la Patrulla X. La idea original era sencilla: una evolución genética que sólo se da en algunas personas proporciona a éstas unos poderes fuera de lo común. Al ser una minoría dentro de la sociedad, deben proteger su identidad e intentar salvar a la Humanidad de una posible guerra entre mutantes y personas normales. Su tarea no será sencilla y la Patrulla X se verá envuelta en un sin fin de conflictos y luchas por todo el mundo.
El Profesor Charles Xavier es el alma del grupo de mutantes. También conocido como Profesor X, tiene un gran poder mental y es el tutor de todos los mutantes. Les enseña a controlar sus poderes en su Escuela Charles Xavier para Jóvenes con Talento, secreta y oculta del mundo exterior. También les educa para que eviten un conflicto con el resto de humanos normales, pues su máxima preocupación es la paz. Su antagonista es Magneto, antiguo amigo mutante del Profesor X que tiene el poder de controlar el metal. El sueño de Magneto es la victoria de los mutantes sobre el resto de personas y el control del planeta. Él y sus secuaces se enfrentarán continuamente a la Patrulla X y pondrán en peligro la estabilidad entre mutantes y personas sin poderes.
Con el paso del tiempo se fueron introduciendo cambios en el cómic original para hacerlo más atractivo para los jóvenes. A pesar de que el proyecto original de Lee y Kirby había sobrevivido hasta los 70, se hacía necesaria una transformación. Por esa razón, se contrató a nuevos guionistas y dibujantes, se incluyeron nuevos personajes y se crearon series de cómics que se centraban en las distintas coaliciones de mutantes.
El cómic sigue editándose en la actualidad con mucho éxito, a pesar de que a principios de los 90 tuvo una pequeña crisis creativa. El abandono de Chris Claremont, uno de los principales guonistas en la historia de los mutantes, supuso un grave vacío creativo que no se solucionó hasta el regreso del guionista. El estreno de la trilogía de películas basadas en la obra de Lee y Kirby han revitalizado muchísimo al cómic, que ha vuelto a ser uno de los más vendidos de la Marvel.
El cómic ha seguido con su evolución y han ido apareciendo nuevas sagas y aventuras de personajes. La última de estas series ha sido "New X-MEN: Academy X", que narra las peripecias y los desafíos a los que deben hacer frente los nuevos alumnos del Profesor Xavier.
Toda la historia del cómic y de sus personajes
La Patrulla X
Los X-MEN, en inglés
New X-MEN: Academy X
Wallpapers de los cómics
LOS PERSONAJES DE LOS CÓMICS
La Patrulla X
Charles Xavier: el Profesor X
Toda una institución para los mutantes del mundo entero. No sólo es el mentor de los miembros de la Patrulla, también es la única persona a la que el malvado Magneto tiene respeto. Es uno de los mutantes más poderosos del planeta. Su poder, la telepatía, le permite guiar a los mutantes en su misión de conseguir la paz. Además, puede paralizar a las personas, puede generar sueños o ilusiones en las mentes de los demás y puede sentir y comunicarse con los mutantes telepáticamente.
El Profesor X diseñó, junto con Magneto, una máquina especial para potenciar su don telepático y que es conocida como "Cerebro". Su amistad con Magneto acabó tras un enfrentamiento que dejó al Porfesor paralítico. Además, es una figura clave en las negociaciones de los mutantes con el Gobierno. Obviamente, su importancia también se ha mantenido en las adaptaciones a la televisión y al cine.
Tormenta
Como su propio nombre indica, tiene el poder de controlar los cambios meteorológicos relacionados con el agua. Su pelo y sus ojos blancos son dos de sus señas de identidad principales, junto con su fuerte personalidad. Gran luchadora, fue entrenada por Lobezno. Es una de las profesoras de la Escuela del Profesor X y también es uno de los miembros más carismáticos de la patrulla. Por esta razón es uno de los papeles más importantes de la trilogía cinematográfica.
Jean Grey
La telépata más poderosa del mundo. Su poder es tal que el Profesor Xavier lo ha retenido durante años a través de distintas terapias y barreras mentales. Cuando se descontrola se convierte en Fénix y es imparable. Está casada con Cíclope.
Cíclope
Scott Summers, más conocido como Cíclope, tiene el poder sobrehumano de la visión de infrarrojos. Sin embargo, no es capaz de dejar de emitirlos, por lo que siempre debe utilizar gafas especiales. Es el segundo al mando de la Patrulla.
Lobezno
Otro de los personajes más carismáticos. Su organismo se regenera de una manera increíblemente rápida, lo que le permite recomponerse con facilidad de ataques y heridas. Tiene un revestimiento de adamianto en todos su huesos que le permite tener unas garras imposibles de romper. Este metal no lo genera por sí mismo, sino que es el resultado de un proyecto militar al que se vio somentido contra su voluntad. Como resultado de dicho experimento, sufre amnesia. En la segunda película se enfrentó al militar que le utilizó como "conejillo de indias" y le insertó el metal en el cuerpo.
Pícara
Su poder mutante es uno de los más complicados: al tocar a otra persona, mutante o no, absorve su memoria, sus poderes (si los tiene), sus facultades psiquícas y sus conocimientos. Al no poder controlar este poder, siempre usa guantes y procura evitar el contacto físico. También tiene la facultad de volar. La adaptación cinematográfica ha optado por presentarla como una adolescente, pero en el cómic y en la serie de televisión es de la misma generación que Tormenta y Jean Grey.
Gámbito
El más astuto de la Patrulla X y uno de los mejores en el combate mano a mano. Tiene el poder de transformar la energía kinética de los objetos en fuego o explosivo. Así, al lanzar un carta, que es su marca de identidad, ésta se convierte en una pequeña bomba. A pesar de que en el cómic y en la serie tiene un papel bastante preeminente, no aparece en ninguna de las películas.
Bestia
El hombre azul. Este mutante tiene un aspecto aterrador, pero es, junto con el Profesor Xavier, uno de los más inteligentes de la Patrulla y el más intelectual. Tiene una fuerza increíble, puede escalar muros, es muy veloz, ágil y resistente. Además, es un gran acróbata. Todas estas características le convierten en uno de los luchadores más contundentes de la Patrulla X. En las películas, no ha aparecido hasta la tercera entrega, caracterizado como Ministro de Asuntos Mutantes de los Estados Unidos.
Los malos
Magneto
El gran enemigo de la Patrulla X. Pasó su infancia en un campo de exterminio nazi donde comprendió la crueldad con la que pueden llegar a actuar los humanos. Tras la II Guerra Mundial fue voluntario en Israel, donde conoció a Charles Xavier, al que ayudó en su labor de educar mutantes en un principio. Sin embargo, pronto sus deseos de controlar a la Humanidad hicieron que ambos se enfrentaran y que Magneto creara una organización terrorista.
Su poder consiste en el control del magnetismo, ya sea éste natural o artificial. Su capacidad es casi ilimitada. Siempre aparece caracterizado con un casco que impide que el Profesor X pueda leerle la mente e influir en él. También suele llevar una capa, y siempre va acompañado de sus secuaces, que hacen las veces de guardaespaldas.
Mística
Supuesta madre no reconocida de Pícara y Rondador Nocturno, es una de las más importantes alidadas de Magneto. Su poder reside en la metamorfosis: puede adoptar la apariencia, la voz, los gestos y hasta la vestimenta de cualquier persona, independientemente del sexo, el peso o la edad. También ha sido uno de los personajes rescatados por la trilogía de películas.
Apocalipsis
Otro de los peores enemigos de los X-MEN. Posee una fuerza sobrehumana que puede incrementar utilizando la energía de otros objetos. Puede modificar su cuerpo para ser más contundente (suele convertirse en un ente metalizado). Es muy resistente y se recupera a gran velocidad de cualquier tipo de herida. Además, puede levitar, lo que le hace más peligroso.
Aunque es un personaje que aparece con frecuencia en los cómics y en la serie de televisión, en las películas apenas se le ha visto. Tan sólo lo podemos ver al principio de la tercera entrega, pero no se le identifica como Apocalipsis.
Descubre a todos los personajes del comic (en inglés)
Los personajes, en español
LA TELEVISIÓN
El éxito de los cómics condujo en 1992 a su adpatación televisiva. Se creó una serie de animación con el mismo nombre que reproducía las aventuras de la Patrulla X y mantenía en gran parte los mismos personajes y situaciones de la obra de Lee y Kirby. La serie tuvo bastante éxito y estuvo durante cinco temporadas (76 capítulos) en las parrillas de programación.
A medida que los dibujos animados fueron evolucionando también lo tuvieron lo que hacer los murtantes: surgieron nuevas generaciones de X-MEN (también en los cómics). En el año 2000 surgió la serie "X-MEN Evolution". Mantenía los mismos personajes de la primera, pero los dibujos eran más modernos y se habían adaptado a la estética del momento. Duró cuatro temporadas y se emitieron 54 episodios.
La última en aparecer ha sido "New X-MEN: Academy X", que narra las peripecias y los desafíos a los que deben hacer frente los nuevos alumnos del Profesor Xavier.
X-MEN capítulo a capítulo
X-MEN Evolution
Información sobre la serie, en inglés
LAS PELÍCULAS
La primera de las tres películas que se han rodado sobre los mutantes de la Marvel se estrenó en el año 2000. La película resultó un éxito de taquilla y en 2003 llegó a las pantallas "X-MEN 2". La última parte de la trilogía se estrenó el pasado 26 de mayo y está siendo todo un éxito.
Estas son las sinopsis de las tres películas de la trilogía:
Sinopsis en Film Affinity: En un futuro cercano, la Humanidad comienza a ver aparecer una nueva raza: los mutantes. Dotados de extraños y variados poderes, están agrupados en dos bandos: los que abogan por la integración y el entendimiento con la Humanidad, encabezados por el doctor Charles Xavier, y los que buscan el enfrentamiento con una raza que consideran inferior y que les odia, dirigidos por Magnus, alias Magneto, un peligroso mutante con extraordinarios poderes
Sinopsis en LaGuíaTV: Tras un ataque a la Casa Blanca en el que el mutante Rondador Nocturno casi mata al presidente de Estados Unidos, el profesor Xavier deduce que alguien está manipulando a los de su especie para causar una reacción contraria a su coexistencia pacífica con los humanos.
Pronto resulta evidente que el responsable de tal operación es el coronel William Stryker, que mantiene vínculos secretos con el pasado de Logan antes de ser Lobezno y posee un control absoluto sobre el resentido Magneto, encerrado en una prisión de máxima seguridad.
Sinopsis en Yahoo Movies: En X-MEN: LA DECISIÓN FINAL, el último capítulo de la trilogía cinematográfica de los "X-Men", hay una "cura" para los mutantes que amenaza con alterar el curso de la historia. Por primera vez, los mutantes pueden elegir: seguir con su singularidad, aunque eso les aísle y les separe, o renunciar a sus poderes y convertirse en seres humanos normales. Los opuestos puntos de vista de los líderes mutantes, Charles Xavier, que aboga por la tolerancia, y Magneto, que cree en la supervivencia de los más aptos, se ven sometidos a la prueba definitiva: desencadenar la guerra que pondrá fin a todas las guerras.
Información sobre las películas (en inglés)
La tercera entrega
Entevista con Halle Berry (Tormenta)
La segunda película (en inglés)
Compra los dvd
Dossier documental por Alba Redondo
EL CÓMIC
Corría el año 1963 cuando Stan Lee y Jack Kirby crearon el primer cómic sobre las aventuras de un grupo de jóvenes con superpoderes: la Patrulla X. La idea original era sencilla: una evolución genética que sólo se da en algunas personas proporciona a éstas unos poderes fuera de lo común. Al ser una minoría dentro de la sociedad, deben proteger su identidad e intentar salvar a la Humanidad de una posible guerra entre mutantes y personas normales. Su tarea no será sencilla y la Patrulla X se verá envuelta en un sin fin de conflictos y luchas por todo el mundo.El Profesor Charles Xavier es el alma del grupo de mutantes. También conocido como Profesor X, tiene un gran poder mental y es el tutor de todos los mutantes. Les enseña a controlar sus poderes en su Escuela Charles Xavier para Jóvenes con Talento, secreta y oculta del mundo exterior. También les educa para que eviten un conflicto con el resto de humanos normales, pues su máxima preocupación es la paz. Su antagonista es Magneto, antiguo amigo mutante del Profesor X que tiene el poder de controlar el metal. El sueño de Magneto es la victoria de los mutantes sobre el resto de personas y el control del planeta. Él y sus secuaces se enfrentarán continuamente a la Patrulla X y pondrán en peligro la estabilidad entre mutantes y personas sin poderes.
Con el paso del tiempo se fueron introduciendo cambios en el cómic original para hacerlo más atractivo para los jóvenes. A pesar de que el proyecto original de Lee y Kirby había sobrevivido hasta los 70, se hacía necesaria una transformación. Por esa razón, se contrató a nuevos guionistas y dibujantes, se incluyeron nuevos personajes y se crearon series de cómics que se centraban en las distintas coaliciones de mutantes.El cómic sigue editándose en la actualidad con mucho éxito, a pesar de que a principios de los 90 tuvo una pequeña crisis creativa. El abandono de Chris Claremont, uno de los principales guonistas en la historia de los mutantes, supuso un grave vacío creativo que no se solucionó hasta el regreso del guionista. El estreno de la trilogía de películas basadas en la obra de Lee y Kirby han revitalizado muchísimo al cómic, que ha vuelto a ser uno de los más vendidos de la Marvel.
El cómic ha seguido con su evolución y han ido apareciendo nuevas sagas y aventuras de personajes. La última de estas series ha sido "New X-MEN: Academy X", que narra las peripecias y los desafíos a los que deben hacer frente los nuevos alumnos del Profesor Xavier.
Toda la historia del cómic y de sus personajes
La Patrulla X
Los X-MEN, en inglés
New X-MEN: Academy X
Wallpapers de los cómics
LOS PERSONAJES DE LOS CÓMICS
La Patrulla X
Charles Xavier: el Profesor X
Toda una institución para los mutantes del mundo entero. No sólo es el mentor de los miembros de la Patrulla, también es la única persona a la que el malvado Magneto tiene respeto. Es uno de los mutantes más poderosos del planeta. Su poder, la telepatía, le permite guiar a los mutantes en su misión de conseguir la paz. Además, puede paralizar a las personas, puede generar sueños o ilusiones en las mentes de los demás y puede sentir y comunicarse con los mutantes telepáticamente. El Profesor X diseñó, junto con Magneto, una máquina especial para potenciar su don telepático y que es conocida como "Cerebro". Su amistad con Magneto acabó tras un enfrentamiento que dejó al Porfesor paralítico. Además, es una figura clave en las negociaciones de los mutantes con el Gobierno. Obviamente, su importancia también se ha mantenido en las adaptaciones a la televisión y al cine.
Tormenta
Como su propio nombre indica, tiene el poder de controlar los cambios meteorológicos relacionados con el agua. Su pelo y sus ojos blancos son dos de sus señas de identidad principales, junto con su fuerte personalidad. Gran luchadora, fue entrenada por Lobezno. Es una de las profesoras de la Escuela del Profesor X y también es uno de los miembros más carismáticos de la patrulla. Por esta razón es uno de los papeles más importantes de la trilogía cinematográfica.Jean Grey
La telépata más poderosa del mundo. Su poder es tal que el Profesor Xavier lo ha retenido durante años a través de distintas terapias y barreras mentales. Cuando se descontrola se convierte en Fénix y es imparable. Está casada con Cíclope.
Cíclope
Scott Summers, más conocido como Cíclope, tiene el poder sobrehumano de la visión de infrarrojos. Sin embargo, no es capaz de dejar de emitirlos, por lo que siempre debe utilizar gafas especiales. Es el segundo al mando de la Patrulla.
LobeznoOtro de los personajes más carismáticos. Su organismo se regenera de una manera increíblemente rápida, lo que le permite recomponerse con facilidad de ataques y heridas. Tiene un revestimiento de adamianto en todos su huesos que le permite tener unas garras imposibles de romper. Este metal no lo genera por sí mismo, sino que es el resultado de un proyecto militar al que se vio somentido contra su voluntad. Como resultado de dicho experimento, sufre amnesia. En la segunda película se enfrentó al militar que le utilizó como "conejillo de indias" y le insertó el metal en el cuerpo.
Pícara
Su poder mutante es uno de los más complicados: al tocar a otra persona, mutante o no, absorve su memoria, sus poderes (si los tiene), sus facultades psiquícas y sus conocimientos. Al no poder controlar este poder, siempre usa guantes y procura evitar el contacto físico. También tiene la facultad de volar. La adaptación cinematográfica ha optado por presentarla como una adolescente, pero en el cómic y en la serie de televisión es de la misma generación que Tormenta y Jean Grey.
Gámbito
El más astuto de la Patrulla X y uno de los mejores en el combate mano a mano. Tiene el poder de transformar la energía kinética de los objetos en fuego o explosivo. Así, al lanzar un carta, que es su marca de identidad, ésta se convierte en una pequeña bomba. A pesar de que en el cómic y en la serie tiene un papel bastante preeminente, no aparece en ninguna de las películas. Bestia
El hombre azul. Este mutante tiene un aspecto aterrador, pero es, junto con el Profesor Xavier, uno de los más inteligentes de la Patrulla y el más intelectual. Tiene una fuerza increíble, puede escalar muros, es muy veloz, ágil y resistente. Además, es un gran acróbata. Todas estas características le convierten en uno de los luchadores más contundentes de la Patrulla X. En las películas, no ha aparecido hasta la tercera entrega, caracterizado como Ministro de Asuntos Mutantes de los Estados Unidos.
Los malos
Magneto
El gran enemigo de la Patrulla X. Pasó su infancia en un campo de exterminio nazi donde comprendió la crueldad con la que pueden llegar a actuar los humanos. Tras la II Guerra Mundial fue voluntario en Israel, donde conoció a Charles Xavier, al que ayudó en su labor de educar mutantes en un principio. Sin embargo, pronto sus deseos de controlar a la Humanidad hicieron que ambos se enfrentaran y que Magneto creara una organización terrorista.
Su poder consiste en el control del magnetismo, ya sea éste natural o artificial. Su capacidad es casi ilimitada. Siempre aparece caracterizado con un casco que impide que el Profesor X pueda leerle la mente e influir en él. También suele llevar una capa, y siempre va acompañado de sus secuaces, que hacen las veces de guardaespaldas.
Mística
Supuesta madre no reconocida de Pícara y Rondador Nocturno, es una de las más importantes alidadas de Magneto. Su poder reside en la metamorfosis: puede adoptar la apariencia, la voz, los gestos y hasta la vestimenta de cualquier persona, independientemente del sexo, el peso o la edad. También ha sido uno de los personajes rescatados por la trilogía de películas.
Apocalipsis
Otro de los peores enemigos de los X-MEN. Posee una fuerza sobrehumana que puede incrementar utilizando la energía de otros objetos. Puede modificar su cuerpo para ser más contundente (suele convertirse en un ente metalizado). Es muy resistente y se recupera a gran velocidad de cualquier tipo de herida. Además, puede levitar, lo que le hace más peligroso.
Aunque es un personaje que aparece con frecuencia en los cómics y en la serie de televisión, en las películas apenas se le ha visto. Tan sólo lo podemos ver al principio de la tercera entrega, pero no se le identifica como Apocalipsis.
Descubre a todos los personajes del comic (en inglés)
Los personajes, en español
LA TELEVISIÓN
El éxito de los cómics condujo en 1992 a su adpatación televisiva. Se creó una serie de animación con el mismo nombre que reproducía las aventuras de la Patrulla X y mantenía en gran parte los mismos personajes y situaciones de la obra de Lee y Kirby. La serie tuvo bastante éxito y estuvo durante cinco temporadas (76 capítulos) en las parrillas de programación.
A medida que los dibujos animados fueron evolucionando también lo tuvieron lo que hacer los murtantes: surgieron nuevas generaciones de X-MEN (también en los cómics). En el año 2000 surgió la serie "X-MEN Evolution". Mantenía los mismos personajes de la primera, pero los dibujos eran más modernos y se habían adaptado a la estética del momento. Duró cuatro temporadas y se emitieron 54 episodios.
La última en aparecer ha sido "New X-MEN: Academy X", que narra las peripecias y los desafíos a los que deben hacer frente los nuevos alumnos del Profesor Xavier.
X-MEN capítulo a capítulo
X-MEN Evolution
Información sobre la serie, en inglés
LAS PELÍCULAS
La primera de las tres películas que se han rodado sobre los mutantes de la Marvel se estrenó en el año 2000. La película resultó un éxito de taquilla y en 2003 llegó a las pantallas "X-MEN 2". La última parte de la trilogía se estrenó el pasado 26 de mayo y está siendo todo un éxito.
Estas son las sinopsis de las tres películas de la trilogía:
Sinopsis en Film Affinity: En un futuro cercano, la Humanidad comienza a ver aparecer una nueva raza: los mutantes. Dotados de extraños y variados poderes, están agrupados en dos bandos: los que abogan por la integración y el entendimiento con la Humanidad, encabezados por el doctor Charles Xavier, y los que buscan el enfrentamiento con una raza que consideran inferior y que les odia, dirigidos por Magnus, alias Magneto, un peligroso mutante con extraordinarios poderesSinopsis en LaGuíaTV: Tras un ataque a la Casa Blanca en el que el mutante Rondador Nocturno casi mata al presidente de Estados Unidos, el profesor Xavier deduce que alguien está manipulando a los de su especie para causar una reacción contraria a su coexistencia pacífica con los humanos.Pronto resulta evidente que el responsable de tal operación es el coronel William Stryker, que mantiene vínculos secretos con el pasado de Logan antes de ser Lobezno y posee un control absoluto sobre el resentido Magneto, encerrado en una prisión de máxima seguridad.
Sinopsis en Yahoo Movies: En X-MEN: LA DECISIÓN FINAL, el último capítulo de la trilogía cinematográfica de los "X-Men", hay una "cura" para los mutantes que amenaza con alterar el curso de la historia. Por primera vez, los mutantes pueden elegir: seguir con su singularidad, aunque eso les aísle y les separe, o renunciar a sus poderes y convertirse en seres humanos normales. Los opuestos puntos de vista de los líderes mutantes, Charles Xavier, que aboga por la tolerancia, y Magneto, que cree en la supervivencia de los más aptos, se ven sometidos a la prueba definitiva: desencadenar la guerra que pondrá fin a todas las guerras.Información sobre las películas (en inglés)
La tercera entrega
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El Realismo en el cine
Cuando todavía no existían ni las cámaras ni los carretes, la realidad se representaba mediante códigos de signos: la pintura, la escultura, la literatura… Hasta el siglo XX, el ser humano siempre había tratado de reproducir fielmente la realidad. De hecho, en el siglo XIX llega el gran momento del Realismo: la Literatura y la Pintura van perfeccionando sus técnicas. El Realismo
El Realismo en la Literatura
Teorías del realismo literario
El Realismo en la Pintura
Sobre Millet
Todo esto cambia con la llegada de la fotografía, que permite hacer una copia de la realidad; ya no necesita crear ilusión de realidad a través de la perspectiva o el color. Con la fotografía se produce una continuidad fotoquímica entre el objeto filmado y su impresión física.
Con esta nueva técnica se retoma el complejo de la momia de André Bazin: el tiempo forma parte de la imagen y con las cámaras también se puede filmar, se puede retener. Este hecho es el que hace a la fotografía y al cine, diferentes al resto de las artes. Además, en ambas disciplinas la captación de la realidad se lleva a cabo mediante una lente; el ojo humano ya no interviene tan directamente en el proceso. Esto nos lleva a la sustitución del concepto de representación por el de registro. Con la llegada de la fotografía y el cine, el arte y la pintura se pudieron desligar de lo que hasta ahora había sido una de sus principales funciones, representar la realidad y surgieron los movimientos vanguardistas. En estas disciplinas nunca antes se había planteado el debate, siempre presente en el cine, de si el arte debe o no representar la realidad. Bazin
Apología de Bazin: cine, realidad y discurso
Fotografía
Historia de la fotografía
Cine
Historia del cine
Existen dos tipos de Realismo en el arte:
- El Realismo genético: parte de la confianza suprema en la relación que tiene el artista con el mundo por la que éste será filtrado y reproducido mediante la observación de la manera más fidedigna posible. De esta forma, el arte puede llegar a entender la verdad del mundo.
- El Realismo formal: parte de la idea de que toda obra posee como punto de partida la literalidad y que instituye una realidad textual desconectada del
mundo. Por tanto, la realidad se construye mediante la retórica.
Estas dos concepciones tienen su base en dos tendencias filosóficas, las de Platón y Aristóteles. Según las teorías de Platón lo que nosotros vemos es sólo un reflejo del mundo real, el mundo de las ideas. Estas ideas nos han llegado a través de conocido “mito de la caverna”. En este caso, si los humanos crean otra representación de la realidad, tan sólo será un reflejo del reflejo. Platón rechaza esto y plantea que la forma de llegar a conocer la realidad no se consigue mediante su imitación sino a través de un proceso de interioridad subjetiva (con la imaginación).Texto e interpretación del mito de la caverna de Platón
Por otro lado, Aristóteles maneja en concepto de “mimesis”: una tendencia innata del ser humano a imitar el mundo. Él distingue entre las artes miméticas, que pretenden reproducir la realidad, y las artes dietéticas, relacionadas con la creación de relatos mediante las palabras. Además, para Aristóteles, la mimesis es un proceso de aprendizaje, no sólo una copia de la realidad. Este proceso únicamente se puede llevar a cabo con la ordenación del mundo, es decir, dividiéndolo en escenas, dándole un desarrollo lógico… Nos encontramos, pues, ante un acto de imitación controlado y creativo.
El realismo de Aristóteles
EL CINE REALISTA
Desde sus comienzos el cine se bifurcó en dos corrientes: el cine documental, que es la que ha llevado al cine realista; y el cine ilusionista, antecedentes del actual cine de ficción. Además, en la primera corriente siempre han convivido dos tradiciones realistas: el cine documental y el realismo social (cine social).
El documental
El documental es un género cinematográfico que intenta reflejar lo verdadero y no lo verosímil como puede ocurrir en el cine de ficción. Esto ha provocado que desde los teóricos y críticos se le haya presupuesto una mayor altura ética, pues se considera que es un cine más comprometido, más serio.
¿Qué es el documental?El cine documentall como recurso didáctico
Pero, ¿un documental nos presenta la verdadera realidad? Para responder a esta controvertida cuestión hay que tener en cuenta tres elementos que hacen peligrar la subjetividad en el documental:
- El pacto que el documentalista hace con la realidad: hay que negociar con los protagonistas del documental.
- El rodaje: el acto de elegir dónde se coloca la cámara es una decisión subjetiva. Además, la naturalidad de un sujeto ante la cámara también es cuestionable.
- Proceso de selección, montaje y ordenación de lo filmado: el documentalista elige las imágenes que considera más interesantes.
Un buen ejemplo de la subjetividad que puede llegar a transmitir un documental llega de las manos de Leni Riefenstahl, admirada y cuestionada documentalista de la Alemania nazi. Sus documentales sirvieron como un instrumento de propaganda para el partido nazi.
¿Quién es Leni Riefenstahl?
Leni Riefenstahl, mujer polémica
Ficha técnica de El triunfo de la voluntad Sobre El triunfo de la voluntad
Ver El triunfo de la voluntad
No obstante, el documental también tiene diferentes modalidades según Bill Nichols:
1. Modo expositivo: narrador con voz en off que realiza un discurso sobre una determinada realidad. Las imágenes sirven de apoyo a este discurso. Fue el más usado.
2. Modo observacional: la cámara se limita a reflejar la realidad sin intervenir en ningún momento.
3. Modo interactivo: Incluye declaraciones de testigos.
4. Modo reflexivo: reflexiona sobre la propia capacidad del género para recoger la realidad.
Bill Nichols, ¿cómo conseguir su obra?
Sobre Bill Nichols (English)
Tampoco hay que olvidar el falso documental, también denominado mockumentary o fake.
- El falso documental
- Zelig de Woody Allen
- Fraude de Orson Welles
El cine social
La otra tendencia del Realismo en el cine es el cine social, que se caracteriza fundamentalmente por tratar temas políticos y comprometidos mediante la introducción elementos del documental. Así, intenta dar a conocer el mundo y los conflictos que en él hay a sus espectadores. Una vez más surge el debate sobre la moralidad de este cine.
El cine social en Europa. Tendencias más importantes
Los realismos (neorrealismo, cine social, realismo español, anécdotas)
Películas de cine social (blog)
> Neorrealismo
Tras la Segunda Guerra Mundial surge en Italia una corriente cinematográfica que tiene como objetivo dar a conocer la realidad que se vive en el momento, es un cine que cree que así es posible cambiar el mundo: es el neorrealismo. El neorrealismo muestra el mundo tal y como es y se aleja de las tendencias del cine ilusionista americano. Evita a los actores profesionales, se decanta por los decorados exteriores, la iluminación natural y los planos secuencia.¿Qué es el neorrealismo italiano?
Grandes directores
Roberto Rossellini
Vittorio de Sica
Películas míticas
El ladrón de Bicicletas de Vittorio de Sica
Ficha técnica
Roma, ciudad abierta de Rossellini
Ficha técnica
Crítica en Miradas de Cine
> Free cinema
Movimiento británico que surge en Gran Bretaña a finales de los cincuenta, principios de los sesenta. Los protagonistas de este cine son los seres anónimos, “la masa gris” de Tolstoi. Con unos medios muy limitados y la música jazz de fondo es otro de los movimientos realistas. Lorenza Mazzeti y Tony Richardson son dos de los más conocidos cineastas del Free Cinema.
¿Qué es el Free Cinema?
Look Back in Anger de Tony Richardson
Ficha técnica
Crítica en Miradas de Cine
> Realismo actual
Actualmente el cine social es un cine “contaminado” por el documental. No obstante, se convierte en un híbrido del relato tradicional de ficción y el documental que pretende llamar la atención sobre las injusticias y conflictos del mundo. El director iraní Abbas Kiarostami se ha convertido en uno de sus máximos exponentes.
Estudio sobre Abbas kiarostami ¿Dónde está la casa de mi amigo? de Kiarostami
Ficha técnica
Crítica en Miradas de Cine
Las tortugas también vuelan de Bahman Ghobadi
Ficha técnica
Crítica en Zinema
Sobre el cine iraní
> Últimas vanguardias
En el cine más experimental se pierden los relatos: no hay conflictos, ni tampoco evolución de los personajes. En muchas ocasiones, introducen las filmaciones en tiempo real.
El otro cine contemporáneo El cine documental de Ulrico Seidl
Blisfully yours de Apichatpong Weerasethakul
Sobre la película
Más
Elephant de Gus Van Sant
Ficha técnica
Crítica en La Butaca
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Dossier documental por Celia Prieto
El estreno más esperado
Por fin se estrenó, anoche, la película más controvertida del panorama cinéfilo, El Código Da Vinci. De mano de la más agresiva publicidad, venía preparada para luchar contra su peor arma: el e-Mule. Como todos los carteles nos habían preparado para el estreno mundial el 19 de Mayo, allí estaba 5con20. Y no de cualqueir manera: en uno de los cines más grandes del mundo y por supuesto, en una de las pantallas más grandes del mundo. ¿Esperabas menos?
Tener entradas con más de tres semanas de antelación para el estreno mundial en Kinepolis es un alivio. Sobre todo, cuando una hora antes del inicio de la sesión sólo queda Fila 1 en tres de las ocho salas que el exitoso cine ha decidido rotular con el título "El Código Da Vinci".
Varios grupos de jóvenes se arremolinaban cerca de las taquillas buscando una alternativa. "Ahora no sabemos qué hacer. Veníamos a ver la película pero no quedan entradas para todos. A estas horas ya no encontraremos en ningún otro cine, así que tendrá que ser otro día" aseguraba decepcionada una joven.
Y es que el grandioso edificio que consiguió el Certificado Guinness de los Récords en 1998 por ser el cine más grande del mundo con 9200 butacas, 25 salas y que alberga la pantalla más grande del mundo (pueden verla 996 pares de ojos) se había guardado las espaldas con la venta de las entradas. Desde hacía un mes vendía las entradas para el "gran" estreno a través de su página web.
"Podrían poner otra sala, porque aquí nos hemos quedado sin entrada un montón" reclamaba un señor rodeado de su familia. "Ya son demasiadas, ¿no te parece?" intentaba corregirle su esposa, contenta de no haber conseguido tickets. "Me gustó el libro, pero sé que la película no me aportará nada nuevo".
Las taquilleras no dejaban de dar negativas a la misma pregunta: "¿No queda ninguna que se vea bien?". Marta, taquillera del grandioso cine, aseguraba que casi estaba completo el aforo para el día siguiente. Otros tuvieron más suerte: "Yo conseguí las dos últimas entradas juntas en la sala 25 hace una semana, las demás eran en la fila 3", sonreía Luisa mientras mostraba sus entradas.
Otros, sin embargo, no tenían el más mínimo interés por unirse a la gran cola que se estaba formando para entrar a la sala. "Voy a ver Volver" declaraba Miguel, de 25 años. "La del Código me la he bajado del e-Mule y ya la he visto, aunque en inglés". Parece que, aunque cercano a su estreno, el poderío virtual había superado a las precauciones de la productora, que intentaba por todos los medios que no se difundiera nada más allá de lo que ellos habían proporcionado para la promoción.
Las críticas que se habían oído en Cannes nos hacían presagiar que ésta sería la crónica de una decepción anunciada, aunque, por la expectación que había alrededor del evento, parecía que habían calado más hondo el márketing y, por supuesto, el aluvión de críticas de la Iglesia y el Opus. Acerca del libro se había publicado ya mucho ("sus errores de bulto sólo pueden no llamar la atención del lector poco instruido" publicaba el New York Times), pero la película se convertía en un auténtico insulto para los más altos cargos del cristianismo.
Y ya, al fin, el joven apuesto de la corbata empieza a romper las entradas para entrar al oscuro pasillo que lleva hasta la sala 25. Un muñeco de un cadáver en forma de estrella de cinco puntas interrumpe el camino hacia la sala. Acercándose un poco, se puede observar que el márketing hace estragos en ese ambiente misterioso y la sangre del supuesto fallecido es de un hortera naranja fosforescente.
Finalmente, la sala. Lleno absoluto. Expectación contenida por una posible decepción. Uno de los primeros anuncios dice: "El Código Da Vinci, el libro de la película". ¡Qué ironía! ¿No íbamos a ver la película del libro?
Dos horas y media después, el público de la sala 25 volvía a la luz. Un aplauso contenido ponía el punto y final al estreno mundial de la película más esperada.
Si quieres saber más...
Los albinos también se sienten ofendidos por la película
El reparto y los personajes
Todos los tráilers disponibles
Cartas al Director
Crónica de Cristina Meléndez
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Tener entradas con más de tres semanas de antelación para el estreno mundial en Kinepolis es un alivio. Sobre todo, cuando una hora antes del inicio de la sesión sólo queda Fila 1 en tres de las ocho salas que el exitoso cine ha decidido rotular con el título "El Código Da Vinci".Varios grupos de jóvenes se arremolinaban cerca de las taquillas buscando una alternativa. "Ahora no sabemos qué hacer. Veníamos a ver la película pero no quedan entradas para todos. A estas horas ya no encontraremos en ningún otro cine, así que tendrá que ser otro día" aseguraba decepcionada una joven.
Y es que el grandioso edificio que consiguió el Certificado Guinness de los Récords en 1998 por ser el cine más grande del mundo con 9200 butacas, 25 salas y que alberga la pantalla más grande del mundo (pueden verla 996 pares de ojos) se había guardado las espaldas con la venta de las entradas. Desde hacía un mes vendía las entradas para el "gran" estreno a través de su página web.
"Podrían poner otra sala, porque aquí nos hemos quedado sin entrada un montón" reclamaba un señor rodeado de su familia. "Ya son demasiadas, ¿no te parece?" intentaba corregirle su esposa, contenta de no haber conseguido tickets. "Me gustó el libro, pero sé que la película no me aportará nada nuevo".
Las taquilleras no dejaban de dar negativas a la misma pregunta: "¿No queda ninguna que se vea bien?". Marta, taquillera del grandioso cine, aseguraba que casi estaba completo el aforo para el día siguiente. Otros tuvieron más suerte: "Yo conseguí las dos últimas entradas juntas en la sala 25 hace una semana, las demás eran en la fila 3", sonreía Luisa mientras mostraba sus entradas.
Otros, sin embargo, no tenían el más mínimo interés por unirse a la gran cola que se estaba formando para entrar a la sala. "Voy a ver Volver" declaraba Miguel, de 25 años. "La del Código me la he bajado del e-Mule y ya la he visto, aunque en inglés". Parece que, aunque cercano a su estreno, el poderío virtual había superado a las precauciones de la productora, que intentaba por todos los medios que no se difundiera nada más allá de lo que ellos habían proporcionado para la promoción.
Las críticas que se habían oído en Cannes nos hacían presagiar que ésta sería la crónica de una decepción anunciada, aunque, por la expectación que había alrededor del evento, parecía que habían calado más hondo el márketing y, por supuesto, el aluvión de críticas de la Iglesia y el Opus. Acerca del libro se había publicado ya mucho ("sus errores de bulto sólo pueden no llamar la atención del lector poco instruido" publicaba el New York Times), pero la película se convertía en un auténtico insulto para los más altos cargos del cristianismo. Y ya, al fin, el joven apuesto de la corbata empieza a romper las entradas para entrar al oscuro pasillo que lleva hasta la sala 25. Un muñeco de un cadáver en forma de estrella de cinco puntas interrumpe el camino hacia la sala. Acercándose un poco, se puede observar que el márketing hace estragos en ese ambiente misterioso y la sangre del supuesto fallecido es de un hortera naranja fosforescente.
Finalmente, la sala. Lleno absoluto. Expectación contenida por una posible decepción. Uno de los primeros anuncios dice: "El Código Da Vinci, el libro de la película". ¡Qué ironía! ¿No íbamos a ver la película del libro?
Dos horas y media después, el público de la sala 25 volvía a la luz. Un aplauso contenido ponía el punto y final al estreno mundial de la película más esperada.
Si quieres saber más...
Los albinos también se sienten ofendidos por la película
El reparto y los personajes
Todos los tráilers disponibles
Cartas al Director
Crónica de Cristina Meléndez
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Un recorrido por el cine de Almodóvar
Acaba de recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Se convierte, así, en el tercer cineasta español que recibe el galardón, tras Fernando Fernán Gómez y Luis García Berlanga. Adéntrate con nosotros en un viaje a lo largo de su carrera: el resultado de más de 25 años de experiencia tras las cámaras.
Un cineasta único
Con unos personajes bien definidos, que vagan casi siempre por los mismos universos temáticos (las drogas, la prostitución, la fuerza de la mujer frente al mundo, la libertad sexual), su trayectoria ha sido la de un director controvertido que finalmente ha conseguido el reconocimiento de crítica y público.
Ya muy joven se sentía distinto y, en busca de algo que le permitiera demostrar el talento que llevaba dentro, viajó desde Calzada de Calatrava, el pueblo que le vio nacer, hasta la ciudad que le lanzaría hacia lo más alto: Madrid.
Pasó 12 años trabajando en Telefónica, hasta que empezó a cantar en un grupo de punk-lam-rock con el que disfrutó de algunos conciertos en la Movida Madrileña: no te lo pierdas cantando con Mackmara Monja Jamón en 1983 (vídeo).
Biografía
Sus bandas sonoras
Página oficial
Las mejores citas del cineasta
Filmografía
1. Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)
Permaneció durante cuatro años en las sesiones nocturnas de los cines Alphaville
Sinopsis en Todo cine: Un trío imposible entre una ama de casa abnegada, su vecina "moderna" y una rockera diabólica, se conforma al ritmo descompasado de La Movida.
Intérpretes: Carmen Maura, Alaska
Un punto de vista gay
Cómprala
Ve una escena
2. Laberinto de pasiones (1982)
En vista del éxito que tuvo la anterior en sus cines, fue producida por los Alphaville. Tenía un guión más elaborado que el primero, aunque no por eso más verosímil. Es importante su valor como documento de caracter social de representación de la Movida Madrileña, mezclada con homosexualidad, terrorismo y, cómo no, amor.
Intérpretes: Imanol Arias, Cecilia Roth
Críticas en Filmaffinity
Crítica en Miradas de cine
Mira una versión del final para un anuncio de Filipinos
3. Entre tinieblas (1983)
Aborda por primera vez el tema de la religión
Sinopsis en Yahoo: Yolanda Bell, una cantante de boleros, adicta a las drogas, ve morir a su novio Jorge delante de sus ojos por una sobredosis de heroína. Asustada, se refugia en un convento de monjas.
Intérpretes: Carmen Maura, Lina Canalejas, Mary Carrillo, Chus Lampreave, Cristina Sánchez Pascual
Ficha en IMDB
4. ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984)
Tuvo una gran acogida internacionalmente. The New York Times publicó sobre ella que era una comedia negra "absolutamente maravillosa. Simplemente una pequeña obra maestra".
Sinopsis: Gloria, un ama de casa infiel, asistenta y adicta a las anfetaminas, mata a su marido en un arrebato de furia por la vida que viven ella y su familia.
Ficha en Filmaffinity
Críticas y premios
Un blog cinéfilo con este nombre
5. Matador (1986)
La muerte, el sexo y la culpa contenidos en ella fueron muy bien recibidos en el extranjero, pero generó gran controversia en España
Sinopsis en su Página Oficial: Diego Montes es un torero retirado reciclado en asesino post- coitum. La nostalgia de los ruedos le volvió loco y comenzó a asesinar a sus amantes justo después del clímax, por ser el único placer que calmaba su ansiedad.
Intérpretes: Assumpta Serna , Antonio Banderas, Nacho Martínez, Eva Cobo, Julieta Serrano, Chus Lampreave
Compra el póster
6. La ley del deseo (1987)
Fue la primera película que financió gracias a la productora creada junto a su hermano Agustín: El Deseo. Era su apuesta más arriesgada, por introducir una historia de homosexualidad en el seno de una sociedad cambiante y algo corta de miras. Es un claro antecedente de la posterior y fallida La mala educación
Ficha en Alohacriticón
Intérpretes: Carmen Maura, Antonio Banderas
Crítica en Miradas de cine
Compra el póster
7. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)
Con ella logró llevar su cine a los cinco continentes y recibió hasta 50 premios nacionales e internacionales. Además, consiguió una candidatura al Oscar de Hollywood.
Sinopsis y premios en culturalianet: Pepa e Iván, una pareja que se dedica al doblaje de películas, rompe su relación justo cuando ella se queda embarazada, aunque él no lo sabe.
¿Cómo se percibió fuera? (English)
Ve una escena
8. Átame (1989)
Tras el éxito de la anterior quiso seguir con la línea de personajes fuera de lo normal. El resultado en los Goya: 15 nominaciones y ningún premio. Tuvo éxito en las taquillas españolas. Sin embargo, recibió en Estados Unidos la calificación X, lo que frenó su triunfo fuera de nuestras fronteras.
Sinopsis en Filmaffinity
Intérpretes: Victoria Abril, Antonio Banderas
Crítica en Miradas de cine
¿Quieres volver a ver el final?
9. Tacones lejanos (1991)
Sinopsis en su página oficial: El marido de Rebeca fue primero el gran amor de su madre, la diva "Becky del Páramo". Ambas se reencuentran justo cuando el marido de Rebeca muere asesinado. El juez del caso es también una drag-queen de noche, una fan imitadora de Becky.
Intérpretes: Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé
Crítica en Miradas de cine
Cómprala
Vuelve a ver la escena del número de Miguel Bosé
10. Kika (1993)
Para El País, Almodóvar vuelve a la comedia y compone un interesante collage de personajes y situaciones y es una de sus películas más originales.
Sinopsis en su Página Oficial: Paul Bazo, ex-actor porno que acaba de fugarse de la cárcel, se esconde en casa de su hermana, amiga de Kika, que duerme plácidamente en una de las habitaciones. Él la ve y, sin poder evitarlo, la viola.
Crítica en Miradas de Cine
Reparto y equipo
11. La flor de mi secreto (1995)
Sinopsis en Filmaffinity: Leo Macías es una escritora de novela rosa que se oculta tras el seudónimo de Amanda Gris. Obligada por contrato a entregar tres novelas al año, Leo lleva meses incumpliéndolo; en vez de novela rosa le sale negra. Y todo porque Paco, su marido, no está. "Es una película sobrevalorada"
Nominaciones y premios
Intérpretes: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Rossy de Palma, Chus Lampreave
12. Carne trémula (1997)
Sinopsis en su página oficial: Una joven y tres hombres armados coinciden en una casa. Elena espera a su camello, dos son policías -David y Sancho-, y Víctor es un adolescente obsesionado con Elena. Estalla una cruenta discusión. Dos años más tarde se reencontrarán. Y nada será igual.
Críticas y premios
Comentario del director
Crítica en Miradas de Cine
Más halagos para el director
13.Todo sobre mi madre (1999)
Con esta excelente mezcla de sexo, drogas y folklore, por fin consiguió el Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa. La mejor de su carrera, hasta que llegó 2006. Un 10 a la dirección de actores y, sobre todo, al descubrimiento de Antonia San Juan.
Intérpretes: Penélope Cruz, Cecilia Roth, Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan, Penélope Cruz, Rosa María Sardà.
Cómprala
Ve una escena
Comedia de El Informal de su recogida de premios
14. Hable con ella (2001)
Intérpretes: Javier Cámara, Leonor Watling, Darío Grandinetti, Rosario Flores.
Exposición de fotografía del rodaje
Crítica por Mateo Sancho Cardiel
Autoentrevista del director acerca de la peli
Ve una escena
Cómprala
Así fue el rodaje
15. La mala educación (2004)
Para muchos, la gran decepción. Debe ser que, en España, nos gusta más la homosexualidad del estilo de Todo sobre mi madre.
Sinopsis en Filmaffinity: un travestido aspirante a actor se encuentra a un compañero del colegio, ahora director de cine, que no ve desde hace 15 años. Juntos recordarán los oscuros años vividos en una escuela católica.
Crítica de Julio Rodríguez Chico
Rodaje y teaser
Ve el tráiler
Ve una escena
16. Volver (2006)
Recupera su relación con Carmen Maura y consigue unir su fuerza con la madurez interpretativa de Penélope Cruz y la garra de Blanca Portillo. Al igual que con La Mala Educación, ha inaugurado el Festival de Cannes.
Artículo en 5con20
Volver concursa en Cannes
Diario del rodaje
Sinopsis y tráiler
Almodóvar comenta la actuación de Penélope Cruz
Crítica de Miguel Laviña Guallart
Si todavía te quedan fuerzas...
Carmen Maura en el cine de Almodóvar
Marisa Paredes en sus películas
Dossier documental de Cristina Meléndez
[-] Volver a la página principal
Un cineasta único
Con unos personajes bien definidos, que vagan casi siempre por los mismos universos temáticos (las drogas, la prostitución, la fuerza de la mujer frente al mundo, la libertad sexual), su trayectoria ha sido la de un director controvertido que finalmente ha conseguido el reconocimiento de crítica y público.
Ya muy joven se sentía distinto y, en busca de algo que le permitiera demostrar el talento que llevaba dentro, viajó desde Calzada de Calatrava, el pueblo que le vio nacer, hasta la ciudad que le lanzaría hacia lo más alto: Madrid. Pasó 12 años trabajando en Telefónica, hasta que empezó a cantar en un grupo de punk-lam-rock con el que disfrutó de algunos conciertos en la Movida Madrileña: no te lo pierdas cantando con Mackmara Monja Jamón en 1983 (vídeo).
Biografía
Sus bandas sonoras
Página oficial
Las mejores citas del cineasta
Filmografía
"'Siempre que me han premiado
lo han hecho por ser
salvajemente yo mismo"
lo han hecho por ser
salvajemente yo mismo"
1. Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)Permaneció durante cuatro años en las sesiones nocturnas de los cines Alphaville
Sinopsis en Todo cine: Un trío imposible entre una ama de casa abnegada, su vecina "moderna" y una rockera diabólica, se conforma al ritmo descompasado de La Movida.
Intérpretes: Carmen Maura, Alaska
Un punto de vista gay
Cómprala
Ve una escena
2. Laberinto de pasiones (1982)En vista del éxito que tuvo la anterior en sus cines, fue producida por los Alphaville. Tenía un guión más elaborado que el primero, aunque no por eso más verosímil. Es importante su valor como documento de caracter social de representación de la Movida Madrileña, mezclada con homosexualidad, terrorismo y, cómo no, amor.
Intérpretes: Imanol Arias, Cecilia Roth
Críticas en Filmaffinity
Crítica en Miradas de cine
Mira una versión del final para un anuncio de Filipinos
3. Entre tinieblas (1983)Aborda por primera vez el tema de la religión
Sinopsis en Yahoo: Yolanda Bell, una cantante de boleros, adicta a las drogas, ve morir a su novio Jorge delante de sus ojos por una sobredosis de heroína. Asustada, se refugia en un convento de monjas.
Intérpretes: Carmen Maura, Lina Canalejas, Mary Carrillo, Chus Lampreave, Cristina Sánchez Pascual
Ficha en IMDB
4. ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984)Tuvo una gran acogida internacionalmente. The New York Times publicó sobre ella que era una comedia negra "absolutamente maravillosa. Simplemente una pequeña obra maestra".
Sinopsis: Gloria, un ama de casa infiel, asistenta y adicta a las anfetaminas, mata a su marido en un arrebato de furia por la vida que viven ella y su familia.
Ficha en Filmaffinity
Críticas y premios
Un blog cinéfilo con este nombre
5. Matador (1986)La muerte, el sexo y la culpa contenidos en ella fueron muy bien recibidos en el extranjero, pero generó gran controversia en España
Sinopsis en su Página Oficial: Diego Montes es un torero retirado reciclado en asesino post- coitum. La nostalgia de los ruedos le volvió loco y comenzó a asesinar a sus amantes justo después del clímax, por ser el único placer que calmaba su ansiedad.
Intérpretes: Assumpta Serna , Antonio Banderas, Nacho Martínez, Eva Cobo, Julieta Serrano, Chus Lampreave
Compra el póster
6. La ley del deseo (1987)Fue la primera película que financió gracias a la productora creada junto a su hermano Agustín: El Deseo. Era su apuesta más arriesgada, por introducir una historia de homosexualidad en el seno de una sociedad cambiante y algo corta de miras. Es un claro antecedente de la posterior y fallida La mala educación
Ficha en Alohacriticón
Intérpretes: Carmen Maura, Antonio Banderas
Crítica en Miradas de cine
Compra el póster
7. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)Con ella logró llevar su cine a los cinco continentes y recibió hasta 50 premios nacionales e internacionales. Además, consiguió una candidatura al Oscar de Hollywood.
Sinopsis y premios en culturalianet: Pepa e Iván, una pareja que se dedica al doblaje de películas, rompe su relación justo cuando ella se queda embarazada, aunque él no lo sabe.
¿Cómo se percibió fuera? (English)
Ve una escena
8. Átame (1989)Tras el éxito de la anterior quiso seguir con la línea de personajes fuera de lo normal. El resultado en los Goya: 15 nominaciones y ningún premio. Tuvo éxito en las taquillas españolas. Sin embargo, recibió en Estados Unidos la calificación X, lo que frenó su triunfo fuera de nuestras fronteras.
Sinopsis en Filmaffinity
Intérpretes: Victoria Abril, Antonio Banderas
Crítica en Miradas de cine
¿Quieres volver a ver el final?
9. Tacones lejanos (1991) Sinopsis en su página oficial: El marido de Rebeca fue primero el gran amor de su madre, la diva "Becky del Páramo". Ambas se reencuentran justo cuando el marido de Rebeca muere asesinado. El juez del caso es también una drag-queen de noche, una fan imitadora de Becky.
Intérpretes: Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé
Crítica en Miradas de cine
Cómprala
Vuelve a ver la escena del número de Miguel Bosé
10. Kika (1993)Para El País, Almodóvar vuelve a la comedia y compone un interesante collage de personajes y situaciones y es una de sus películas más originales.
Sinopsis en su Página Oficial: Paul Bazo, ex-actor porno que acaba de fugarse de la cárcel, se esconde en casa de su hermana, amiga de Kika, que duerme plácidamente en una de las habitaciones. Él la ve y, sin poder evitarlo, la viola.
Crítica en Miradas de Cine
Reparto y equipo
11. La flor de mi secreto (1995)Sinopsis en Filmaffinity: Leo Macías es una escritora de novela rosa que se oculta tras el seudónimo de Amanda Gris. Obligada por contrato a entregar tres novelas al año, Leo lleva meses incumpliéndolo; en vez de novela rosa le sale negra. Y todo porque Paco, su marido, no está. "Es una película sobrevalorada"
Nominaciones y premios
Intérpretes: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Rossy de Palma, Chus Lampreave
12. Carne trémula (1997)Sinopsis en su página oficial: Una joven y tres hombres armados coinciden en una casa. Elena espera a su camello, dos son policías -David y Sancho-, y Víctor es un adolescente obsesionado con Elena. Estalla una cruenta discusión. Dos años más tarde se reencontrarán. Y nada será igual.
Críticas y premios
Comentario del director
Crítica en Miradas de Cine
Más halagos para el director
13.Todo sobre mi madre (1999)Con esta excelente mezcla de sexo, drogas y folklore, por fin consiguió el Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa. La mejor de su carrera, hasta que llegó 2006. Un 10 a la dirección de actores y, sobre todo, al descubrimiento de Antonia San Juan.
Intérpretes: Penélope Cruz, Cecilia Roth, Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan, Penélope Cruz, Rosa María Sardà.
Cómprala
Ve una escena
Comedia de El Informal de su recogida de premios
14. Hable con ella (2001)Intérpretes: Javier Cámara, Leonor Watling, Darío Grandinetti, Rosario Flores.
Exposición de fotografía del rodaje
Crítica por Mateo Sancho Cardiel
Autoentrevista del director acerca de la peli
Ve una escena
Cómprala
Así fue el rodaje
15. La mala educación (2004)Para muchos, la gran decepción. Debe ser que, en España, nos gusta más la homosexualidad del estilo de Todo sobre mi madre.
Sinopsis en Filmaffinity: un travestido aspirante a actor se encuentra a un compañero del colegio, ahora director de cine, que no ve desde hace 15 años. Juntos recordarán los oscuros años vividos en una escuela católica.
Crítica de Julio Rodríguez Chico
Rodaje y teaser
Ve el tráiler
Ve una escena
16. Volver (2006)Recupera su relación con Carmen Maura y consigue unir su fuerza con la madurez interpretativa de Penélope Cruz y la garra de Blanca Portillo. Al igual que con La Mala Educación, ha inaugurado el Festival de Cannes.
Artículo en 5con20
Volver concursa en Cannes
Diario del rodaje
Sinopsis y tráiler
Almodóvar comenta la actuación de Penélope Cruz
Crítica de Miguel Laviña Guallart
Si todavía te quedan fuerzas...
Carmen Maura en el cine de Almodóvar
Marisa Paredes en sus películas
Dossier documental de Cristina Meléndez
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El nuevo cine erótico
Las películas con personajes complejos, trama sesuda y puesta en escena comedida para no eclipsar la narración han quedado atrás. El cine posmoderno atrapa con sus juegos, seduce con los colores y conquista con imágenes. La nueva estética del cine busca el placer sensorial.
El cine clásico de Hollywood apostaba por las historias. A pesar de los grandes decorados, las estrellas del reparto o los excelentes directores de fotografía, estas películas disponían todo al servicio de una buena trama. Las historias que se contaban estaban sujetas a las rigideces del planteamiento-nudo-desenlace, a las relaciones causa-efecto y a la búsqueda de la verosimilitud. El espectador, disfrutando de su condición de voyeur, entraba en la película de la mano de los actores: se identificaba con ellos y así consegía vivir la historia que se narraba.
Clásicos inolvidables
Casablanca
Lo que el Viento se llevó
La Diligencia
Otros
Directores de cine clásico
Artículo: Hacia una identificación crítica cinematográfica
El nuevo cine posmoderno rompe con los parámetros clásicos y en su lugar aparecen formas de narrar y juegos formales novedosos que hacen disfrutar al espectador de una forma diferente. Éste ya no necesita a los personajes para vivir la historia, puesto que los mecanismos formales del filme consiguen que el cinéfilo posmoderno sienta en su propio cuerpo las sensaciones físicas que la película busca provocarle. Los colores dentro de la imagen, el montaje acelerado, las citas intertextuales o los nuevos mecanismos de recepción del sonido se convierten en un juego que estimula los sentidos del espectador y que le proporciona placer al margen de la trama de la historia.
Comparación entre cine clásico, moderno y posmoderno (muy bueno)
Breve recorrido por la historia del cine
Sangre estética
Los colores dentro del plano pueden utilizarse como un recurso visual que, aunque no transmita ningún mensaje,
genere placer estético. La escena de la lucha en la que Uma Thurman se enfrenta a un numeroso grupo de samuráis japoneses en Kill Bill Vol. 1 es un ejemplo paradigmático. La secuencia fue concebida como un juego visual con el color rojo y durante la lucha la sangre de los combatientes se presenta en pantalla de forma exagerada. A pesar de que la intención de Tarantino era provocar placer estético, en Europa su idea no fue bien entendida. Muchos consideraron que la escena resultaba excesivamente violenta y consiguieron que ésta fuese exhibida en blanco y negro.
Artículo: Kill Bill. Paradigma posmoderno
Kill Bill: el placer del puro cine (5con20)
El montaje acelerado es otra de las características del cine posmoderno. Mientras que en las películas clásicas se realizaba un montaje lógico, en el nuevo cine se prefiere el rítmico. El montaje es muy rápido y fragmentado. Cada pocos segundos aparece un plano nuevo que contrasta con el anterior y el espectador asiste con ello a un continuo vaivén de estímulos visuales. Esta técnica es muy similar a la que se emplea en los videoclips. El montador sacrifica la sencillez visual que permite hacer avanzar la historia de forma rápida y directa a cambio de rodeos en los que se suceden imágenes innecesarias (e incluso inconexas) pero con alto contenido estético.
Esto me suena
Retar al espectador es otra forma de provocarle placer. La intertextualidad del cine posmoderno se concibe como un juego en el que se alude a películas dentro de las propias películas. El espectador, que debe contar con una mínima cultura cinematográfica, disfruta descubriendo las citas ocultas. Tarantino es uno de los directores actuales que más utilizan éste recurso.
Las 1001 citas de Kill Bill
Reflexión sobre la intertextualidad
Los avances tecnológicos están ayudando al cine a conseguir sus nuevos propósitos. La última innovación en los sistemas de altavoces es el Home Cinema 5.1, equipo dotado de 5 altavoces tradicionales más un subwoofer, pequeño dispositivo que amplifica los sonidos graves. De esta forma, el espectador no sólo escucha las explosiones, los golpes o los tiros, sino que los pecibe de forma física. La sensación es similar a la que se siente en una discoteca, donde la música retumba en el pecho. De esta forma, se completa el proceso de "hacer sentir la película".
Todas estas cuestiones hacen que el nuevo cine posmoderno se asemeje al de los primeros tiempos, cuando el encanto de las producciones residía en su capacidad para provocar sorpresa y admiración. Los juegos, la magia y las situaciones increíbles seducían más que las historias intrincadas y los personajes profundos.
L´homme a la tete en caoutchouc, de Méliès. Uno de los primeros filmes en los que el cine se consideraba como una atracción.
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Dossier documental por Ana Torres
El cine clásico de Hollywood apostaba por las historias. A pesar de los grandes decorados, las estrellas del reparto o los excelentes directores de fotografía, estas películas disponían todo al servicio de una buena trama. Las historias que se contaban estaban sujetas a las rigideces del planteamiento-nudo-desenlace, a las relaciones causa-efecto y a la búsqueda de la verosimilitud. El espectador, disfrutando de su condición de voyeur, entraba en la película de la mano de los actores: se identificaba con ellos y así consegía vivir la historia que se narraba.
Clásicos inolvidablesCasablanca
Lo que el Viento se llevó
La Diligencia
Otros
Directores de cine clásico
Artículo: Hacia una identificación crítica cinematográfica
El nuevo cine posmoderno rompe con los parámetros clásicos y en su lugar aparecen formas de narrar y juegos formales novedosos que hacen disfrutar al espectador de una forma diferente. Éste ya no necesita a los personajes para vivir la historia, puesto que los mecanismos formales del filme consiguen que el cinéfilo posmoderno sienta en su propio cuerpo las sensaciones físicas que la película busca provocarle. Los colores dentro de la imagen, el montaje acelerado, las citas intertextuales o los nuevos mecanismos de recepción del sonido se convierten en un juego que estimula los sentidos del espectador y que le proporciona placer al margen de la trama de la historia.
Comparación entre cine clásico, moderno y posmoderno (muy bueno)
Breve recorrido por la historia del cine
Sangre estética
Los colores dentro del plano pueden utilizarse como un recurso visual que, aunque no transmita ningún mensaje,
genere placer estético. La escena de la lucha en la que Uma Thurman se enfrenta a un numeroso grupo de samuráis japoneses en Kill Bill Vol. 1 es un ejemplo paradigmático. La secuencia fue concebida como un juego visual con el color rojo y durante la lucha la sangre de los combatientes se presenta en pantalla de forma exagerada. A pesar de que la intención de Tarantino era provocar placer estético, en Europa su idea no fue bien entendida. Muchos consideraron que la escena resultaba excesivamente violenta y consiguieron que ésta fuese exhibida en blanco y negro. Artículo: Kill Bill. Paradigma posmoderno
Kill Bill: el placer del puro cine (5con20)
El montaje acelerado es otra de las características del cine posmoderno. Mientras que en las películas clásicas se realizaba un montaje lógico, en el nuevo cine se prefiere el rítmico. El montaje es muy rápido y fragmentado. Cada pocos segundos aparece un plano nuevo que contrasta con el anterior y el espectador asiste con ello a un continuo vaivén de estímulos visuales. Esta técnica es muy similar a la que se emplea en los videoclips. El montador sacrifica la sencillez visual que permite hacer avanzar la historia de forma rápida y directa a cambio de rodeos en los que se suceden imágenes innecesarias (e incluso inconexas) pero con alto contenido estético.
Esto me suena
Retar al espectador es otra forma de provocarle placer. La intertextualidad del cine posmoderno se concibe como un juego en el que se alude a películas dentro de las propias películas. El espectador, que debe contar con una mínima cultura cinematográfica, disfruta descubriendo las citas ocultas. Tarantino es uno de los directores actuales que más utilizan éste recurso.
Las 1001 citas de Kill Bill
Reflexión sobre la intertextualidad
Los avances tecnológicos están ayudando al cine a conseguir sus nuevos propósitos. La última innovación en los sistemas de altavoces es el Home Cinema 5.1, equipo dotado de 5 altavoces tradicionales más un subwoofer, pequeño dispositivo que amplifica los sonidos graves. De esta forma, el espectador no sólo escucha las explosiones, los golpes o los tiros, sino que los pecibe de forma física. La sensación es similar a la que se siente en una discoteca, donde la música retumba en el pecho. De esta forma, se completa el proceso de "hacer sentir la película". Todas estas cuestiones hacen que el nuevo cine posmoderno se asemeje al de los primeros tiempos, cuando el encanto de las producciones residía en su capacidad para provocar sorpresa y admiración. Los juegos, la magia y las situaciones increíbles seducían más que las historias intrincadas y los personajes profundos.
L´homme a la tete en caoutchouc, de Méliès. Uno de los primeros filmes en los que el cine se consideraba como una atracción.
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Dossier documental por Ana Torres
Da Vinci y Almodóvar se encontrarán en Cannes
El próximo 17 de mayo comenzará la 59ª edición del Festival de Cannes con el estreno mundial de la película de El código da Vinci. La ceremonia de entrega de la Palma de Oro, a la que opta Almodóvar con Volver, tendrá lugar el día 28. Durante diez días, esta pequeña ciudad de la Riviera Francesa vivirá el mejor cine internacional.
El jurado de esta edición estará presidido por Wong Kar Wai y cuenta con invitados de todo el mundo, como Monica Bellucci, Helena Bonham Carter, Samuel L. Jackson o Elia Suleiman. El maestro de ceremonias de la gala será el actor Vincent Cassel.
En palabras del Presidente del Festival, Gilles Jacob, la selección de las películas del 2006 demuestra que éste es un año de renovación. Por un lado, hay un grupo de cineastas reconocidos mundialmente, como, por ejemplo, Ken Loach, pero se observa que este año participa una nueva generación de jóvenes directores, encabezada por Sofia Coppola.
En total, 19 películas competirán este año en la Sección Oficial por la Palma de Oro. España estará representada por Volver, de Pedro Almodóvar, que de momento está siendo alabada por la crítica internacional.
Una de las películas más esperadas es Marie Antoniette, de Sofia Coppola y protagonizada por Kirsten Dunst. Esta directora compite por primera vez en Cannes, 27 años después de que su padre ganara este certamen con Apocalypse Now.
Se rumorea que una de las favoritas es Il caimano, de Nanni Moretti, en la que tras la historia de una directora de cine se esconde una crítica a Berlusconi. Moretti ya ganó la edición de 2001 con La habitación del hijo.
Otras películas que también están sonando mucho son El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, o el décimo intento de ganar el Festival de Ken Loach, con el film The wind that shakes the barley.
No hay que perder de vista la sección "Un certain regard", que reúne a todas las películas fuera de concurso. En ella, se presentan películas independientes de todo el mundo y de jóvenes cineastas. En esta edición, Paris, je t´aime será la encargada de inaugurar esta categoría. Es un film colectivo compuesto por cortos de veinte directores (entre ellos, Isabel Coixet y Julio Medem), cada uno sobre una historia de amor en un barrio de París.
La fiebre da Vinci
El día 19 de mayo se estrenará en España la versión cinematográfica del best-seller El código da Vinci, pero el día 17 esta película será la encargada de inaugurar el Festival de Cannes. No participa en el concurso, pero puede afirmarse que tiene el éxito asegurado antes del estreno. El libro de Dan Brown se convirtió en un fenómeno mundial: fue traducido a 44 idiomas.
El film, cuyos derechos costaron a Columbia más de 6 millones de dólares, es de Ron Howard (ganador de un Oscar al mejor director por Una mente maravillosa). En él, Tom Hanks da vida a Robert Langdon, un investigador que, junto a la francesa Audrey Tatou tratará de descubrir la verdadera historia del Santo Grial.
Parte de la película fue rodada en el interior del Museo del Louvre, pero ciertas localizaciones no se corresponden con las de la historia original, ya que la abadía de Westminster se negó a servir de escenario a una historia "inapropiada". Tanto el libro como la película han suscitado una gran polémica al cuestionar a la Iglesia católica y al Opus.
Pulsa aquí para ver los trailers
Para más información
Página oficial del Festival
Películas ganadoras en pasadas ediciones
Historia del Festival
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Reportaje de actualidad por Elena Santos
El jurado de esta edición estará presidido por Wong Kar Wai y cuenta con invitados de todo el mundo, como Monica Bellucci, Helena Bonham Carter, Samuel L. Jackson o Elia Suleiman. El maestro de ceremonias de la gala será el actor Vincent Cassel.En palabras del Presidente del Festival, Gilles Jacob, la selección de las películas del 2006 demuestra que éste es un año de renovación. Por un lado, hay un grupo de cineastas reconocidos mundialmente, como, por ejemplo, Ken Loach, pero se observa que este año participa una nueva generación de jóvenes directores, encabezada por Sofia Coppola.
En total, 19 películas competirán este año en la Sección Oficial por la Palma de Oro. España estará representada por Volver, de Pedro Almodóvar, que de momento está siendo alabada por la crítica internacional.
La selección de las películas del 2006
demuestra que éste es un año de renovación
demuestra que éste es un año de renovación
Una de las películas más esperadas es Marie Antoniette, de Sofia Coppola y protagonizada por Kirsten Dunst. Esta directora compite por primera vez en Cannes, 27 años después de que su padre ganara este certamen con Apocalypse Now.
Se rumorea que una de las favoritas es Il caimano, de Nanni Moretti, en la que tras la historia de una directora de cine se esconde una crítica a Berlusconi. Moretti ya ganó la edición de 2001 con La habitación del hijo.
Otras películas que también están sonando mucho son El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro, o el décimo intento de ganar el Festival de Ken Loach, con el film The wind that shakes the barley.
No hay que perder de vista la sección "Un certain regard", que reúne a todas las películas fuera de concurso. En ella, se presentan películas independientes de todo el mundo y de jóvenes cineastas. En esta edición, Paris, je t´aime será la encargada de inaugurar esta categoría. Es un film colectivo compuesto por cortos de veinte directores (entre ellos, Isabel Coixet y Julio Medem), cada uno sobre una historia de amor en un barrio de París.
La fiebre da Vinci
El día 19 de mayo se estrenará en España la versión cinematográfica del best-seller El código da Vinci, pero el día 17 esta película será la encargada de inaugurar el Festival de Cannes. No participa en el concurso, pero puede afirmarse que tiene el éxito asegurado antes del estreno. El libro de Dan Brown se convirtió en un fenómeno mundial: fue traducido a 44 idiomas.
El film, cuyos derechos costaron a Columbia más de 6 millones de dólares, es de Ron Howard (ganador de un Oscar al mejor director por Una mente maravillosa). En él, Tom Hanks da vida a Robert Langdon, un investigador que, junto a la francesa Audrey Tatou tratará de descubrir la verdadera historia del Santo Grial.Parte de la película fue rodada en el interior del Museo del Louvre, pero ciertas localizaciones no se corresponden con las de la historia original, ya que la abadía de Westminster se negó a servir de escenario a una historia "inapropiada". Tanto el libro como la película han suscitado una gran polémica al cuestionar a la Iglesia católica y al Opus.
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Para más información
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Películas ganadoras en pasadas ediciones
Historia del Festival
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Reportaje de actualidad por Elena Santos
Suspense, Intriga y... Acción!!
Marion decide, tras la cena con Norman, darse una ducha antes de dormir. Se desnuda, se mete en la ducha y abre el grifo. De repente, una mano empuñando un puñal entra en escena y la asesina. Adiós a la protagonista, bienvenidos a la mejor escena rodada por el gran maestro del suspense cinematográfico: Alfred Hitchcock.
Todo espectador, sea cinéfilo o no, ha oído hablar, al menos una vez en su vida, de Alfred Hitchcock. Y es que, tanto para los teóricos como para los propios cineastas, Hitchcock es el gran maestro del suspense, uno de los autores que mejor ha entendido el thriller a lo largo de la Historia del Cine. Nadie como él ha sabido entender los miedos y las angustias de los espectadores. Nadie como él ha sido capaz de mantener la tensión del público durante la hora y media de duración de la película. Nadie como él ha entendido el miedo del ser humano y ha sabido traducirlo en imágenes.
Si eres un gran experto en la obra de este director, este artículo te ayudará a refrescar tus conociemientos e incluso a aprender algo más sobre el tema. Si, por el contrario, todavía no has tenido la oportunidad de sumergirte en el fabuloso mundo "hitchcockiano", ésta es tu oportunidad.
1. Biografía
Alfred Hitchcock nació en Londres en 1899, en el seno de una familia católica (algo poco común Inglaterra) amante del teatro. Siempre fue un niño solitario, bueno e introvertido, tal y como seguiría siendo toda su vida. Creció en un ambiente de alta religiosidad, ya que estudió en un internado jesuita, el Saint Ignatius College. Allí desarrolló gran parte de sus miedos, tal y como él reconocía: "Probablemente durante mi estancia con los jesuitas el miedo se fortaleció en mí. Miedo moral a ser asociado a todo lo que está mal. Siempre he permanecido apartado de ello". De hecho, en sus películas simpre triunfan los buenos, los que representan el ideal moral (aunque en algunos momentos puedan pecar levemente), y no hay ninguna escena explícita de sexo o desnudos.
Al dejar la escuela entró en laSchool of Engineering and Navigation , pues su primera vocación fue la de ingeniero. Pronto se dio cuenta de que no quería dedicarse a ello, pero ganó algunos conocimientos que luego le resultaron muy útiles en el cine sobre movimiento y electricidad. Más tarde, a los dieciniueve años, empezó a trabajar en la Compañía Telegráfica Henley a la vez que hacía cursos de Bellas Artes en la Universidad de Londres. Ya en esa época sentía fascinación por el cine y le gustaba especialmente la pelicula de Griffith "Nacimiento de una nación"
Cambió ese trabajo por el de diseñador de intertítulos de la productora americana "Famous Players-Lasky". Desde alli, fue ascendiendo hasta convertirse en director artístico. En esos años, descubrió los entresijos de la industria cinematográfica.
Pocos años después le ofrecieron la oportunidad de rodar su primera película, "El jardín de la alegría". A partir de entonces, rodó muchas películas en Inglaterra. Cuando los estudios comenzaron a tomarlo en serio, lo reclamaron desde Estados Unidos, donde rodó sus mejores películas. Su obra estuvo plagada de grandes éxitos, pero también conoció el fracaso.
El gran artista del suspense murió el 29 de abril de 1980, pero su obra se mantiene tan viva como cuando se rodó.
●Para saberlo todo sobre la vida de este gran artista
●Lo que dice de él la Wikipedia
●Hitchcock poco antes de morir, según Truffaut
2. El suspense y Hitchcock
El director inglés conocía a la perfección a los espectadores, sabía cómo hacerles sentir miedo, compasión, alegría o cualquier otra emoción. Él, que era un gran miedoso, tenía una cierta predilección por el suspense, por la tensión, porque crea una doble sensación en el público que le resultaba muy interesante: por un lado, el espectador siente una gran angustia mientras ve la película; por el otro, disfruta, obtiene un gran placer viéndola. Estas dos emociones, opuestas, son un reflejo de la complejidad del ser humano y fascinaban al director.
En sus películas utilizaba el suspense, pero también otros lenguajes cinematográficos como la intriga (sorpresa). A veces sólo recurría a uno de ellos, pero en otras ocasiones, los intercalaba. Un ejemplo claro es "Psicosis", probablemente la película más aclamada del director. En este filme, el director se decanta por el suspense hasta la muerte de Marion, cuando cambia por completo la película y recurre a la intriga. Este cambio no tienen nada de gratuito, sino todo lo contrario: al principio de la pélícula, el espectador se va identificando con Marion porque entiende su situación, les son cercanas sus motivaciones. Hay empatía con ella.
Sin embargo, a raíz de la muerte de la protagonista, el personaje principal pasa a ser Norman Bates, y el espectador, aunque en algunos momentos pueda sentir cierta empatía con el, no llega a identificarse porque la mente del personaje no es la de una persona normal. Así, las motivaciones de Bates no se pueden comprender ni anticipar.
El director explicaba así la diferencia entre suspense e intriga:
"Nosotros estamos hablando, acaso hay una bomba debajo de esta mesa y nuestra conversación es muy anodina, no sucede nada especial y de repente: bum, explosión. El público queda sorprendido. Examinemos ahora el suspense. La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe, probablemnte porque ha visto que el anarquista la ponía. La misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque el público participa en la escena"
En el primer caso, en el de la intriga, se le ofrecen al espectador quince o veinte segundos de sorpresa, mientras que el segundo, en el del suspense, se le ofrecen quince o veinte minutos de suspense. Ésa es la clave: el suspense atrapa durante más tiempo al espectador, que mantiene su atención fijada en la pantalla durante toda la secuencia. La relación del espectador con la película es mucho más intensa.
→El suspense, en inglés
→Las citas de Hitchcock, también en inglés
→Más suspense, esta vez en español
3. Actores
Los filmes de Hitchcock siempre se caracterizaron por estar protagonizados por estrellas del celuloide: Grace Kelly, Kim Novac, James Stewart, Laurence Olivier,... Y es que el director no concebía sus películas sin sus estrellas, en especial sin "sus rubias". Consideraba que el cabello rubio era el ideal femenino, y por ello siempre optaba por actrices con este tono de pelo para encarnar a sus heroínas.
Muchos teóricos y femenistas han tachado al cineasta de misógino porque consideran que trataba a las mujeres como meros objetos y que nunca daba profundidad a los personajes femeninos. Sin embargo, esto no es del todo cierto, ya que los papeles que Hitchcock daba a las actrices siempre eran los más atractivos, las heroínas, que podían resultar insulsas por las convenciones propias de la época más que por la misoginia del autor. Además, no hay que olvidar que el director nunca daba mucha profundidad a ningún personaje, ya fuera hombre o mujer, porque no le parecía necesario: contaba todo aquello que requería el filme a través de la puesta en escena.
Dos de sus actrices fetiches fueron Grace Kelly, con la que rodó tres películas ("Atrapa a un ladrón", "La ventana indiscreta" y) e Ingrid Bergman ("Encadenados", "). El director se sintió abandonado por ambas: Kelly dejó el cine para casarse con el Príncipe Rainiero de Mónaco, y Bermang decidió buscar fortuna en el cine europeo (posteriormente se casaría con el director italiano Roberto Fellini).
Poco después descubrió a Tippi Hendren en un anuncio en una revista y decidió contratarla para protagonizar "Los pájaros". La película fue un éxito y decidió contar con ella para "Marnie, la ladrona". La actriz ha declarado que se sintió acosada durante los rodajes por el director, que intentaba controlar todos los aspectos de su vida.
En cuanto al trato que le daba a los actores en general, hay que destacar que nunca les prestó demasiada atención. Para él, los personajes eran meros instrumentos para contar algunos detalles de la historia y para crear empatía con el público. Una vez dijo que "los actores eran ganado". Sus palabras fueron muy mal recibidas en la industria, que no supo entender su ironía, así que rectificó: "nunca dije que los actores fueran ganado. Lo que dije fue que deberían ser tratados como ganado"
Los cameos de Hitchcock se convertieron en gags después de su primera aparición en "The lodger". Para muchos fans, se ha convertido casi en un juego buscar sus apariciones como figurante. Al principio lo hizo para llenar la pantalla, pero a sus colaboradores y al público les hizo gracia y poco a poco se fue convirtiendo en un gag.
A la izquierda, el cameo del director en "Atarapa a un ladrón". A la derecha, el cameo de "Vértigo. De entre los muertos"
☼La obsesión del director por las rubias
☼Su galería de rubias, en inglés
☼Los cameos del director en sus películas
4. Filmografía
Sus mejores películas son por todos conocidas: "Psicosis", "Extraños en un tren", "Los pájaros"...pero hizo muchas más. En total, llegó a rodar 65 filmes.
Su obra fue y es tan importante que, poco antes de morir, la Reina Isable II de Iinglaterra le nombró Sir, título muy destacado para los ingleses.
☺Su filmografía al completo (en inglés)
☺Sus comentarios sobre sus obras
☺Análisis de "Los pájaros"
☺Todo sobre "La ventana indiscreta"
☺Crítica de "Psicosis"
☺Más sobre "Psicosis"
5. Puesta en escena
La puesta en escena y el montaje eran dos elementos sumamente importantes para el director. Hitchcock nunca improvisaba durante el rodaje (a excepción de "Los pájaros", en la que sí cambió algunas cosas). Normalmente tenía todo en la mente mucho antes de empezar el rodaje. Sabía cómo iba a enfocar cada situación, cómo iba a colocar la cámara, cómo iba a montar las escenas...
No era un director de grandes artificios o muchos efectos especiales, sino que conseguía, de una manera sencilla y muy sutil, contar todo aquello que requería cada escena. Tenía un estilo elegante y sabía a la perfección como debía trasmitir las emociones a los espectadores, a los que siempre tenía en consideración cuando rodaba, pues las películas las hacía para ellos.
Un ejemplo de su puesta en escena es el hecho de que muchas de sus películas comiencen con una panorámica aérea del lugar en el que se va a desarrollar la primera escena, pues así sitúa de la manera más efectiva a los espectadores. Tal es el caso de "La soga", "Los pájaros", "Psicosis", "Atrapa a un ladrón"...
El cineasta no era muy partícipe de largos diálogos en los que se ofrecía mucha información, pues los consideraba tediosos e inútiles. Para él, lo mejor y más efectivo era mostrar a través de la imagen, es decir, de la puesta en escena.
♦El estilo de Hitchcock
♦Más mundo Hitchcockiano
♦Un poquito más, esta vez en inglés
Dossier documental por Alba Redondo
Todo espectador, sea cinéfilo o no, ha oído hablar, al menos una vez en su vida, de Alfred Hitchcock. Y es que, tanto para los teóricos como para los propios cineastas, Hitchcock es el gran maestro del suspense, uno de los autores que mejor ha entendido el thriller a lo largo de la Historia del Cine. Nadie como él ha sabido entender los miedos y las angustias de los espectadores. Nadie como él ha sido capaz de mantener la tensión del público durante la hora y media de duración de la película. Nadie como él ha entendido el miedo del ser humano y ha sabido traducirlo en imágenes.Si eres un gran experto en la obra de este director, este artículo te ayudará a refrescar tus conociemientos e incluso a aprender algo más sobre el tema. Si, por el contrario, todavía no has tenido la oportunidad de sumergirte en el fabuloso mundo "hitchcockiano", ésta es tu oportunidad.
1. Biografía
Alfred Hitchcock nació en Londres en 1899, en el seno de una familia católica (algo poco común Inglaterra) amante del teatro. Siempre fue un niño solitario, bueno e introvertido, tal y como seguiría siendo toda su vida. Creció en un ambiente de alta religiosidad, ya que estudió en un internado jesuita, el Saint Ignatius College. Allí desarrolló gran parte de sus miedos, tal y como él reconocía: "Probablemente durante mi estancia con los jesuitas el miedo se fortaleció en mí. Miedo moral a ser asociado a todo lo que está mal. Siempre he permanecido apartado de ello". De hecho, en sus películas simpre triunfan los buenos, los que representan el ideal moral (aunque en algunos momentos puedan pecar levemente), y no hay ninguna escena explícita de sexo o desnudos.
"No recuerdo haber tenido jamás un compañero de juego.
Me divertía solo e inventaba mis juegos"
Me divertía solo e inventaba mis juegos"
Al dejar la escuela entró en la
Cambió ese trabajo por el de diseñador de intertítulos de la productora americana "Famous Players-Lasky". Desde alli, fue ascendiendo hasta convertirse en director artístico. En esos años, descubrió los entresijos de la industria cinematográfica.
Pocos años después le ofrecieron la oportunidad de rodar su primera película, "El jardín de la alegría". A partir de entonces, rodó muchas películas en Inglaterra. Cuando los estudios comenzaron a tomarlo en serio, lo reclamaron desde Estados Unidos, donde rodó sus mejores películas. Su obra estuvo plagada de grandes éxitos, pero también conoció el fracaso. El gran artista del suspense murió el 29 de abril de 1980, pero su obra se mantiene tan viva como cuando se rodó.
●Para saberlo todo sobre la vida de este gran artista
●Lo que dice de él la Wikipedia
●Hitchcock poco antes de morir, según Truffaut
2. El suspense y Hitchcock
El director inglés conocía a la perfección a los espectadores, sabía cómo hacerles sentir miedo, compasión, alegría o cualquier otra emoción. Él, que era un gran miedoso, tenía una cierta predilección por el suspense, por la tensión, porque crea una doble sensación en el público que le resultaba muy interesante: por un lado, el espectador siente una gran angustia mientras ve la película; por el otro, disfruta, obtiene un gran placer viéndola. Estas dos emociones, opuestas, son un reflejo de la complejidad del ser humano y fascinaban al director.
En sus películas utilizaba el suspense, pero también otros lenguajes cinematográficos como la intriga (sorpresa). A veces sólo recurría a uno de ellos, pero en otras ocasiones, los intercalaba. Un ejemplo claro es "Psicosis", probablemente la película más aclamada del director. En este filme, el director se decanta por el suspense hasta la muerte de Marion, cuando cambia por completo la película y recurre a la intriga. Este cambio no tienen nada de gratuito, sino todo lo contrario: al principio de la pélícula, el espectador se va identificando con Marion porque entiende su situación, les son cercanas sus motivaciones. Hay empatía con ella. Sin embargo, a raíz de la muerte de la protagonista, el personaje principal pasa a ser Norman Bates, y el espectador, aunque en algunos momentos pueda sentir cierta empatía con el, no llega a identificarse porque la mente del personaje no es la de una persona normal. Así, las motivaciones de Bates no se pueden comprender ni anticipar.
El director explicaba así la diferencia entre suspense e intriga:
"Nosotros estamos hablando, acaso hay una bomba debajo de esta mesa y nuestra conversación es muy anodina, no sucede nada especial y de repente: bum, explosión. El público queda sorprendido. Examinemos ahora el suspense. La bomba está debajo de la mesa y el público lo sabe, probablemnte porque ha visto que el anarquista la ponía. La misma conversación anodina se vuelve de repente muy interesante porque el público participa en la escena"
En el primer caso, en el de la intriga, se le ofrecen al espectador quince o veinte segundos de sorpresa, mientras que el segundo, en el del suspense, se le ofrecen quince o veinte minutos de suspense. Ésa es la clave: el suspense atrapa durante más tiempo al espectador, que mantiene su atención fijada en la pantalla durante toda la secuencia. La relación del espectador con la película es mucho más intensa.
→El suspense, en inglés
→Las citas de Hitchcock, también en inglés
→Más suspense, esta vez en español
3. Actores
Los filmes de Hitchcock siempre se caracterizaron por estar protagonizados por estrellas del celuloide: Grace Kelly, Kim Novac, James Stewart, Laurence Olivier,... Y es que el director no concebía sus películas sin sus estrellas, en especial sin "sus rubias". Consideraba que el cabello rubio era el ideal femenino, y por ello siempre optaba por actrices con este tono de pelo para encarnar a sus heroínas.
"Las rubias son mejores víctimas.
Son como nieve virgen que muestra
las huellas ensangrentadas"
Son como nieve virgen que muestra
las huellas ensangrentadas"
Muchos teóricos y femenistas han tachado al cineasta de misógino porque consideran que trataba a las mujeres como meros objetos y que nunca daba profundidad a los personajes femeninos. Sin embargo, esto no es del todo cierto, ya que los papeles que Hitchcock daba a las actrices siempre eran los más atractivos, las heroínas, que podían resultar insulsas por las convenciones propias de la época más que por la misoginia del autor. Además, no hay que olvidar que el director nunca daba mucha profundidad a ningún personaje, ya fuera hombre o mujer, porque no le parecía necesario: contaba todo aquello que requería el filme a través de la puesta en escena. Dos de sus actrices fetiches fueron Grace Kelly, con la que rodó tres películas ("Atrapa a un ladrón", "La ventana indiscreta" y) e Ingrid Bergman ("Encadenados", "). El director se sintió abandonado por ambas: Kelly dejó el cine para casarse con el Príncipe Rainiero de Mónaco, y Bermang decidió buscar fortuna en el cine europeo (posteriormente se casaría con el director italiano Roberto Fellini).Poco después descubrió a Tippi Hendren en un anuncio en una revista y decidió contratarla para protagonizar "Los pájaros". La película fue un éxito y decidió contar con ella para "Marnie, la ladrona". La actriz ha declarado que se sintió acosada durante los rodajes por el director, que intentaba controlar todos los aspectos de su vida.
En cuanto al trato que le daba a los actores en general, hay que destacar que nunca les prestó demasiada atención. Para él, los personajes eran meros instrumentos para contar algunos detalles de la historia y para crear empatía con el público. Una vez dijo que "los actores eran ganado". Sus palabras fueron muy mal recibidas en la industria, que no supo entender su ironía, así que rectificó: "nunca dije que los actores fueran ganado. Lo que dije fue que deberían ser tratados como ganado"
Los cameos de Hitchcock se convertieron en gags después de su primera aparición en "The lodger". Para muchos fans, se ha convertido casi en un juego buscar sus apariciones como figurante. Al principio lo hizo para llenar la pantalla, pero a sus colaboradores y al público les hizo gracia y poco a poco se fue convirtiendo en un gag.
A la izquierda, el cameo del director en "Atarapa a un ladrón". A la derecha, el cameo de "Vértigo. De entre los muertos"
☼La obsesión del director por las rubias
☼Su galería de rubias, en inglés
☼Los cameos del director en sus películas
4. Filmografía
Sus mejores películas son por todos conocidas: "Psicosis", "Extraños en un tren", "Los pájaros"...pero hizo muchas más. En total, llegó a rodar 65 filmes.
Su obra fue y es tan importante que, poco antes de morir, la Reina Isable II de Iinglaterra le nombró Sir, título muy destacado para los ingleses.
☺Su filmografía al completo (en inglés)
☺Sus comentarios sobre sus obras
☺Análisis de "Los pájaros"
☺Todo sobre "La ventana indiscreta"
☺Crítica de "Psicosis"
☺Más sobre "Psicosis"
5. Puesta en escena
La puesta en escena y el montaje eran dos elementos sumamente importantes para el director. Hitchcock nunca improvisaba durante el rodaje (a excepción de "Los pájaros", en la que sí cambió algunas cosas). Normalmente tenía todo en la mente mucho antes de empezar el rodaje. Sabía cómo iba a enfocar cada situación, cómo iba a colocar la cámara, cómo iba a montar las escenas...
No era un director de grandes artificios o muchos efectos especiales, sino que conseguía, de una manera sencilla y muy sutil, contar todo aquello que requería cada escena. Tenía un estilo elegante y sabía a la perfección como debía trasmitir las emociones a los espectadores, a los que siempre tenía en consideración cuando rodaba, pues las películas las hacía para ellos.Un ejemplo de su puesta en escena es el hecho de que muchas de sus películas comiencen con una panorámica aérea del lugar en el que se va a desarrollar la primera escena, pues así sitúa de la manera más efectiva a los espectadores. Tal es el caso de "La soga", "Los pájaros", "Psicosis", "Atrapa a un ladrón"...
El cineasta no era muy partícipe de largos diálogos en los que se ofrecía mucha información, pues los consideraba tediosos e inútiles. Para él, lo mejor y más efectivo era mostrar a través de la imagen, es decir, de la puesta en escena.
♦El estilo de Hitchcock
♦Más mundo Hitchcockiano
♦Un poquito más, esta vez en inglés
Dossier documental por Alba Redondo
La rosa púrpura de El Cairo
La semana pasada el Círculo de Bellas Artes ofreció a sus usuarios un ciclo de cine sobre Woody Allen. Entre las películas que se proyectaron se encontraba La rosa púrpura de El Cairo (The purple rose of Cairo, 1985). Este filme se enmarca en la América de los años 30, un país que tras el crack del 29 está sumido en una profunda crisis. Cecilia, encarnada por Mia Farrow, es una víctima más de las pésimas circunstancias en las que vive Estados Unidos: tiene una situación económica difícil y es infeliz en su matrimonio. Sólo el cine es capaz de sacarla de su triste y cruel realidad.
Como si de un hechizo se tratara, Cecilia va al cine una y otra vez para ver una película: La rosa púrpura de El Cairo. Una tarde, uno de los personajes de esta película, Tom Baxter (Jeff Daniels), decide salir de la pantalla ante el asombro de espectadores y demás personajes. Tom, que es un explorador del antiguo Egipto, se presenta ante Cecilia y le confiesa que está enamorado de ella.
A partir de este momento ambos vivirán una idílica y controvertida historia de amor, mientras que, alrededor de ellos, el mundo está patas arriba: el resto de los personajes de la película intentan continuar con la narración pero Tom Baxter es un personaje clave para el desarrollo de la acción. Mientras tanto, los espectadores se dividirán entre los que, curiosos, se acercan a ver a una película sin rumbo y los que, indignados, abandonarán la sala sin ver su deseado film. Además, el productor de la película será advertido de la rebelión de Tom Baxter y será el propio actor el que tenga que viajar a Nueva Jersey en busca de su rebelde interpretación. Finalmente, el actor que interpreta a Tom Baxter intentará cautivar a Cecilia, que será engañada sin pudor por la estrella de Hollywood. Éste sólo la utilizará para deshacerse de Baxter.
Durante la película y, especialmente al final de ésta, Mia Farrow se verá en el dilema de elegir entre un hombre ideal o uno real (aunque aparentemente pueden parecer el mismo), elegir entre un mundo u otro. Al mismo tiempo, es el propio es el propio Woody Allen el que pregunta a los espectadores: "¿en qué mundo quieres vivir tú?". El mundo real y el mundo de ficción se unen por unos minutos a través de una metalepsis, un recurso con el que Tom Baxter entra en contacto con la realidad y que termina provocando en el espectador una extraña combinación entre hilaridad y envidia. Será por esto por lo que, en los últimos minutos del film mientras Cecilia observa atenta la pantalla, uno espera que la protagonista de la “verdadera” Rosa púrpura de El Cairo, se de media vuelta y le guiñe un ojo.
No obstante, resulta paradójico hablar de “mundo real” y “mundo ficticio” cuando se está hablando de una película en la que, supuestamente, todo pertenece a un mundo de ilusión. Además, en momentos como éste, La rosa púrpura de El Cairo se convierte en una metapelícula en la que el espectador se ve identificado con la protagonista de la película, que a su vez es espectadora de su propia Rosa púrpura de El Cairo.
En definitiva, este film no sólo nos presenta una historia de amor: nos presenta la dualidad entre dos mundos. Es una reflexión sobre la crueldad y la miseria del la vida, que encuentra como contraposición el mundo imaginario del cine, el único en el que es posible que se cumplan los sueños. Por eso, esta película, pese a tener un nostálgico final, es capaz de dejarte con el buen regusto clásico de esas películas con las que el espectador recuerda la grandeza del cine.
Ficha técnica
Estudio en Miradas de Cine
Woody Allen
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Por Celia Prieto
Como si de un hechizo se tratara, Cecilia va al cine una y otra vez para ver una película: La rosa púrpura de El Cairo. Una tarde, uno de los personajes de esta película, Tom Baxter (Jeff Daniels), decide salir de la pantalla ante el asombro de espectadores y demás personajes. Tom, que es un explorador del antiguo Egipto, se presenta ante Cecilia y le confiesa que está enamorado de ella.
A partir de este momento ambos vivirán una idílica y controvertida historia de amor, mientras que, alrededor de ellos, el mundo está patas arriba: el resto de los personajes de la película intentan continuar con la narración pero Tom Baxter es un personaje clave para el desarrollo de la acción. Mientras tanto, los espectadores se dividirán entre los que, curiosos, se acercan a ver a una película sin rumbo y los que, indignados, abandonarán la sala sin ver su deseado film. Además, el productor de la película será advertido de la rebelión de Tom Baxter y será el propio actor el que tenga que viajar a Nueva Jersey en busca de su rebelde interpretación. Finalmente, el actor que interpreta a Tom Baxter intentará cautivar a Cecilia, que será engañada sin pudor por la estrella de Hollywood. Éste sólo la utilizará para deshacerse de Baxter.Durante la película y, especialmente al final de ésta, Mia Farrow se verá en el dilema de elegir entre un hombre ideal o uno real (aunque aparentemente pueden parecer el mismo), elegir entre un mundo u otro. Al mismo tiempo, es el propio es el propio Woody Allen el que pregunta a los espectadores: "¿en qué mundo quieres vivir tú?". El mundo real y el mundo de ficción se unen por unos minutos a través de una metalepsis, un recurso con el que Tom Baxter entra en contacto con la realidad y que termina provocando en el espectador una extraña combinación entre hilaridad y envidia. Será por esto por lo que, en los últimos minutos del film mientras Cecilia observa atenta la pantalla, uno espera que la protagonista de la “verdadera” Rosa púrpura de El Cairo, se de media vuelta y le guiñe un ojo.No obstante, resulta paradójico hablar de “mundo real” y “mundo ficticio” cuando se está hablando de una película en la que, supuestamente, todo pertenece a un mundo de ilusión. Además, en momentos como éste, La rosa púrpura de El Cairo se convierte en una metapelícula en la que el espectador se ve identificado con la protagonista de la película, que a su vez es espectadora de su propia Rosa púrpura de El Cairo.
En definitiva, este film no sólo nos presenta una historia de amor: nos presenta la dualidad entre dos mundos. Es una reflexión sobre la crueldad y la miseria del la vida, que encuentra como contraposición el mundo imaginario del cine, el único en el que es posible que se cumplan los sueños. Por eso, esta película, pese a tener un nostálgico final, es capaz de dejarte con el buen regusto clásico de esas películas con las que el espectador recuerda la grandeza del cine.Ficha técnica
Estudio en Miradas de Cine
Woody Allen
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Por Celia Prieto
Kill Bill: el placer del puro cine
Quentin Tarantino nos deleitó en 2004 con Kill Bill vol. 2, la continuación de su film más controvertido y, como veremos, más complejo. 5con20 te desvela alguno de los secretos que hacen que esta película sea excepcional y se haya convertido en cult-movie para los amantes del Séptimo Arte. Escucha_el_sonido_Tarantino.mp3
Una de las características de la Posmodernidad es la reivindicación de la cultura popular. Mientras que la Modernidad había reivindicado el arte elevado o difícil, la Posmodernidad lucha por la recuperación del pop, el rock y por la búsqueda de sistemas donde todo pueda mezclarse y recuperarse, diluyendo los límites entre la cultura alta y la vulgar. A consecuencia de esa mezcla nace el Intertexto: unos productos de consumo se refieren a otros.
Algo así debió pensar el freak de Tarantino cuando empezó a escribir Kill Bill. Él, quizás el director Posmoderno por excelencia, hace alarde de su especialización en un área del cine muy concreta: las películas de artes marciales. Y decide mezclar ese estilo con los spaghetti westerns y las películas japonesas de Samuráis. ¿El resultado? Un epílogo de todo su cine con referencias constantes a la producción de los últimos 30 años, ambientado en un universo de iconos para cinéfilos.
Kill Bill vol.1 es acción y Kill Bill vol.2, reflexión. Uma Thurman pretende dejar de ser asesina porque se queda embarazada y a partir de aquí se desarrolla la acción. Podríamos interpretar que el cine de Tarantino es un cine adolescente y el embarazo de la protagonista es el nexo que va llevando poco a poco a la Mamba Negra hacia el mundo real. Bill (David Carradine) la mata por eso: pretende abandonar el mundo de ficción que ambos comparten.
Si eres de los que te gustó, estos detalles harán que vuelvas a ver la película:
Por exigencias de la productora que la comercializó, Kill Bill tuvo que ser “troceada” en dos. Tarantino decidió que los títulos contuvieran Vol.1 y Vol.2, algo muy característico del cine japonés.
Se considera que el mejor plano de la historia del cine lo consiguió John Ford en la toma final de Centauros del Desierto. Quentin Tarantino juega con ello: cuando Bill llega a la pseudo-boda de la Mamba Negra, la pantalla se torna a blanco y negro y reproduce ese mismo plano.
Aunque la película está producida por Miramax, el largometraje empieza con el logotipo de una productora japonesa, es decir, tal y como empiezan tantas películas de artes marciales.
El mono amarillo que lleva Uma Thurman es un homenaje al que llevaba Bruce Lee, al igual que la banda sonora de la película coincide en varias ocasiones con la que sonaba en la serie de televisión que Bruce Lee protagonizaba. La banda sonora de todo el largo es reciclaje de otras bandas sonoras. Se reconoce también en una de las escenas en la caseta del desierto una pieza musical de Por un puñado de dólares de Clint Eastwood. La admiración a todo lo que rodea a Bruce Lee no termina ahí: los antifaces que llevan los antagonistas de la Mamba Negra en su lucha samurai son también los que usaba Bruce Lee en la serie.
Las escenas tienen entre sí un tratamiento fotográfico distinto, es decir, no hay coherencia visual: ni de puesta en escena ni de acabado. Además de eso, alguna secuencia tiene algún truco añadido: cuando La Novia va a entrenarse con el maestro en artes marciales abundan los zooms, propios del cine de Hong Kong de los 70.
Las maquetas de Tokio que se ven mientras Uma Thurman llega en avión, son las mismas que se usaron en Godzilla.
En las escenas ultra-violentas de lucha se hace un homenaje a las películas de género chambara: la sangre sale disparada al cortar un miembro del cuerpo.
El Director crea su propio universo de ficción y relaciona a los personajes entre sus películas: el sheriff que estudia el caso del asesinato en la boda es también el sheriff en Abierto hasta el amanecer.
Si quieres saber más, no dudes entrar en:
Reportaje en Miradas de cine
Todo sobre Kill Bill vol.1 | Kill Bill vol. 2
Todos los secretos del film
Página Oficial de la película
Por Cristina Meléndez
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Una de las características de la Posmodernidad es la reivindicación de la cultura popular. Mientras que la Modernidad había reivindicado el arte elevado o difícil, la Posmodernidad lucha por la recuperación del pop, el rock y por la búsqueda de sistemas donde todo pueda mezclarse y recuperarse, diluyendo los límites entre la cultura alta y la vulgar. A consecuencia de esa mezcla nace el Intertexto: unos productos de consumo se refieren a otros.Algo así debió pensar el freak de Tarantino cuando empezó a escribir Kill Bill. Él, quizás el director Posmoderno por excelencia, hace alarde de su especialización en un área del cine muy concreta: las películas de artes marciales. Y decide mezclar ese estilo con los spaghetti westerns y las películas japonesas de Samuráis. ¿El resultado? Un epílogo de todo su cine con referencias constantes a la producción de los últimos 30 años, ambientado en un universo de iconos para cinéfilos.
Kill Bill vol.1 es acción y Kill Bill vol.2, reflexión. Uma Thurman pretende dejar de ser asesina porque se queda embarazada y a partir de aquí se desarrolla la acción. Podríamos interpretar que el cine de Tarantino es un cine adolescente y el embarazo de la protagonista es el nexo que va llevando poco a poco a la Mamba Negra hacia el mundo real. Bill (David Carradine) la mata por eso: pretende abandonar el mundo de ficción que ambos comparten.
Si eres de los que te gustó, estos detalles harán que vuelvas a ver la película:
Por exigencias de la productora que la comercializó, Kill Bill tuvo que ser “troceada” en dos. Tarantino decidió que los títulos contuvieran Vol.1 y Vol.2, algo muy característico del cine japonés.
Se considera que el mejor plano de la historia del cine lo consiguió John Ford en la toma final de Centauros del Desierto. Quentin Tarantino juega con ello: cuando Bill llega a la pseudo-boda de la Mamba Negra, la pantalla se torna a blanco y negro y reproduce ese mismo plano. Aunque la película está producida por Miramax, el largometraje empieza con el logotipo de una productora japonesa, es decir, tal y como empiezan tantas películas de artes marciales.
El mono amarillo que lleva Uma Thurman es un homenaje al que llevaba Bruce Lee, al igual que la banda sonora de la película coincide en varias ocasiones con la que sonaba en la serie de televisión que Bruce Lee protagonizaba. La banda sonora de todo el largo es reciclaje de otras bandas sonoras. Se reconoce también en una de las escenas en la caseta del desierto una pieza musical de Por un puñado de dólares de Clint Eastwood. La admiración a todo lo que rodea a Bruce Lee no termina ahí: los antifaces que llevan los antagonistas de la Mamba Negra en su lucha samurai son también los que usaba Bruce Lee en la serie.Las escenas tienen entre sí un tratamiento fotográfico distinto, es decir, no hay coherencia visual: ni de puesta en escena ni de acabado. Además de eso, alguna secuencia tiene algún truco añadido: cuando La Novia va a entrenarse con el maestro en artes marciales abundan los zooms, propios del cine de Hong Kong de los 70. Las maquetas de Tokio que se ven mientras Uma Thurman llega en avión, son las mismas que se usaron en Godzilla.
En las escenas ultra-violentas de lucha se hace un homenaje a las películas de género chambara: la sangre sale disparada al cortar un miembro del cuerpo. El Director crea su propio universo de ficción y relaciona a los personajes entre sus películas: el sheriff que estudia el caso del asesinato en la boda es también el sheriff en Abierto hasta el amanecer.
Si quieres saber más, no dudes entrar en: Reportaje en Miradas de cine
Todo sobre Kill Bill vol.1 | Kill Bill vol. 2
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