Mamá, yo quiero hacer eso!
Antígona tiene un plan, una obra que se ha representado en muchas cuidades de España y siempre ha llenado las butacas
Esta obra, Antígona tiene un plan, la habré visto cientos de veces. Y a mi, como al resto de personas que la han visto les ha encantado. Es una obra con argumento, buena interpretación, música, alegría, tristeza, drama, felicidad, y con un buen final.
El público es de lo más variado: niños, padres, madres, abuelos..y lo más sorprendente: gente joven. Y es que no es fácil ver una sala de teatro llena de jóvenes. Antígona es un musical que lo tiene todo, es divertido y alegre, que cuenta con su parte dramática. El ambiente de la obra se aprecia en cada butaca. Hay que decir que ninguna
escuela ni director con renombre avalan la obra, y aún así sacó el cartel de completo todós los días de su representación. Todos son actores desconocidos a los que les apasiona el mundo de la interpretación y ponen todas sus ganas y esfuerzos en hacerlo lo mejor que saben. Y cómo saben!
El público se volcó de lleno, y disfrutó muchísimo. Sobretodo cuando los actores toman como escenario los patios de butacas. A la salida todo eran risas, tarareos de las canciones y niños emocionados diciendo: Mamá, yo quiero hacer eso!!
Esta obra, Antígona tiene un plan, la habré visto cientos de veces. Y a mi, como al resto de personas que la han visto les ha encantado. Es una obra con argumento, buena interpretación, música, alegría, tristeza, drama, felicidad, y con un buen final.
El público es de lo más variado: niños, padres, madres, abuelos..y lo más sorprendente: gente joven. Y es que no es fácil ver una sala de teatro llena de jóvenes. Antígona es un musical que lo tiene todo, es divertido y alegre, que cuenta con su parte dramática. El ambiente de la obra se aprecia en cada butaca. Hay que decir que ninguna
escuela ni director con renombre avalan la obra, y aún así sacó el cartel de completo todós los días de su representación. Todos son actores desconocidos a los que les apasiona el mundo de la interpretación y ponen todas sus ganas y esfuerzos en hacerlo lo mejor que saben. Y cómo saben!El público se volcó de lleno, y disfrutó muchísimo. Sobretodo cuando los actores toman como escenario los patios de butacas. A la salida todo eran risas, tarareos de las canciones y niños emocionados diciendo: Mamá, yo quiero hacer eso!!
Premios Buero De Teatro Jóven
En Noviembre la Fundación Coca-Cola España presentó en sociedad los Premios Buero de Teatro Joven, con la presidencia de la Ministra de Cultura, Carmen Calvo, y diversas autoridades y representantes del mundo del teatro.
A través de este concurso se pretende fomentar el interés de los jóvenes por el teatro y por el arte dramático y escénico en general. La campaña se lanzó el pasado mes de diciembre.
El acto, desarrollado en Casa de América, contó con la asistencia, entre otros, de Juan Manuel Sáenz de Vicuña, presidente de la Fundación Coca-Cola España; Marcos de Quinto, Presidente de Coca-Cola España; los actores Manuel Galiana y Emilio Gutiérrez Caba o artistas como Moncho Borrajo y Soledad Mallol (una de las integrantes del dúo Las Virtudes)
En esta cita se presentó la campaña que Coca-Cola España lanzó en el mes de Diciembre para apoyar esta iniciativa de la Fundación: dos anuncios de televisión protagonizados por jóvenes actores de grupos participantes en la anterior edición del Concurso y que interpretan sobre el escenario dos de los spots más reconocidos de la compañía.
El objetivo de los Premios Buero de Teatro Joven es fomentar el interés de los jóvenes por el teatro, y por el arte dramático y escénico en general. Este certamen está abierto a jóvenes de entre 14 y 21 años de edad que cursen estudios en cualquier centro cultural o educativo de nuestro país. Con un máximo de 30 integrantes, sólo es necesario constituir un grupo teatral y seleccionar una obra (bien una pieza teatral ya existente o una obra de libre creación) en cualquiera de las lenguas oficiales de España
En esta edición, el jurado estuvo integrado por destacadas personalidades de la escena, entre otros, Luis del Val, escritor, autor teatral y periodista; los actores Lola Herrera, Blanca Portillo, Manuel Galiana, Emilio Gutiérrez Caba, Juan Echanove y Anabel Alonso; Javier Villán. crítico teatral y escritor; Mario Gas y Miguel Narros, directores de escena; Antonio Gala y Paloma Pedrero, escritores y autores de teatro.
A través de este concurso se pretende fomentar el interés de los jóvenes por el teatro y por el arte dramático y escénico en general. La campaña se lanzó el pasado mes de diciembre.
El acto, desarrollado en Casa de América, contó con la asistencia, entre otros, de Juan Manuel Sáenz de Vicuña, presidente de la Fundación Coca-Cola España; Marcos de Quinto, Presidente de Coca-Cola España; los actores Manuel Galiana y Emilio Gutiérrez Caba o artistas como Moncho Borrajo y Soledad Mallol (una de las integrantes del dúo Las Virtudes) En esta cita se presentó la campaña que Coca-Cola España lanzó en el mes de Diciembre para apoyar esta iniciativa de la Fundación: dos anuncios de televisión protagonizados por jóvenes actores de grupos participantes en la anterior edición del Concurso y que interpretan sobre el escenario dos de los spots más reconocidos de la compañía.
El objetivo de los Premios Buero de Teatro Joven es fomentar el interés de los jóvenes por el teatro, y por el arte dramático y escénico en general. Este certamen está abierto a jóvenes de entre 14 y 21 años de edad que cursen estudios en cualquier centro cultural o educativo de nuestro país. Con un máximo de 30 integrantes, sólo es necesario constituir un grupo teatral y seleccionar una obra (bien una pieza teatral ya existente o una obra de libre creación) en cualquiera de las lenguas oficiales de España
En esta edición, el jurado estuvo integrado por destacadas personalidades de la escena, entre otros, Luis del Val, escritor, autor teatral y periodista; los actores Lola Herrera, Blanca Portillo, Manuel Galiana, Emilio Gutiérrez Caba, Juan Echanove y Anabel Alonso; Javier Villán. crítico teatral y escritor; Mario Gas y Miguel Narros, directores de escena; Antonio Gala y Paloma Pedrero, escritores y autores de teatro.
Premios Unión de actores
La Unión de Actores presentará el lunes 12 de febrero de 2007 los Premios Unión de Actores. El acontecimiento se celebrará en el Palacio Municipal de Congresos del Campo de las Naciones.
El ganador o ganadora entre los candidatos a los premios, serán elegidos por sus compañeros de profesión por su trabajo a lo largo del año 2006 en cine, teatro y televisión. Este año será la XVI edición de los premios. El año pasado en la XI edición se celebraron los 20años de la Unión de los Actores. Desde el año 1991 la Unión de Actores viene celebrando cada año su Gala de Entrega de Premios.
Estos Premios tienen un valor especial, ya que son los propios actores, afiliados a la Unión, los que eligen con su voto a sus compañeros de profesión que se han destacado por un trabajo durante el año, independientemente de si son o no afiliados al Sindicato, en las diferentes modalidades de Cine, Teatro y Televisión, en sus distintas categorías de Protagonista, Secundario y Reparto, así como el Premio Revelación en las modalidades Femenina y Masculina. Además se entrega el Premio Toda una vida, a una larga trayectoria profesional, y el Premio Unión de Actores a la persona o entidad que haya destacado en su relación con la profesión.
Al acto son invitados, además de los propios afiliados a la Unión de Actores, numerosas personalidades del mundo del espectáculo y de la cultura, así como organismos e instituciones competentes en el colectivo de artistas.
La unión de actores
La Unión de Actores es un sindicato profesional que agrupa a los actores y actrices que desempeñan su trabajo en el ámbito de la Comunidad de Madrid. Sus estatutos lo definen como independiente, asambleario y de carácter progresista.
Fue fundado en 1986 a raíz del movimiento generado para pedir la integración de los actores en el Régimen General de la Seguridad Social, lucha que fue ganada.
Con más de 2.600 actores afiliados, la organización es fundadora en 1988 de la Federación de Actores del Estado Español. A su vez, la Federación es miembro de pleno derecho de la Federación
Internacional de Actores (FIA).
El ganador o ganadora entre los candidatos a los premios, serán elegidos por sus compañeros de profesión por su trabajo a lo largo del año 2006 en cine, teatro y televisión. Este año será la XVI edición de los premios. El año pasado en la XI edición se celebraron los 20años de la Unión de los Actores. Desde el año 1991 la Unión de Actores viene celebrando cada año su Gala de Entrega de Premios.
Estos Premios tienen un valor especial, ya que son los propios actores, afiliados a la Unión, los que eligen con su voto a sus compañeros de profesión que se han destacado por un trabajo durante el año, independientemente de si son o no afiliados al Sindicato, en las diferentes modalidades de Cine, Teatro y Televisión, en sus distintas categorías de Protagonista, Secundario y Reparto, así como el Premio Revelación en las modalidades Femenina y Masculina. Además se entrega el Premio Toda una vida, a una larga trayectoria profesional, y el Premio Unión de Actores a la persona o entidad que haya destacado en su relación con la profesión.
Al acto son invitados, además de los propios afiliados a la Unión de Actores, numerosas personalidades del mundo del espectáculo y de la cultura, así como organismos e instituciones competentes en el colectivo de artistas.
La unión de actores
La Unión de Actores es un sindicato profesional que agrupa a los actores y actrices que desempeñan su trabajo en el ámbito de la Comunidad de Madrid. Sus estatutos lo definen como independiente, asambleario y de carácter progresista.
Fue fundado en 1986 a raíz del movimiento generado para pedir la integración de los actores en el Régimen General de la Seguridad Social, lucha que fue ganada.
Con más de 2.600 actores afiliados, la organización es fundadora en 1988 de la Federación de Actores del Estado Español. A su vez, la Federación es miembro de pleno derecho de la Federación
Internacional de Actores (FIA).
Premio Espectáculo Teatral
Premio de teatro para obras entre 65 y 90 páginas convocado por Ediciones Irreverentes y la revista El Espectáculo Teatral. en la primera edición han participado autores de 7 países.
La Tertulia de El Espectáculo Teatral
La revista El Espectáculo Teatral reunió a José Luis Alonso de Santos; la productora, directora y actriz Cristina Rota, agraviada por la SGAE al no incluirse en las listas de los Premios Max ninguna obra del Centro de Nuevos Creadores; Margarita Piñero, profesora de Escritura y Ciencias Teatrales de la RESAD y gran conocedora de los problemas de los dramaturgos jóvenes, y Juan Carlos Naya, productor teatral y actor, con la obra en cartel Marlénla para hablar de los Premios en el teatro al autor español más galardonado. Las dudas se plantearon sobre la mesa; ¿Los premios se dan al ganador o sirven para hacer una foto al organizador? ¿Es más útil el premio con dotación económica o el que sirve para llevar a escena una obra? ¿Debería apostarse más por los premios para jóvenes y menos por los premios para autores consagrados?
Cristina Rota- Para mí, los premios deben servir para promocionar el Teatro. Con la diversidad de trabajadores tan grande que hay en el teatro, es difícil decir que un premio sea justo. Es necesario que los premisos sirvan para dar difusión al teatro, pero eso no suplante una falta de política cultural. Mira los Oscar en el cine… ya no importa tanto la obra, es una distorsión de la realidad. Se invierte muchísimo en publicidad para conseguir un premio. En cuanto a los premios de Teatro; ¿Cómo vas a comparar Yo Claudio con una comedia? O a actores que hacen una comedia con quienes interpretan un drama. Los premios llevan a una perversión; sirven para promocionar, pero no lo más promocionado es necesariamente lo mejor. He ido mucho por provincias y en España se están haciendo cosas impresionantes que nunca son premiados. He estado en jurados de premiso y la consigna es "demos el premio a alguien conocido".
Juan Carlos Naya- El Premio Chivas se lo quisieron dar a Albert Boadella, pero él no quiso ser premiado, y quisieron cubrir el expediente dándole el premio a Nacho Duato. Lo que más se valora en estos premiso es la foto.
Cristina Rota- Las consignas son perversas, siempre se premia a los mismo.
Juan Carlos Naya- los premios deberían darse a gente desconocida.
Cristina Rota -Hay que premiar el arte, la creación, no hacer premios individuales.
Juan Carlos Naya- Lo mejor de los premios es la reunión con los compañeros. Me satisface mucho, aunque no siempre. En los premio Mayte me aburro mucho. Deberían ser más festivos.
EL ESPECTACULO TEATRAL- José Luis, sus obras son las más premiadas en España.
José Luis Alonso de Santos- Yo estoy al margen de éxitos y fracasos. No lucho por ello. Me gusta recibir premios, como a casi todo el mundo, pero no hago nada por conseguirlo. Creo que los premios teatrales sirven para luchar contra un medio hostil. Ya el teatro es un acto de resistencia contra la marginalidad. Los premios se dan a quienes te caen bien; lo mejor es no hacer caso a lo que piensan unos señores de un jurado, sino a tus propios gustos. No hay selecciones justas, no podemos marcar un canon. Un premio no es la palabra de Dios… porque Dios no existe.
Juan Carlos Naya.- Pero en los premios de teatro no se ven todas las obras. Y en los de novela se leen todas las novelas.
José Luis Alonso de Santos.- Yo he estado de jurado, y se leen 10 que te seleccionan entre 300. Te puedo decir que nunca he estado en un jurado que no haya sido honorable. Aunque no haya coincidido con sus gustos.
Cristina Rota.- Yo me pongo en el sitio de la diversidad, y por eso he hablado de los premios de Yo, Claudio, que por cierto es una obra extraordinaria. Pero había comedias que no podían compararse. ¿Cómo se iban a comparar? Creo que el dinero que se invierte en los premios debería usarse con más rigor.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- ¿Y para los jóvenes son útiles los premios?
Margarita Piñero.- Creo que es muy diferente un premio para un autor consagrado que para un joven que estudia dramaturgia. Para el autor joven puede ser decisivo, ser un estímulo para decidir dedicarse a esta profesión. Para un autor joven un premio es clave, no tanto el dinero, como el estímulo que recibe y que le lleva a decir "puedo dedicarme a esto". Mejor que darle dinero es ayudarle a llevar el espectáculo a escena, ayudarle en la producción de la obra.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Así pues, mejor que dar una manzana de premio a un montaje de éxito, darle dinero a los buenos montajes.
Juan Carlos Naya.- He producido Marlén, que está actualmente en cartelera, he producido cortometrajes, teatro… y nunca he conseguido ninguna subvención. Marlén ha salido sola, sin ayudas: creo más que la ayuda al montaje, en la ayuda económica posterior, hacer el producto y luego apoyarlo.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- ¿Sería bueno que los profesionales separaran más lo que es la creación artística de la labor empresarial?
José Luis Alonso de Santos.- Hay que diferenciar entre lo ideal y lo real. Lo ideal es hacer tu obra de arte sin entrar en el mercado. Ese es el ideal, pero tienes facturas que pagar todos los meses. A lo largo de la historia del arte hay una relación entre el arte y el dinero. Miguel Angel lo tenía, si no, no se hubiera podido dedicar a hacer su obra. La cuestión es de donde viene el dinero. He estado en congresos en los que los compañeros decían "no nos vendemos" y yo quería saber quién estaba interesado en comprarnos. Es imposible hacer teatro sin un apoyo industrial. El error de la gente de teatro al hablar con la Administración es decir "el teatro no es una industria"… los políticos encantados. Se van a dar el dinero a otra industria.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Con Yo, Claudio, unió calidad, público y premios
José Luis Alonso de Santos.- Mi caso es diferente, porque llevo más de veinte años en el mundo de teatro, estreno la semana que viene en Roma…los premios sirven para la gente joven, para atravesar el muro que te separa de la nada, que te separa de la profesión. Premios como el que habéis creado, El Espectáculo teatral, son magníficos, porque pueden servir para que autores noveles se den a conocer y puedan mostrar su trabajo a los lectores y por qué no, al público.
Cristina Rota.- Nosotros habíamos instituido un premio en el Centro, a la dramaturgia, pero no montaban nada, porque no sabían qué hacer. Ya no hay premio; se escoge una obra, se les da una millón y medio de pesetas, se les proporciona el equipo de gestión, y están obligados a montar la obra, si no lo hacen, no reciben nada. Se pasan dos o tres meses montando su obra; eso sí es un premio. La gente espera que las obras estén subvencionadas y no es así, lo primero que hay que hacer es aprender a gestionar un montaje.
Margarita Piñero.- Ha sido así desde las primeras obras teatrales. Plauto escribía sus obras y se las producía.
José Luis Alonso de Santos.- Y Shakespeare
Cristina Rota.- Y si no haces, la Administración te dice. ¿Vas a gestionar tú? Te vas a degradar, va a emplear las energías que necesitas para tu obra en otras cosas.
Margarita Piñero.- Yo he hablado de Plauto por mencionar uno de los primeros casos. En la RESAD tengo alumnos de dramaturgia y esa es mi lucha… los jóvenes dramaturgos no saben cómo llevar su texto a escena, cómo producirlo. Los alumnos de dramaturgia deben estar en contacto constante con la producción.
Cristina Rota.- Yo tengo un teatro para que los estudiantes hagan prácticas, porque si no las hacen, la enseñanza en un guetto. El autor joven cree que es un genio, pero cuando lucha contra la realidad de un montaje se queda paralizado.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Dada la situación de teatro y viendo que los actuales premios, basados en la publicidad no son lo mejor. ¿Qué premios y para quién?
Margarita Piñero.- En mi terreno, el de los jóvenes dramaturgos, los premios están muy bien y son un estímulo muy necesario. Y sobre todo, son muy importantes si ayudan a producir las obras.
José Luis Alonso de Santos.- De joven recibí algún premio que estaba muy bien, como el de la editorial Aguilar, que me dio todo su fondo. ¡Era un camión de libro! Yo era pobre entonces y no tenía ni para comprar libros. Me vino fenomenal. Otro premio muy útil fue una beca de un año para estudiar en recia con todos los grandes directores griegos. Hice Antígonas, Electras… Los pianistas en España saben que hasta que no van a estudiar a Moscú no son nada. Los premios deben ser así.
Juan Carlos Naya.- Debería haber premios que fueran una celebración, sin dinero, sin publicidad, sólo decirte que lo has hecho bien. Darte un beso sería un buen premio. Debería haber premiso que fueran ayudas; tras treinta años haciendo clásicos, contemporáneos, me gustaría recibir un premio que fuera montarme una gira. Hay gente a la que el calvario que pasa para hacer una producción le retira.
José Luis Alonso de Santos.- Sólo hay un 10% de quienes se dedican al teatro que aguantan. Para el resto es agobiante.
Juan Carlos Naya.- En otras industrias las inversiones se pueden reciclar, Si tienes un restaurante y te han sobrado filetes, los troceas y los pones como pinchos, pero no puedes reciclar los trajes y los decorados. Eso sólo lo puede hacer Moncho Borrajo.
José Luis Alonso de Santos.- Tenemos que aprender de la industria del cine, no se entienden estéticamente, pero sí industrialmente. Sin embargo en el mundo del teatro decimos "lo que hacen los demás no debería hacerse".
Cristina Rota.- Si hay sólo 5 euros y hay que repartir entre todos, se pelean como carroñeros. En el cine es más fácil llevarse bien porque hay más dinero. Además, en los premios de teatro debería haber dignidad y respeto. Imagina que en los Premios Goya faltara una película en los listados y no se la pudiera votar; sería un gran escándalo. Hay premios de teatro en los que no se nos respeta de la misma manera. En los premios debe participar todo el mundo, quienes crean los premios deben ser respetuosos. No puedes dejar obras fuera.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Ediciones Irreverentes y la revista El Espectáculo Teatral han creado un premio de teatro en el que no se dan un premio en metálico al ganador, sino que se publica la obra, se pagan derechos de autor y se van a repartir varios cientos de ejemplares de la obra entre productores teatrales, teatros, redes, etc. ¿Os parece una buena idea para un premio?
Juan Carlos Naya.- Me parece una idea genial, me pienso presentar.
José Luis Alonso de Santos.- A mí me parece muy buena idea. Es un acto de resistencia cultural de dos empresas privadas que quieren ayudar al teatro a resistir. Lo mejor que te puede pasar no es que te paguen por un premio, sino que faciliten que tu obra se lleve a escena.
Cristina Rota.- Nosotros hacemos también un premio sin dotación, y vuestro planteamiento me parece muy bueno. Es más, nos gustaría tener acceso a las obras finalistas, poder leerlas, porque estos premios deben servir sobre todo para poder facilitar el montaje de obras nuevas.
Margarita Piñero.- A mí la idea del Premio El Espectáculo Teatral me parece genial. Que pueda haber autores noveles o no consagrados que vean su obra representada y difundida entre compañías y productores me parece la mejor ayuda al teatro.
La Tertulia de El Espectáculo Teatral
La revista El Espectáculo Teatral reunió a José Luis Alonso de Santos; la productora, directora y actriz Cristina Rota, agraviada por la SGAE al no incluirse en las listas de los Premios Max ninguna obra del Centro de Nuevos Creadores; Margarita Piñero, profesora de Escritura y Ciencias Teatrales de la RESAD y gran conocedora de los problemas de los dramaturgos jóvenes, y Juan Carlos Naya, productor teatral y actor, con la obra en cartel Marlénla para hablar de los Premios en el teatro al autor español más galardonado. Las dudas se plantearon sobre la mesa; ¿Los premios se dan al ganador o sirven para hacer una foto al organizador? ¿Es más útil el premio con dotación económica o el que sirve para llevar a escena una obra? ¿Debería apostarse más por los premios para jóvenes y menos por los premios para autores consagrados?
Cristina Rota- Para mí, los premios deben servir para promocionar el Teatro. Con la diversidad de trabajadores tan grande que hay en el teatro, es difícil decir que un premio sea justo. Es necesario que los premisos sirvan para dar difusión al teatro, pero eso no suplante una falta de política cultural. Mira los Oscar en el cine… ya no importa tanto la obra, es una distorsión de la realidad. Se invierte muchísimo en publicidad para conseguir un premio. En cuanto a los premios de Teatro; ¿Cómo vas a comparar Yo Claudio con una comedia? O a actores que hacen una comedia con quienes interpretan un drama. Los premios llevan a una perversión; sirven para promocionar, pero no lo más promocionado es necesariamente lo mejor. He ido mucho por provincias y en España se están haciendo cosas impresionantes que nunca son premiados. He estado en jurados de premiso y la consigna es "demos el premio a alguien conocido".
Juan Carlos Naya- El Premio Chivas se lo quisieron dar a Albert Boadella, pero él no quiso ser premiado, y quisieron cubrir el expediente dándole el premio a Nacho Duato. Lo que más se valora en estos premiso es la foto.
Cristina Rota- Las consignas son perversas, siempre se premia a los mismo.
Juan Carlos Naya- los premios deberían darse a gente desconocida.
Cristina Rota -Hay que premiar el arte, la creación, no hacer premios individuales.
Juan Carlos Naya- Lo mejor de los premios es la reunión con los compañeros. Me satisface mucho, aunque no siempre. En los premio Mayte me aburro mucho. Deberían ser más festivos.
EL ESPECTACULO TEATRAL- José Luis, sus obras son las más premiadas en España.
José Luis Alonso de Santos- Yo estoy al margen de éxitos y fracasos. No lucho por ello. Me gusta recibir premios, como a casi todo el mundo, pero no hago nada por conseguirlo. Creo que los premios teatrales sirven para luchar contra un medio hostil. Ya el teatro es un acto de resistencia contra la marginalidad. Los premios se dan a quienes te caen bien; lo mejor es no hacer caso a lo que piensan unos señores de un jurado, sino a tus propios gustos. No hay selecciones justas, no podemos marcar un canon. Un premio no es la palabra de Dios… porque Dios no existe.
Juan Carlos Naya.- Pero en los premios de teatro no se ven todas las obras. Y en los de novela se leen todas las novelas.
José Luis Alonso de Santos.- Yo he estado de jurado, y se leen 10 que te seleccionan entre 300. Te puedo decir que nunca he estado en un jurado que no haya sido honorable. Aunque no haya coincidido con sus gustos.
Cristina Rota.- Yo me pongo en el sitio de la diversidad, y por eso he hablado de los premios de Yo, Claudio, que por cierto es una obra extraordinaria. Pero había comedias que no podían compararse. ¿Cómo se iban a comparar? Creo que el dinero que se invierte en los premios debería usarse con más rigor.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- ¿Y para los jóvenes son útiles los premios?
Margarita Piñero.- Creo que es muy diferente un premio para un autor consagrado que para un joven que estudia dramaturgia. Para el autor joven puede ser decisivo, ser un estímulo para decidir dedicarse a esta profesión. Para un autor joven un premio es clave, no tanto el dinero, como el estímulo que recibe y que le lleva a decir "puedo dedicarme a esto". Mejor que darle dinero es ayudarle a llevar el espectáculo a escena, ayudarle en la producción de la obra.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Así pues, mejor que dar una manzana de premio a un montaje de éxito, darle dinero a los buenos montajes.
Juan Carlos Naya.- He producido Marlén, que está actualmente en cartelera, he producido cortometrajes, teatro… y nunca he conseguido ninguna subvención. Marlén ha salido sola, sin ayudas: creo más que la ayuda al montaje, en la ayuda económica posterior, hacer el producto y luego apoyarlo.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- ¿Sería bueno que los profesionales separaran más lo que es la creación artística de la labor empresarial?
José Luis Alonso de Santos.- Hay que diferenciar entre lo ideal y lo real. Lo ideal es hacer tu obra de arte sin entrar en el mercado. Ese es el ideal, pero tienes facturas que pagar todos los meses. A lo largo de la historia del arte hay una relación entre el arte y el dinero. Miguel Angel lo tenía, si no, no se hubiera podido dedicar a hacer su obra. La cuestión es de donde viene el dinero. He estado en congresos en los que los compañeros decían "no nos vendemos" y yo quería saber quién estaba interesado en comprarnos. Es imposible hacer teatro sin un apoyo industrial. El error de la gente de teatro al hablar con la Administración es decir "el teatro no es una industria"… los políticos encantados. Se van a dar el dinero a otra industria.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Con Yo, Claudio, unió calidad, público y premios
José Luis Alonso de Santos.- Mi caso es diferente, porque llevo más de veinte años en el mundo de teatro, estreno la semana que viene en Roma…los premios sirven para la gente joven, para atravesar el muro que te separa de la nada, que te separa de la profesión. Premios como el que habéis creado, El Espectáculo teatral, son magníficos, porque pueden servir para que autores noveles se den a conocer y puedan mostrar su trabajo a los lectores y por qué no, al público.
Cristina Rota.- Nosotros habíamos instituido un premio en el Centro, a la dramaturgia, pero no montaban nada, porque no sabían qué hacer. Ya no hay premio; se escoge una obra, se les da una millón y medio de pesetas, se les proporciona el equipo de gestión, y están obligados a montar la obra, si no lo hacen, no reciben nada. Se pasan dos o tres meses montando su obra; eso sí es un premio. La gente espera que las obras estén subvencionadas y no es así, lo primero que hay que hacer es aprender a gestionar un montaje.
Margarita Piñero.- Ha sido así desde las primeras obras teatrales. Plauto escribía sus obras y se las producía.
José Luis Alonso de Santos.- Y Shakespeare
Cristina Rota.- Y si no haces, la Administración te dice. ¿Vas a gestionar tú? Te vas a degradar, va a emplear las energías que necesitas para tu obra en otras cosas.
Margarita Piñero.- Yo he hablado de Plauto por mencionar uno de los primeros casos. En la RESAD tengo alumnos de dramaturgia y esa es mi lucha… los jóvenes dramaturgos no saben cómo llevar su texto a escena, cómo producirlo. Los alumnos de dramaturgia deben estar en contacto constante con la producción.
Cristina Rota.- Yo tengo un teatro para que los estudiantes hagan prácticas, porque si no las hacen, la enseñanza en un guetto. El autor joven cree que es un genio, pero cuando lucha contra la realidad de un montaje se queda paralizado.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Dada la situación de teatro y viendo que los actuales premios, basados en la publicidad no son lo mejor. ¿Qué premios y para quién?
Margarita Piñero.- En mi terreno, el de los jóvenes dramaturgos, los premios están muy bien y son un estímulo muy necesario. Y sobre todo, son muy importantes si ayudan a producir las obras.
José Luis Alonso de Santos.- De joven recibí algún premio que estaba muy bien, como el de la editorial Aguilar, que me dio todo su fondo. ¡Era un camión de libro! Yo era pobre entonces y no tenía ni para comprar libros. Me vino fenomenal. Otro premio muy útil fue una beca de un año para estudiar en recia con todos los grandes directores griegos. Hice Antígonas, Electras… Los pianistas en España saben que hasta que no van a estudiar a Moscú no son nada. Los premios deben ser así.
Juan Carlos Naya.- Debería haber premios que fueran una celebración, sin dinero, sin publicidad, sólo decirte que lo has hecho bien. Darte un beso sería un buen premio. Debería haber premiso que fueran ayudas; tras treinta años haciendo clásicos, contemporáneos, me gustaría recibir un premio que fuera montarme una gira. Hay gente a la que el calvario que pasa para hacer una producción le retira.
José Luis Alonso de Santos.- Sólo hay un 10% de quienes se dedican al teatro que aguantan. Para el resto es agobiante.
Juan Carlos Naya.- En otras industrias las inversiones se pueden reciclar, Si tienes un restaurante y te han sobrado filetes, los troceas y los pones como pinchos, pero no puedes reciclar los trajes y los decorados. Eso sólo lo puede hacer Moncho Borrajo.
José Luis Alonso de Santos.- Tenemos que aprender de la industria del cine, no se entienden estéticamente, pero sí industrialmente. Sin embargo en el mundo del teatro decimos "lo que hacen los demás no debería hacerse".
Cristina Rota.- Si hay sólo 5 euros y hay que repartir entre todos, se pelean como carroñeros. En el cine es más fácil llevarse bien porque hay más dinero. Además, en los premios de teatro debería haber dignidad y respeto. Imagina que en los Premios Goya faltara una película en los listados y no se la pudiera votar; sería un gran escándalo. Hay premios de teatro en los que no se nos respeta de la misma manera. En los premios debe participar todo el mundo, quienes crean los premios deben ser respetuosos. No puedes dejar obras fuera.
EL ESPECTACULO TEATRAL.- Ediciones Irreverentes y la revista El Espectáculo Teatral han creado un premio de teatro en el que no se dan un premio en metálico al ganador, sino que se publica la obra, se pagan derechos de autor y se van a repartir varios cientos de ejemplares de la obra entre productores teatrales, teatros, redes, etc. ¿Os parece una buena idea para un premio?
Juan Carlos Naya.- Me parece una idea genial, me pienso presentar.
José Luis Alonso de Santos.- A mí me parece muy buena idea. Es un acto de resistencia cultural de dos empresas privadas que quieren ayudar al teatro a resistir. Lo mejor que te puede pasar no es que te paguen por un premio, sino que faciliten que tu obra se lleve a escena.
Cristina Rota.- Nosotros hacemos también un premio sin dotación, y vuestro planteamiento me parece muy bueno. Es más, nos gustaría tener acceso a las obras finalistas, poder leerlas, porque estos premios deben servir sobre todo para poder facilitar el montaje de obras nuevas.
Margarita Piñero.- A mí la idea del Premio El Espectáculo Teatral me parece genial. Que pueda haber autores noveles o no consagrados que vean su obra representada y difundida entre compañías y productores me parece la mejor ayuda al teatro.
UNA IDEA HACE DESPARECER TODA UNA VIDA
En el primer trimestre de 2007, las nuevas instalaciones de la Villa Cultural de Prado entrarán en funcionamiento, cumpliendo un proyecto cuyo autor ha sido Ricardo Bofill, después de que su propuesta resultara ganadora en el concurso de ideas convocado en 2001. La apertura de este nuevo centro trae consigo la desaparición de la Escuela de Arte Dramático de Valladolid, después de 25 años impartiendo clases y experiencia.
La Villa Cultural de Prado acogerá tres edificios, articulados entre sí: un Auditorio con 2.200 plazas, que contará además con la futura sede de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, un Auditorio para música de cámara, junto con Conservatorio Profesional de Música de Valladolid –su titularidad es de la Junta de Castilla y León–, y la Escuela Superior de Arte Dramático, la Escuela Profesional de Danza y el teatro experimental.
El edificio dispondrá de 1.800 metros cuadrados para las tres salas; una biblioteca, videoteca y fonoteca de 660 metros cuadrados; la plaza cubierta del Auditorio, que se extenderá a lo largo de 1.000 metros cuadrados; otra plaza, también cubierta, pero esta vez en la Escuela de Arte Dramático, con 800 metros cuadrados; un área de exposiciones de 650; dos cafeterías; un restaurante de 500 metros cuadrados; 350 plazas de aparcamiento subterráneos y 600 en superficie; guardarropas, instalaciones y almacenes bajo platea de los dos auditorios.
Auditorio para música sinfónica
Con una capacidad para 2.200 personas, entre plateas y palcos, y una superficie de 2.200 metros cuadrados, el Auditorio contará también con almacenes de pianos en el sótano –con montacargas y montapianos– y un almacén de instrumentos. Existirá, a su vez, un área de los músicos, donde en la planta baja habrá una plaza de descanso para estos profesionales, archivo y almacén de partituras, camerinos para compañías externas, colectivos e individuales –con sala de prensa y salón de descanso–, enfermería, salas de ensayo de percusión y de cámara, y el acceso a escena. En la planta primera, más camerinos colectivos y los aseos.
Sede de la Orquesta
Se repartirá en tres plantas. A través de la más baja se accede a la sede y a la zona de músicos. En la primera se encontrará la sala de prensa, de juntas, almacén y aseos, y en la segunda, la sala de
recepción a la sede, las oficinas de dirección, los despachos, la sala multiusos y otra de protocolo.
Auditorio para música de cámara
Contará con una capacidad para 494 personas, con una superficie de 950 metros cuadrados, con un acceso desde el Conservatorio para audiciones de alumnos y otro al Auditorio –desde los camerinos individuales–.
Conservatorio profesional
Se extenderá a lo largo de cinco plantas. En la baja se encontrarán las aulas de enseñanza teórica e instrumental individual, el archivo, la sala polivalente y el almacén. En la primera, una zona de administración dispondrá de despachos para sus responsables y la sala de profesores, pero además, en ella se ubicarán las aulas de enseñanza teórica e instrumental individual y una sala polivalente.
Una realidad bajo las ‘Ondas’
Aunque hay que retroceder en el tiempo, conviene recordar que en el concurso de ideas convocado por la Junta de Castilla y León para establecer qué equipo de arquitectos iba a hacerse cargo del proyecto de construcción del complejo Villa Cultural de Prado, fue el Taller de Arquitectura de Ricardo Bofill, con su lema ‘Ondas’, el ganador. Por este motivo, percibió 30.000 euros y la posibilidad de iniciar la tramitación de un expediente por procedimiento negociado sin publicidad del proyecto de ejecución. Hoy, todo ello ya es una realidad.
Conviene también recordar que el segundo premio recayó sobre el proyecto ‘1-2-Tres’, cuyos autores fueron los arquitectos Matilde Peralta del Amo y Pedro Morales Falmouth, ambos procedentes de Madrid.
A su vez, el jurado de aquel concurso concedió tres accesit para el proyecto bautizado con el nombre de ‘Astaire’, del equipo vallisoletano formado por Julio y Alberto Grijalba, Paloma Gil, Eduardo Carazo y Víctor Javier Ruiz; el que se presentó como ‘Lillo’, de Manuel Quitín Mula y Manuel Ángel Navalón; y ‘Sostenido’ de Pablo Cerezo y María Elena Miranda.
14 PROFESORES DE ARTE DRAMÁTICO
La convocatoria para cubrir las plazas valora la experiencia docente en otros centros de la comunidad autónoma
La Fundación para la Enseñanza de las Artes de Castilla y León (Arcyl) ha puesto en marcha el proceso de selección para cubrir las plazas de profesor de Arte Dramático de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León, que iniciará su andadura el próximo curso en el Complejo Cultural de Villa de Prado.
Este centro será el único de la comunidad autorizado por la Junta para impartir enseñanzas regladas y títulos oficiales de estudios de grado superior de Arte Dramático (cuatro años), con dos especialidades: dirección de escena y dramaturgia, e interpretación.
La escuela arrancará con catorce profesores, aunque a medida que se implanten nuevos cursos se irá ampliando también la oferta de plazas docentes. Estos profesores tendrán un contrato laboral por una duración determinada -la de las asignaturas que vayan a impartir-, pero Arcyl podrá acordar su prórroga para cursos sucesivos.
Entre los requisitos que deben cumplir los candidatos figuran los de estar en posesión del título de licenciado, ingeniero o arquitecto o titulación equivalente a efectos docentes. Asimismo, los aspirantes deberán superar una prueba que incluye la presentación de una programación didáctica -con objetivos, contenidos, metodología y criterios de evaluación de la asignatura-, con una exposición oral, y desarrollar una propuesta de temario detallado para cada asignatura.
Experiencia docente
Según el director de la Fundación Arcyl, Francisco Javier Serna, para facilitar el acceso a estas plazas a los profesores que ya están impartiendo enseñanzas de Arte Dramático en otros centros de la comunidad -como es el caso de los de la Escuela de Arte Dramático de Valladolid, que depende de un consorcio integrado por la Diputación y el Ayuntamiento-, en el baremo de valoración de méritos se tendrá en cuenta la experiencia docente, con un máximo de seis puntos.
Así, se valora con medio punto cada año de experiencia en un centro autorizado, con un máximo de dos puntos. También con medio punto cada año "en Escuelas de Teatro o similares de Castilla y León", con un máximo de tres puntos. Y con 0,25 puntos cada acción formativa que haya dirigido, impartido o en la que hayan participado, organizadas por administraciones públicas, universidades o instituciones con convenios de colaboración con la administración, con un máximo de un punto.
También serán méritos, entre otros, haber participado como intérprete o director en una obra dramática, o haber estrenado o publicado alguna, con un máximo de cinco puntos.
Los méritos suman el 30 por ciento de la puntuación total, y la prueba el 70 por ciento restante. "Este tipo de convocatorias -asegura Javier Serna- son irrenunciables, porque Arcyl es una fundación pública y tiene que actuar con los mismos procedimientos que una administración pública, porque hay leyes básicas del estado que nos obligan a ello".
CRÍTICAS
Muchos han sido los alumnos, profesores y cuidadanos de Valladolid que han trasmitido sus quejas por este nuevo proyecto. Al parece la Junta de Castilla y León han hecho caso omiso a sus peticiones. La Escuela de Arte Dramático de Valladolid lleva 25 años impartiendo clases con gran éxito.
La mayoría de sus profesores, como dicen algunos alumnos, se quedarán sin trabajo, porque no les quieren en este nuevo centro. Se quejan de que están buscando a profesores de fuera de la ciudad, incluso de la Comunidad Autónoma cuando aquí mismo tenemos a unos buenos profesionales. El artículo de opinión de Jesús Anta Roca, columnista de El Diario de Valladolid, expresa su valoración en el artículo: “Acabar con la frente marchita”. Y los alumnos y profesores en “Réquiem por una escuela de teatro”.
La Villa Cultural de Prado acogerá tres edificios, articulados entre sí: un Auditorio con 2.200 plazas, que contará además con la futura sede de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, un Auditorio para música de cámara, junto con Conservatorio Profesional de Música de Valladolid –su titularidad es de la Junta de Castilla y León–, y la Escuela Superior de Arte Dramático, la Escuela Profesional de Danza y el teatro experimental.El edificio dispondrá de 1.800 metros cuadrados para las tres salas; una biblioteca, videoteca y fonoteca de 660 metros cuadrados; la plaza cubierta del Auditorio, que se extenderá a lo largo de 1.000 metros cuadrados; otra plaza, también cubierta, pero esta vez en la Escuela de Arte Dramático, con 800 metros cuadrados; un área de exposiciones de 650; dos cafeterías; un restaurante de 500 metros cuadrados; 350 plazas de aparcamiento subterráneos y 600 en superficie; guardarropas, instalaciones y almacenes bajo platea de los dos auditorios.
Auditorio para música sinfónica
Con una capacidad para 2.200 personas, entre plateas y palcos, y una superficie de 2.200 metros cuadrados, el Auditorio contará también con almacenes de pianos en el sótano –con montacargas y montapianos– y un almacén de instrumentos. Existirá, a su vez, un área de los músicos, donde en la planta baja habrá una plaza de descanso para estos profesionales, archivo y almacén de partituras, camerinos para compañías externas, colectivos e individuales –con sala de prensa y salón de descanso–, enfermería, salas de ensayo de percusión y de cámara, y el acceso a escena. En la planta primera, más camerinos colectivos y los aseos.
Sede de la Orquesta
Se repartirá en tres plantas. A través de la más baja se accede a la sede y a la zona de músicos. En la primera se encontrará la sala de prensa, de juntas, almacén y aseos, y en la segunda, la sala de
recepción a la sede, las oficinas de dirección, los despachos, la sala multiusos y otra de protocolo.
Auditorio para música de cámara
Contará con una capacidad para 494 personas, con una superficie de 950 metros cuadrados, con un acceso desde el Conservatorio para audiciones de alumnos y otro al Auditorio –desde los camerinos individuales–.
Conservatorio profesional
Se extenderá a lo largo de cinco plantas. En la baja se encontrarán las aulas de enseñanza teórica e instrumental individual, el archivo, la sala polivalente y el almacén. En la primera, una zona de administración dispondrá de despachos para sus responsables y la sala de profesores, pero además, en ella se ubicarán las aulas de enseñanza teórica e instrumental individual y una sala polivalente.
Una realidad bajo las ‘Ondas’
Aunque hay que retroceder en el tiempo, conviene recordar que en el concurso de ideas convocado por la Junta de Castilla y León para establecer qué equipo de arquitectos iba a hacerse cargo del proyecto de construcción del complejo Villa Cultural de Prado, fue el Taller de Arquitectura de Ricardo Bofill, con su lema ‘Ondas’, el ganador. Por este motivo, percibió 30.000 euros y la posibilidad de iniciar la tramitación de un expediente por procedimiento negociado sin publicidad del proyecto de ejecución. Hoy, todo ello ya es una realidad.
Conviene también recordar que el segundo premio recayó sobre el proyecto ‘1-2-Tres’, cuyos autores fueron los arquitectos Matilde Peralta del Amo y Pedro Morales Falmouth, ambos procedentes de Madrid.
A su vez, el jurado de aquel concurso concedió tres accesit para el proyecto bautizado con el nombre de ‘Astaire’, del equipo vallisoletano formado por Julio y Alberto Grijalba, Paloma Gil, Eduardo Carazo y Víctor Javier Ruiz; el que se presentó como ‘Lillo’, de Manuel Quitín Mula y Manuel Ángel Navalón; y ‘Sostenido’ de Pablo Cerezo y María Elena Miranda.
14 PROFESORES DE ARTE DRAMÁTICO
La convocatoria para cubrir las plazas valora la experiencia docente en otros centros de la comunidad autónoma
La Fundación para la Enseñanza de las Artes de Castilla y León (Arcyl) ha puesto en marcha el proceso de selección para cubrir las plazas de profesor de Arte Dramático de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León, que iniciará su andadura el próximo curso en el Complejo Cultural de Villa de Prado.
Este centro será el único de la comunidad autorizado por la Junta para impartir enseñanzas regladas y títulos oficiales de estudios de grado superior de Arte Dramático (cuatro años), con dos especialidades: dirección de escena y dramaturgia, e interpretación.
La escuela arrancará con catorce profesores, aunque a medida que se implanten nuevos cursos se irá ampliando también la oferta de plazas docentes. Estos profesores tendrán un contrato laboral por una duración determinada -la de las asignaturas que vayan a impartir-, pero Arcyl podrá acordar su prórroga para cursos sucesivos.
Entre los requisitos que deben cumplir los candidatos figuran los de estar en posesión del título de licenciado, ingeniero o arquitecto o titulación equivalente a efectos docentes. Asimismo, los aspirantes deberán superar una prueba que incluye la presentación de una programación didáctica -con objetivos, contenidos, metodología y criterios de evaluación de la asignatura-, con una exposición oral, y desarrollar una propuesta de temario detallado para cada asignatura.
Experiencia docente
Según el director de la Fundación Arcyl, Francisco Javier Serna, para facilitar el acceso a estas plazas a los profesores que ya están impartiendo enseñanzas de Arte Dramático en otros centros de la comunidad -como es el caso de los de la Escuela de Arte Dramático de Valladolid, que depende de un consorcio integrado por la Diputación y el Ayuntamiento-, en el baremo de valoración de méritos se tendrá en cuenta la experiencia docente, con un máximo de seis puntos.
Así, se valora con medio punto cada año de experiencia en un centro autorizado, con un máximo de dos puntos. También con medio punto cada año "en Escuelas de Teatro o similares de Castilla y León", con un máximo de tres puntos. Y con 0,25 puntos cada acción formativa que haya dirigido, impartido o en la que hayan participado, organizadas por administraciones públicas, universidades o instituciones con convenios de colaboración con la administración, con un máximo de un punto.
También serán méritos, entre otros, haber participado como intérprete o director en una obra dramática, o haber estrenado o publicado alguna, con un máximo de cinco puntos.
Los méritos suman el 30 por ciento de la puntuación total, y la prueba el 70 por ciento restante. "Este tipo de convocatorias -asegura Javier Serna- son irrenunciables, porque Arcyl es una fundación pública y tiene que actuar con los mismos procedimientos que una administración pública, porque hay leyes básicas del estado que nos obligan a ello".
CRÍTICAS
Muchos han sido los alumnos, profesores y cuidadanos de Valladolid que han trasmitido sus quejas por este nuevo proyecto. Al parece la Junta de Castilla y León han hecho caso omiso a sus peticiones. La Escuela de Arte Dramático de Valladolid lleva 25 años impartiendo clases con gran éxito.
La mayoría de sus profesores, como dicen algunos alumnos, se quedarán sin trabajo, porque no les quieren en este nuevo centro. Se quejan de que están buscando a profesores de fuera de la ciudad, incluso de la Comunidad Autónoma cuando aquí mismo tenemos a unos buenos profesionales. El artículo de opinión de Jesús Anta Roca, columnista de El Diario de Valladolid, expresa su valoración en el artículo: “Acabar con la frente marchita”. Y los alumnos y profesores en “Réquiem por una escuela de teatro”.
Aprender inglés bajo las nociones del teatro
Aprender inglés de forma diferente es posible. Marsillanch Acting Academy Madrid lo ha hecho posible. La directora Cristina Marsillanch nos cuenta qué es este nuevo proyecto.
¿ Qué es Marsillach Acting Academy?
Básicamente consiste en aprender Inglés utilizando las técnicas que te proporciona el teatro. Está enfocada a la integración de los conocimientos lingüísticos como es la fonética, la sintaxis, la escritura y el léxico con las herramientas teatrales como son la entonación, el movimiento escénico y todo lo que hay detrás de una obra de teatro además de lo que es propiamente la interpretación: iluminación, vestuario, decorados, dirección, el regidor....un trabajo/proyecto en común que requiere de la colaboración y el "compromise" de todos antes del estreno. iY en inglés claro!
¿ Cómo surgió la idea?
Es un hecho que los métodos tradicionales no funcionan al cien por cien. Según un estudio, tan solo uno de cada cinco españoles puede comunicarse en este idioma. A partir de estos resultados se me ocurrió que el Teatro, que es para mí como mi segunda piel por tradición familiar y personal, podía aportar lo que los métodos tradicionales de aprendizaje carecen: imaginación y comunicación en acción.
¿ El teatro, es tan solo diversión?
No. El teatro es también una institución cultural que debe despertar en el hombre y en el niño pensamientos a el mundo en el que vivimos y del mundo que imaginamos. Las actividades dramáticas proporcionan a un idioma como el ingles, atención, concentración y estímulo continuo por el entusiasmo que crean las situaciones que proporcionan los autores clásicos y contemporáneos con los que trabajamos.
¿ No estará convirtiendo el estudio del inglés en un recreo?
En absoluto. La risa ayuda al estudiante a relajarse y soltarse, permitiéndole utilizar recursos lingüísticos que no utilizaría en un ambiente más formal, como un aula tradicional. Por otra parte las clases están formadas por un máximo de doce alumnos y tienen un contenido muy estudiado para conseguir óptimos resultados para el alumno-actor.
¿ Cuál es para ti el mayor autor teatral de todos los tiempos?
Shakespeare.
¿ Qué es Marsillach Acting Academy?
Básicamente consiste en aprender Inglés utilizando las técnicas que te proporciona el teatro. Está enfocada a la integración de los conocimientos lingüísticos como es la fonética, la sintaxis, la escritura y el léxico con las herramientas teatrales como son la entonación, el movimiento escénico y todo lo que hay detrás de una obra de teatro además de lo que es propiamente la interpretación: iluminación, vestuario, decorados, dirección, el regidor....un trabajo/proyecto en común que requiere de la colaboración y el "compromise" de todos antes del estreno. iY en inglés claro!
¿ Cómo surgió la idea?
Es un hecho que los métodos tradicionales no funcionan al cien por cien. Según un estudio, tan solo uno de cada cinco españoles puede comunicarse en este idioma. A partir de estos resultados se me ocurrió que el Teatro, que es para mí como mi segunda piel por tradición familiar y personal, podía aportar lo que los métodos tradicionales de aprendizaje carecen: imaginación y comunicación en acción.
¿ El teatro, es tan solo diversión?
No. El teatro es también una institución cultural que debe despertar en el hombre y en el niño pensamientos a el mundo en el que vivimos y del mundo que imaginamos. Las actividades dramáticas proporcionan a un idioma como el ingles, atención, concentración y estímulo continuo por el entusiasmo que crean las situaciones que proporcionan los autores clásicos y contemporáneos con los que trabajamos.
¿ No estará convirtiendo el estudio del inglés en un recreo?
En absoluto. La risa ayuda al estudiante a relajarse y soltarse, permitiéndole utilizar recursos lingüísticos que no utilizaría en un ambiente más formal, como un aula tradicional. Por otra parte las clases están formadas por un máximo de doce alumnos y tienen un contenido muy estudiado para conseguir óptimos resultados para el alumno-actor.
¿ Cuál es para ti el mayor autor teatral de todos los tiempos?
Shakespeare.
Jugando a actuar
Los niños ya no quieren jugar al futbol, ni a baloncesto. Las niñas ya no juegan con las muñecas, no quieren hacer voleibol, gimnasia ni baile. Ahora quien actuar!
La Escuela de Teatro y Artes Escénicas de Huelva ofrece clases de teatro a los niños. El taller de Teatro Infantil, creado por Virginia Moraga, es un espacio dirigido a niños y niñas en el que por medio del juego dramático se introducirá en el mundo de la interpretación desarrollando su imaginación y capacidad creadora. Las clases están centradas en que cada niño se exprese, comparta, opine, actúe, se comunique, cree lazos con sus compañeros y respete el trabajo del otro, para crear un equio el cual trabajará en conjunto para lograr una meta: un montaje teatral.
El departamento de producción ofrece sus eventos dirigidos tanto a personas mayores como a jóvenes y niños. Cumpleaños, comuniones, fiestas temáticas, de disfraces, aniversarios, participación, pasacalles, festivales, ect...
La escuela teatral de Virginia Moraga ofrece un espacio dirigido a la formación y desarrollo integral de sus alumnos. Este servicio es apto tanto para particulares como para colegios, empresas privadas, asociaciones, etc... organizando muestras teatrales y al mismo tiempo fomentando la cultura entretenida. La escuela de teatro cuenta con cursos monográficos de Arte Escénico y talleres impartidos por profesionales del medio.
La Escuela de Teatro y Artes Escénicas de Huelva ofrece clases de teatro a los niños. El taller de Teatro Infantil, creado por Virginia Moraga, es un espacio dirigido a niños y niñas en el que por medio del juego dramático se introducirá en el mundo de la interpretación desarrollando su imaginación y capacidad creadora. Las clases están centradas en que cada niño se exprese, comparta, opine, actúe, se comunique, cree lazos con sus compañeros y respete el trabajo del otro, para crear un equio el cual trabajará en conjunto para lograr una meta: un montaje teatral.
El departamento de producción ofrece sus eventos dirigidos tanto a personas mayores como a jóvenes y niños. Cumpleaños, comuniones, fiestas temáticas, de disfraces, aniversarios, participación, pasacalles, festivales, ect...
La escuela teatral de Virginia Moraga ofrece un espacio dirigido a la formación y desarrollo integral de sus alumnos. Este servicio es apto tanto para particulares como para colegios, empresas privadas, asociaciones, etc... organizando muestras teatrales y al mismo tiempo fomentando la cultura entretenida. La escuela de teatro cuenta con cursos monográficos de Arte Escénico y talleres impartidos por profesionales del medio.
Una productora con su propia Escuela
No se puede poner más fácil. Los alumnos de esta escuela deben de sentirse provilegiados, no todos tienen las puertas del mundo de la interpreación tan abiertas.
Cemar Producciones nació hace ocho años con el objetivo de realizar producciones de teatro y espectáculos, además de formar nuevos actores a través de su Escuela de Arte Dramático "Aula del Actor". Sus producciones se han representado en varios teatros de Madrid con un gran éxito y unas excelentes críticas. Durante los últimos años CERMAR Producciones también ha realizado producciones de Espectáculos y Musicales concevidos expresamente para eventos empresariales. Y también ofrece "Seminarios de interpretación para ejecutivos, políticos, etc.," para mejorar la dicción, el discurso y la expresión corporal, y Seminarios de Psico-Drama destinados a la eliminación del estrés, a la desinhibición, la mejora del trabajo en equipo, etc. Su equipo cuenta con profesionales del medio de gran experiencia, entre los que cabe destacar como actores y Directores de Escena a Manuel Galiana y Concha Goyanes.
La Escuela "Aula del actor" pretende ser un trampolin para los actores que se incorporen a este centro. Al contar con la productora Cermar les ofrece a los alumnos la posibilidad de pertenecer a ella, actuar e introducirles en el mundo profesional del cine, el teatro y la television. También cuenta con una bolsa de trabajo en la que informan de todos los castings, programas, obras, series... que ofrece el mundo profesional y del aficionado.
La Escuela tiene dos compañías de teatro. Una para los aficionados, Compañía de teatro de Aficionado, y la otra para los profesionales, Compañía Profesional de Teatro. En la primera da la oportunidad a los alumnos a subirse a los escenarios por primera vez, y la segunda pone obras en cartel con sus propios actores.
Cemar Producciones nació hace ocho años con el objetivo de realizar producciones de teatro y espectáculos, además de formar nuevos actores a través de su Escuela de Arte Dramático "Aula del Actor". Sus producciones se han representado en varios teatros de Madrid con un gran éxito y unas excelentes críticas. Durante los últimos años CERMAR Producciones también ha realizado producciones de Espectáculos y Musicales concevidos expresamente para eventos empresariales. Y también ofrece "Seminarios de interpretación para ejecutivos, políticos, etc.," para mejorar la dicción, el discurso y la expresión corporal, y Seminarios de Psico-Drama destinados a la eliminación del estrés, a la desinhibición, la mejora del trabajo en equipo, etc. Su equipo cuenta con profesionales del medio de gran experiencia, entre los que cabe destacar como actores y Directores de Escena a Manuel Galiana y Concha Goyanes.
La Escuela "Aula del actor" pretende ser un trampolin para los actores que se incorporen a este centro. Al contar con la productora Cermar les ofrece a los alumnos la posibilidad de pertenecer a ella, actuar e introducirles en el mundo profesional del cine, el teatro y la television. También cuenta con una bolsa de trabajo en la que informan de todos los castings, programas, obras, series... que ofrece el mundo profesional y del aficionado.
La Escuela tiene dos compañías de teatro. Una para los aficionados, Compañía de teatro de Aficionado, y la otra para los profesionales, Compañía Profesional de Teatro. En la primera da la oportunidad a los alumnos a subirse a los escenarios por primera vez, y la segunda pone obras en cartel con sus propios actores.
Dos programas sociales en un mismo proyecto
La Obra Social Caja Madrid ha creado un proyecto sensible a programas artísticos educativos que participa activamente en los programas de Trasteatro desde la primera convocatoria.
El proyecto de La Obra Social de Caja Madrid se llama Entra en escena. Es un programa de formación, estímulo y acercamiento a la práctica escénica, que ofrece una dobrle oportunidad: disfrutar con un espectáculo de calidad y participar en un certamen de teatro joven. En 2004 decide dar un nuevo impulso y apostar firmemente por un programa de formación teatral de profesores y alumnos que estimulara en las aulas la practica de un teatro de creación, nacido de la expresió genuina de los jóvenes de hoy. Hasta el momento se han realizado con gran participación e interés de alumnos, profesores y padres, dos ediciones.
Trasteatro: al teatro, dale la vuelta al teatro. Un proyecto diferente que trata de provocar en los jóvenes afición por el teatro. Su pricipal fin es que los jóvenes conozcan el teatro por dentro, desde el texto dramático hasta la representación, pasando por la creación del personaje, la puesta en escena, la dirección y los distintos recursos escénicos. Este proyecto está diseñado para la Dirección General de Promoción Cultural y Deportes de la Comunidad de Madrid. Es una campaña de formación, estímulo, y acercamiento a la práctica escénica. Ofrece la oportunidad de disfrutar con un espectáculo de calidad, participando en el análisis activo del proceso de creación. Con este proyecto los creadores se proponen que los jóvenes miren al teatro desde otro lado: comprendiendo el texto dramático y a su autor, aprendiendo cómo se construye un personaje y conociendo los elementos que forman parte de la puesta en escena. En definitiva, pretenden aumentar su audiencia entre los jóvenes de 12 a 19 años. Hasta el momento se han realizado 6 ediciones a partir de las obras: Bodas de Sangre de F. García Lorca, El sueño de una noche de verano de. Shakespeare, Laberinto de amor de M. Cervantes versión Raúl de Tomás.
Todo esto forma parte de la plataforma de proyectos escénicos Guindalera. A través de este departamento realizan trabajos a la carta en el sector de la pedagogía y el desarrollo de audiencias para instituciones privadas y públicas.
Guindalera es un proyecto impulsado y dirigido por Teresa Valentin-Gamazo y Juan Pastor. Surge de la colaboración entre dos organizaciones: la Asociación Cultural (Plataforma de Artes Escénicas) Escena Abierta constituida en 1996 y la compañía de Teatro Guindalera TC SL creada en 1994. En septiembre de 2003 abren un singular espacio escénico en "La Guindalera", pequeño anexo del barrio de Salamanca, en Madrid. Es un Centro de creación, formación y desarrollo de proyectos escénicos que acoge: una compañía estable de teatro, una sala de teatro, un estudio de actores y una plataforma de proyectos.
La Compañía Guindalera aglutina a un equipo de actores y gestores que acumulan años de trabajo en común y entre los que existe una sintonía en la forma de abordar el hecho teatral. Presenta sus montajes de forma periódica en la Sala, realiza giras por otros Teatros y desarrolla proyectos de encargo para otras Instituciones, alternando su trabajo de actores y creadores con la docencia.
El proyecto de La Obra Social de Caja Madrid se llama Entra en escena. Es un programa de formación, estímulo y acercamiento a la práctica escénica, que ofrece una dobrle oportunidad: disfrutar con un espectáculo de calidad y participar en un certamen de teatro joven. En 2004 decide dar un nuevo impulso y apostar firmemente por un programa de formación teatral de profesores y alumnos que estimulara en las aulas la practica de un teatro de creación, nacido de la expresió genuina de los jóvenes de hoy. Hasta el momento se han realizado con gran participación e interés de alumnos, profesores y padres, dos ediciones.
Trasteatro: al teatro, dale la vuelta al teatro. Un proyecto diferente que trata de provocar en los jóvenes afición por el teatro. Su pricipal fin es que los jóvenes conozcan el teatro por dentro, desde el texto dramático hasta la representación, pasando por la creación del personaje, la puesta en escena, la dirección y los distintos recursos escénicos. Este proyecto está diseñado para la Dirección General de Promoción Cultural y Deportes de la Comunidad de Madrid. Es una campaña de formación, estímulo, y acercamiento a la práctica escénica. Ofrece la oportunidad de disfrutar con un espectáculo de calidad, participando en el análisis activo del proceso de creación. Con este proyecto los creadores se proponen que los jóvenes miren al teatro desde otro lado: comprendiendo el texto dramático y a su autor, aprendiendo cómo se construye un personaje y conociendo los elementos que forman parte de la puesta en escena. En definitiva, pretenden aumentar su audiencia entre los jóvenes de 12 a 19 años. Hasta el momento se han realizado 6 ediciones a partir de las obras: Bodas de Sangre de F. García Lorca, El sueño de una noche de verano de. Shakespeare, Laberinto de amor de M. Cervantes versión Raúl de Tomás.
Todo esto forma parte de la plataforma de proyectos escénicos Guindalera. A través de este departamento realizan trabajos a la carta en el sector de la pedagogía y el desarrollo de audiencias para instituciones privadas y públicas.
Guindalera es un proyecto impulsado y dirigido por Teresa Valentin-Gamazo y Juan Pastor. Surge de la colaboración entre dos organizaciones: la Asociación Cultural (Plataforma de Artes Escénicas) Escena Abierta constituida en 1996 y la compañía de Teatro Guindalera TC SL creada en 1994. En septiembre de 2003 abren un singular espacio escénico en "La Guindalera", pequeño anexo del barrio de Salamanca, en Madrid. Es un Centro de creación, formación y desarrollo de proyectos escénicos que acoge: una compañía estable de teatro, una sala de teatro, un estudio de actores y una plataforma de proyectos.La Compañía Guindalera aglutina a un equipo de actores y gestores que acumulan años de trabajo en común y entre los que existe una sintonía en la forma de abordar el hecho teatral. Presenta sus montajes de forma periódica en la Sala, realiza giras por otros Teatros y desarrolla proyectos de encargo para otras Instituciones, alternando su trabajo de actores y creadores con la docencia.
Más que una escuela de interpretación
Casi todas las escuelas de Arte Dramático sólo contemplan está formación, pero existen otras alternativas, dónde además de aprender interpretación puedes aprender a producir, dirigir, y crear espectáculos.
Esta opción te la ofrece TAI, Escuela Superior de Artes y Espectáculos. La escuela te ofrece estudiar tanto carreras como cursos, todos ellos relacionados con las artes y el espectáculo. La escuela experta en este campo con más de tres décadas de historia en las enseñanzas de las artes que despliega una intensa actividad creativa en cada curso, alumno por
alumno y prácticas tras práctica. Nació en 1975 en Madrid de las experiencias acumuludas de los fundadores, y con las ganas de transmitir todos sus conocimientos. Cada año se hacen más de 450 prácticas de cine, incluidos los directores que hace su primera pelicula de 35mm. Los actores interpretan más de una decena de piezas maestras escenificadas. Escritores, narradores y periodistas aportan nuevos títulos y más de 30 guiones tutorados. Se realizan, en otras materias, 30 proyectos de diseño escenográfico, decenas de reportajes fotográficos, proyectos gráficos y publicitarios, utilizando la mejor teconología de comunicación multimedia.
La escuela creó La FUNDACIÓN AULA -Asociación Universitaria para la difusión de las Letras y las Artes- en el año 2003.
Fue creada con el objetivo de promocionar a los jóvenes artistas que deuestran un especial talento en los campos del cine, el teatro, la fotografía, la creación multimedia, la escenografía y la literatura. Para ello la fundación aula promueve, en colaboración con instituciones públicas y privadas, proyectos culturales que sirven para divulgar sus creaciones artísticas.
Esta opción te la ofrece TAI, Escuela Superior de Artes y Espectáculos. La escuela te ofrece estudiar tanto carreras como cursos, todos ellos relacionados con las artes y el espectáculo. La escuela experta en este campo con más de tres décadas de historia en las enseñanzas de las artes que despliega una intensa actividad creativa en cada curso, alumno por
alumno y prácticas tras práctica. Nació en 1975 en Madrid de las experiencias acumuludas de los fundadores, y con las ganas de transmitir todos sus conocimientos. Cada año se hacen más de 450 prácticas de cine, incluidos los directores que hace su primera pelicula de 35mm. Los actores interpretan más de una decena de piezas maestras escenificadas. Escritores, narradores y periodistas aportan nuevos títulos y más de 30 guiones tutorados. Se realizan, en otras materias, 30 proyectos de diseño escenográfico, decenas de reportajes fotográficos, proyectos gráficos y publicitarios, utilizando la mejor teconología de comunicación multimedia. La escuela creó La FUNDACIÓN AULA -Asociación Universitaria para la difusión de las Letras y las Artes- en el año 2003.
Fue creada con el objetivo de promocionar a los jóvenes artistas que deuestran un especial talento en los campos del cine, el teatro, la fotografía, la creación multimedia, la escenografía y la literatura. Para ello la fundación aula promueve, en colaboración con instituciones públicas y privadas, proyectos culturales que sirven para divulgar sus creaciones artísticas.Un estudio lleno de profesionales
Javier Bardem, Alicia Borrachero, Silvia Abascal, Sergio Peris Mencheta, Javier Albalá, Elena Anaya, Pilar López de Ayala...Y muchos más profesionales han asistido a esta escuela.
Y no la abandonan, siguen yendo a ella. Ángela Molina, Lola
Dueñas, Gustavo Salmerón, Gabino Diego, Ernesto Alterio, Belén Rueda... siguen asistiendo a sus seminarios. Para ellos nunca se deja de aprender. Y se lo enseñan a cada alumno que pasa por aquí. Los alumnos de este centro son unos afortunados. No todos pueden tener el privilegio de actuar con un profesional de esta talla. Para ellos es todo un honor poder enseñar a los estudiantes. Y, además, les recuerdan su época de estudiante, y lo díficil que era acceder a este mundo. Les ayuda a no subirse a las nubes.
Hablamos del Estudio Corazza La Escuela fue fundada en el año 1990. El motivo principal por el que profesionales, principiantes y adolescentes acuden a las clases de este centro es por su creativo, eficaz y moderno sistema de enseñanza. También realiza cursos de reciclaje.
Los objetivos de la Escuela son: Dotar al actor de las herramientas necesarias para desarrollar su trabajo en teatro, cine y TV con seguridad y autonomía, formar un sólido criterio artístico que permita al actor realizar los procesos artísticos con libertad, respeto, profundidad y creatividad; capacitar al actor para trabajar en equipo con solidaridad, confianza y generosidad; conciencia y compromiso del Teatro, el Cine y TV en la sociedad y en el mundo.Los alumnos de cuarto curso realizan varias semanas de representaciones en espacios abiertos de Madrid, las llamadas tablas y contacto con el público. Las tablas consisten en la presentación al público de una producción teatral en las que, además de actuar, los alumnos desempeñan tares de vestuario, escenografía, atrezzo, iluminación, música, traducción... Y el contacto con el público, en donde el público participa, puesto que son ensayos con coloquio final, en los que se tiene la oportunidad de acercarse al procso creativo de los actores.
El Estudio, con su compañía teatral ha producido espectáculos en los que han participado actores profesionales junto a alumnos que dan sus primeros pasos profesionales. También ha impulsado o supervisado proyectos teatrales o cinematográficos de sus alumnos.El deseo de hacer partícipe al público de la investigación artística de la Escuela y de promover la práctica teatral de sus alumnos, exalumnos y profesionales, originó la creación de una compañía propia: Pez Luna Teatro.
Su espíritu se caracteriza por una búsqueda amplia y creativa de la calidad en la Actuación, y por un trabajo de Investigación y Creación en Equipo. Buscamos un Teatro que con medios sencillos, creativos, poéticos e imaginativos, pueda proporcionar al público un interés vivo y profundo por el material del autor, así como una reflexión inteligente sobre nuestra época. Con un objetivo claro: confrontar al espectador con un fiel reflejo de sí mismo y contagiar esa fuerza arrolladora que el Teatro hecho con verdadero amor e inteligencia puede brindar.
Juan carlos corazza y el equipo de profesores han llevado la pedagogía del estudio a otras instituciones relacionadas con el espectáculo o la enseñanza en España, Italia, Argentina, Brasil, Chile, México, Australia y Estados Unidos.
Y no la abandonan, siguen yendo a ella. Ángela Molina, Lola
Dueñas, Gustavo Salmerón, Gabino Diego, Ernesto Alterio, Belén Rueda... siguen asistiendo a sus seminarios. Para ellos nunca se deja de aprender. Y se lo enseñan a cada alumno que pasa por aquí. Los alumnos de este centro son unos afortunados. No todos pueden tener el privilegio de actuar con un profesional de esta talla. Para ellos es todo un honor poder enseñar a los estudiantes. Y, además, les recuerdan su época de estudiante, y lo díficil que era acceder a este mundo. Les ayuda a no subirse a las nubes.
Hablamos del Estudio Corazza La Escuela fue fundada en el año 1990. El motivo principal por el que profesionales, principiantes y adolescentes acuden a las clases de este centro es por su creativo, eficaz y moderno sistema de enseñanza. También realiza cursos de reciclaje. Los objetivos de la Escuela son: Dotar al actor de las herramientas necesarias para desarrollar su trabajo en teatro, cine y TV con seguridad y autonomía, formar un sólido criterio artístico que permita al actor realizar los procesos artísticos con libertad, respeto, profundidad y creatividad; capacitar al actor para trabajar en equipo con solidaridad, confianza y generosidad; conciencia y compromiso del Teatro, el Cine y TV en la sociedad y en el mundo.Los alumnos de cuarto curso realizan varias semanas de representaciones en espacios abiertos de Madrid, las llamadas tablas y contacto con el público. Las tablas consisten en la presentación al público de una producción teatral en las que, además de actuar, los alumnos desempeñan tares de vestuario, escenografía, atrezzo, iluminación, música, traducción... Y el contacto con el público, en donde el público participa, puesto que son ensayos con coloquio final, en los que se tiene la oportunidad de acercarse al procso creativo de los actores.
El Estudio, con su compañía teatral ha producido espectáculos en los que han participado actores profesionales junto a alumnos que dan sus primeros pasos profesionales. También ha impulsado o supervisado proyectos teatrales o cinematográficos de sus alumnos.El deseo de hacer partícipe al público de la investigación artística de la Escuela y de promover la práctica teatral de sus alumnos, exalumnos y profesionales, originó la creación de una compañía propia: Pez Luna Teatro.
Su espíritu se caracteriza por una búsqueda amplia y creativa de la calidad en la Actuación, y por un trabajo de Investigación y Creación en Equipo. Buscamos un Teatro que con medios sencillos, creativos, poéticos e imaginativos, pueda proporcionar al público un interés vivo y profundo por el material del autor, así como una reflexión inteligente sobre nuestra época. Con un objetivo claro: confrontar al espectador con un fiel reflejo de sí mismo y contagiar esa fuerza arrolladora que el Teatro hecho con verdadero amor e inteligencia puede brindar.
Juan carlos corazza y el equipo de profesores han llevado la pedagogía del estudio a otras instituciones relacionadas con el espectáculo o la enseñanza en España, Italia, Argentina, Brasil, Chile, México, Australia y Estados Unidos.
Las compañías de Teatro: la nueva salida de las escuelas
Dejar al alumno que imagine y cree los papeles y obras que le gustaría interpretar es uno de los nuevos servicios que ofrecen las escuelas de teatro.
El mundo de la interpretación es un mundo que está en constante cambio, siempre está buscando innovaciones para destacar y para sorprender. Los actores cada vez necesitan tener má cualidades y desarrollar muchas más capacidades que hace algunos años, y eso las escuelas lo saben. Por eso muchas son las escuelas que se han animado a crear su propia compañía de teatro. De esta forma animan a los estudiantes a crear sus obras y les da una mayor cobertura.
Una de estas escuelas ha sido la de Sandra Toral .Studio Teatro es la productora de la escuela. Y nace con el propósito de tutelar a los alumnos y animarles a la creación propia, dándoles cobertura en un marco legal. Las disciplinas stás asesoradas por cualificados profesionales de acreditada valía y renombre, tanto dentro como fuera de España. El centro da mucha importancia a la estimulación del alumnos para producir sus propias obras: piezas teatrales, guiones de cine, cortometrajes, series para la televisión y cuantas creaciones puedan serle útiles en su formación. Esta productora está asociada con otras dos: Némore producciones y Secuencia Tres producciones; y con dos Management: Lorbon&Viciana y Secuencia Tres Management.
La escuela se caracteriza por ser un centro multidisciplinar asociado a grandes empresas del sector teatral y medios audiovisuales. Es la única escuela con metodología propia y gúión pedagógico individualizado. Al estar en contacto permanente con los medios artísticos profesionales conocen las demandas y solicitudes de trabajo.
De esta manera preparan a sus alumnos en los campos en los que se mueve este mundo. Y van actualizando sus técnicas de enseñanza para adaptarse a él. Los alumnos acuden a este centro con la seguridad y confianza de la formación del mismo; individual, personalizada y adaptada a las necesidades de cada caso. La directora está pendiente de cada alumno y conoce los avances, los puntos fuertes y débiles de cada uno. Hace un seguimiento de la evolución y presta especial atención en aquellos alumnos que tengan más dificultades, para que su evolución y desarrollo sea progresivo. Su objetivo es la formáción de hombres y mujeres libres que sepan adaptarse y afrontar con serenidad y confianza su quehacer, el reto artístico para el que sean llamados.
El mundo de la interpretación es un mundo que está en constante cambio, siempre está buscando innovaciones para destacar y para sorprender. Los actores cada vez necesitan tener má cualidades y desarrollar muchas más capacidades que hace algunos años, y eso las escuelas lo saben. Por eso muchas son las escuelas que se han animado a crear su propia compañía de teatro. De esta forma animan a los estudiantes a crear sus obras y les da una mayor cobertura.
Una de estas escuelas ha sido la de Sandra Toral .Studio Teatro es la productora de la escuela. Y nace con el propósito de tutelar a los alumnos y animarles a la creación propia, dándoles cobertura en un marco legal. Las disciplinas stás asesoradas por cualificados profesionales de acreditada valía y renombre, tanto dentro como fuera de España. El centro da mucha importancia a la estimulación del alumnos para producir sus propias obras: piezas teatrales, guiones de cine, cortometrajes, series para la televisión y cuantas creaciones puedan serle útiles en su formación. Esta productora está asociada con otras dos: Némore producciones y Secuencia Tres producciones; y con dos Management: Lorbon&Viciana y Secuencia Tres Management.
La escuela se caracteriza por ser un centro multidisciplinar asociado a grandes empresas del sector teatral y medios audiovisuales. Es la única escuela con metodología propia y gúión pedagógico individualizado. Al estar en contacto permanente con los medios artísticos profesionales conocen las demandas y solicitudes de trabajo.
De esta manera preparan a sus alumnos en los campos en los que se mueve este mundo. Y van actualizando sus técnicas de enseñanza para adaptarse a él. Los alumnos acuden a este centro con la seguridad y confianza de la formación del mismo; individual, personalizada y adaptada a las necesidades de cada caso. La directora está pendiente de cada alumno y conoce los avances, los puntos fuertes y débiles de cada uno. Hace un seguimiento de la evolución y presta especial atención en aquellos alumnos que tengan más dificultades, para que su evolución y desarrollo sea progresivo. Su objetivo es la formáción de hombres y mujeres libres que sepan adaptarse y afrontar con serenidad y confianza su quehacer, el reto artístico para el que sean llamados.Un centro prestigioso lleno de éxitos
No sólo los estudiantes de interpretación actúan en las prácticas y la sala de teatro del centro, también hacen giras. Es el caso de la obra ¿Y si Dios fuera mujer?
Las actrices de esta obra son alumnas de la Escuela de Arte Dramático Plot Point. La obra ha sido representada en varias ciudades de España y el éxito ha sido rotundo. Tanto que los concejales de las mismas han agradecido la representación a la organización y han felicitado a las actrices por su profesionalidad encima del escenario y su excelente interpretación. La obra, dice Claudio Farrell del periódico La Gaceta, lo tiene todo: " un texto teatral con humor, poesía, reflexión y mensaje". El público que asistió al tetro salió encantado, con una sonrisa en la cara y comentando la magnífica obra. Muchos afirman que hacía mucho que no veían nada igual. Ahora le toca a Madrid, dónde se representará los días 11 y 13 de enero. No te lo pierdas!
El centro Plot Point abrió sus puertas hace 5 años y en tan poco tiempo se he hecho un hueco en este cerrado y competitivo mercado. Desde sus comienzos destacó por incluir el trabajo frente a cámara como el eje del trabajo de formación del actor. Y se centra en que sus alumnos desarrollen todas sus capacidades y sus talentos , permitiendo que cada uno encuentre su propio “método” de trabajo. El centro está considerado como uno de los mejores de Madrid, tanto es así que muchos directores acuden a él para buscar a sus personajes. Además ofrece la posiblidad de que el propio centro realice los castings a los directores.
En enero ofrece la posibilidad de crear un videobook de 5 encuentros del 22 al 26 de ENERO con Rodaje 3 y 4 de febrero. Un videobook es una de las herramientas más idóneas para conseguir trabajo. Cuando alguien busca actores no le vale un CV. Necesita saber lo que puedes hacer. Y el Videobook le da esa posibilidad, si está hecho profesionalmente. En los 5 encuentros el centro te ayuda a buscar tu perfil actual y a elegir las escenas que muestran tus talentos, además de darte algunos trucos para optimizar tu trabajo como actor. También pueden hacerlo los actores profesionales. Un videobook es como una tarjeta de visita, además de darte a conocer a través de él, los directores de teatro y de cine verán que puedes interpretar a personajes muy distintos y variados. Lo que hará que no te encasilles. Y es convencerá en que tú eres lo que buscan. Animate y hazte uno!!
Las actrices de esta obra son alumnas de la Escuela de Arte Dramático Plot Point. La obra ha sido representada en varias ciudades de España y el éxito ha sido rotundo. Tanto que los concejales de las mismas han agradecido la representación a la organización y han felicitado a las actrices por su profesionalidad encima del escenario y su excelente interpretación. La obra, dice Claudio Farrell del periódico La Gaceta, lo tiene todo: " un texto teatral con humor, poesía, reflexión y mensaje". El público que asistió al tetro salió encantado, con una sonrisa en la cara y comentando la magnífica obra. Muchos afirman que hacía mucho que no veían nada igual. Ahora le toca a Madrid, dónde se representará los días 11 y 13 de enero. No te lo pierdas!
El centro Plot Point abrió sus puertas hace 5 años y en tan poco tiempo se he hecho un hueco en este cerrado y competitivo mercado. Desde sus comienzos destacó por incluir el trabajo frente a cámara como el eje del trabajo de formación del actor. Y se centra en que sus alumnos desarrollen todas sus capacidades y sus talentos , permitiendo que cada uno encuentre su propio “método” de trabajo. El centro está considerado como uno de los mejores de Madrid, tanto es así que muchos directores acuden a él para buscar a sus personajes. Además ofrece la posiblidad de que el propio centro realice los castings a los directores.
En enero ofrece la posibilidad de crear un videobook de 5 encuentros del 22 al 26 de ENERO con Rodaje 3 y 4 de febrero. Un videobook es una de las herramientas más idóneas para conseguir trabajo. Cuando alguien busca actores no le vale un CV. Necesita saber lo que puedes hacer. Y el Videobook le da esa posibilidad, si está hecho profesionalmente. En los 5 encuentros el centro te ayuda a buscar tu perfil actual y a elegir las escenas que muestran tus talentos, además de darte algunos trucos para optimizar tu trabajo como actor. También pueden hacerlo los actores profesionales. Un videobook es como una tarjeta de visita, además de darte a conocer a través de él, los directores de teatro y de cine verán que puedes interpretar a personajes muy distintos y variados. Lo que hará que no te encasilles. Y es convencerá en que tú eres lo que buscan. Animate y hazte uno!!
Aprovechando el tiempo
Seguro que alguna vez se ha pensado hacer algún curso de interpretación...o qué tal se le daría actuar...O incluso que siempre fue su vocación. Pero por unas razones y otras siempre dejamos las cosas pasar...Y el tiempo para y pasa..No nos damos cuenta y ya es tarde. Ya no tenemos tiempo. Pues ahora si. Ahora lo hay. Y lo vamos aprovechar lo máximo.
Escuela El Almadén ofrece cursos para los fines de semana, e incluso días de diario con horarios de noche. Los cursos de fin de semana son cursos intensivos, en dos días aprendes las nociones básicas de la interpretación y, además, pasas un rato divertido y de una forma diferente. Estos cursos tienen 3 niveles: iniciación, desarrollo expresivo y perfeccionamiento, y el programa cuenta con entrenamiento expresivo: desinhibición, desbloqueo, activación de la respuesta...; e interpretación: identificiación de las experiencias y las formas de relación, trabajo sobre situaciones, personajes o textos...
El centro es una escuela de Teatro y Canto que pone al alcance de todos los públicos los mejores métodos de enseñanza. Los cursos sirven para finez expresivos o artísticos, y la escuela ofrece cursos de iniciación y avanzados. Su trayectoria sitúa al centro entre las mejores escuelas de teatro de Madrid.
Escuela El Almadén ofrece cursos para los fines de semana, e incluso días de diario con horarios de noche. Los cursos de fin de semana son cursos intensivos, en dos días aprendes las nociones básicas de la interpretación y, además, pasas un rato divertido y de una forma diferente. Estos cursos tienen 3 niveles: iniciación, desarrollo expresivo y perfeccionamiento, y el programa cuenta con entrenamiento expresivo: desinhibición, desbloqueo, activación de la respuesta...; e interpretación: identificiación de las experiencias y las formas de relación, trabajo sobre situaciones, personajes o textos...El centro es una escuela de Teatro y Canto que pone al alcance de todos los públicos los mejores métodos de enseñanza. Los cursos sirven para finez expresivos o artísticos, y la escuela ofrece cursos de iniciación y avanzados. Su trayectoria sitúa al centro entre las mejores escuelas de teatro de Madrid.
La importancia de ser diferente
Originalidad, creatividad, invención, imaginación, capacidad de adaptación... Aunque parezca que no, los actores de hoy en día necesitan tener ciertas capacidades y actitudes, además de técnica.
Las técnicas se pueden aprender en una Escuela de Arte Dramático, pero hay algunas nociones que no se pueden enseñar. El actor debe conocerse a sí mismo, y saber explotar todas sus facultades para este mundo. Cada director busca un tipo de actor, que le transmita algo diferente. Buscan algo identificativo, que les diferencie de los demás, además de que luego sepa interpretar y representar un buen papel. Su personalidad es muy importante. Porque el actor no sólo intérpreta un personaje, sino que se tiene que meter en ese personaje, en sus carnes, vivir otra vida por unos minutos y saber aportar algo personal al papel.
Los profesores de Bululu 2120 son muy conscientes de ello, por eso ponen todo su esfuerzo en enseñar a sus alumnos a explotar todas su facultades, su creativivdad, su capacidad de adaptación, su imaginación..., y todo ello desde diferentes estilos. Los actores y actrices del Siglo XXI tienen que sorprender y desarrollar técnicas creadoras, que les permita estar a la altura de las exigencias de esta profesión.
Todos los alumnos de esta escuela acaban desenvolviéndose con total naturalidad y libertad en los equipos artísticos, e incluso son capaces de crearlos. El centro tiene su propia compañía Cia. Teatro Acción Futura en la que actúan todos los alumnos, representando obras y cortos, dirigidos por sus profesores.
Los intérpretes tiene que saber buscar el punto de diferenciación y añadir el toque de originalidad suficiente en distintos puntos de vista. Para poder aportar su propio estilo en un papel ya creado. El actor siempre debe dejar su marca.
Las técnicas se pueden aprender en una Escuela de Arte Dramático, pero hay algunas nociones que no se pueden enseñar. El actor debe conocerse a sí mismo, y saber explotar todas sus facultades para este mundo. Cada director busca un tipo de actor, que le transmita algo diferente. Buscan algo identificativo, que les diferencie de los demás, además de que luego sepa interpretar y representar un buen papel. Su personalidad es muy importante. Porque el actor no sólo intérpreta un personaje, sino que se tiene que meter en ese personaje, en sus carnes, vivir otra vida por unos minutos y saber aportar algo personal al papel.
Los profesores de Bululu 2120 son muy conscientes de ello, por eso ponen todo su esfuerzo en enseñar a sus alumnos a explotar todas su facultades, su creativivdad, su capacidad de adaptación, su imaginación..., y todo ello desde diferentes estilos. Los actores y actrices del Siglo XXI tienen que sorprender y desarrollar técnicas creadoras, que les permita estar a la altura de las exigencias de esta profesión. Todos los alumnos de esta escuela acaban desenvolviéndose con total naturalidad y libertad en los equipos artísticos, e incluso son capaces de crearlos. El centro tiene su propia compañía Cia. Teatro Acción Futura en la que actúan todos los alumnos, representando obras y cortos, dirigidos por sus profesores.
Los intérpretes tiene que saber buscar el punto de diferenciación y añadir el toque de originalidad suficiente en distintos puntos de vista. Para poder aportar su propio estilo en un papel ya creado. El actor siempre debe dejar su marca.
Clases de Teatro para todo el mundo
¿Le gustaría desarrollar su creatividad? ¡Ahora puede! Si además quiere pasárselo bien y disfrutar, no lo dude. Es su momento.
Puede que nunca se haya planteado ser actor pero le gustaría ser más creativo, más expresivo, y controlar emociones, saber manejar ciertas situaciones. Si quiere, ahora puede. Las escuelas ya no son sólo para aquellos que quieran ser profesionales del espectáculo.
Hace cuatro años se creó el Aula de Arte Dramático del Ayuntamiento de Madrid. En ella se imparten enseñanzas de teatro para jóvenes y niños de Madrid interesados en aprender a hacer teatro. Los cursos se orientan hacia las técnicas de voz y de expresión corporal, esenciales para quien desea interpretar. El objetivo del centro es formar unos jóvenes actores inteligentes, cultos y capaces de disfrutar haciendo teatro. Además de aprender, usted disfrutará. Le gustará aprender. Los alumnos más pequeños aprenden a base de juegos, principalmente de la imitación, muy relacionado con lo teatral.
Tienen una compañía propia, "La teatral de Arniches", con la que pretenden hacer un teatro divertido, que no aburra. Su objetivo es acercar el teatro a la gente joven, considerado un grupo potencial. Esperan ampliar su público y darse a conocer.
Puede que nunca se haya planteado ser actor pero le gustaría ser más creativo, más expresivo, y controlar emociones, saber manejar ciertas situaciones. Si quiere, ahora puede. Las escuelas ya no son sólo para aquellos que quieran ser profesionales del espectáculo.
Hace cuatro años se creó el Aula de Arte Dramático del Ayuntamiento de Madrid. En ella se imparten enseñanzas de teatro para jóvenes y niños de Madrid interesados en aprender a hacer teatro. Los cursos se orientan hacia las técnicas de voz y de expresión corporal, esenciales para quien desea interpretar. El objetivo del centro es formar unos jóvenes actores inteligentes, cultos y capaces de disfrutar haciendo teatro. Además de aprender, usted disfrutará. Le gustará aprender. Los alumnos más pequeños aprenden a base de juegos, principalmente de la imitación, muy relacionado con lo teatral.
Tienen una compañía propia, "La teatral de Arniches", con la que pretenden hacer un teatro divertido, que no aburra. Su objetivo es acercar el teatro a la gente joven, considerado un grupo potencial. Esperan ampliar su público y darse a conocer.
Dos siglos enseñando
Sabe cuándo se fundó la primera Escuela de Arte Dramático? ¿Qué no sabía que exixtían? Y de dónde salen los actores, ¿de la nada? Si, es verdad que existen actores que han logrado el éxito sin pisar una escuela de interpretación. También los que tuvieron la suerte de pasar por el sitio adecuado, a la hora adecuada, dónde estaba el director del momento y descubrieron a un gran intérprete. Pero no todos son tan afortunados. Y muchos de ellos, después de su primer papel acaban en una de las miles de escuelas existentes para perfeccionar las técnicas y aprender. Nunca se deja de aprender. Y menos en este mundillo.
Y si les digo que la primera Escuela de interpretación de España se fundó gracias a la reina María Cristina de Borbón, ¿qué me dicen? Pues si, así es ¿Sorprendidos? La cuarta esposa de Fernando VII era una gran aficionada a la música y al teatro lírico. Su intención era mejorar el estado en el que se encontraba la formación musical, que era penosa. Su primer gesto de ayuda fue la creación de un conservatorio (1830) de música bajo la dirección del italiano Francesco Piermarinni. Al año siguiente se crearía el Real Conservatorio de Música y de Declamación. Años más tarde, en 1952, por decreto pasa a denominarse Real Escuela Superior de Arte Dramático. Pero debeido al éxito y su crecimiento se crea una nueva sección: la danza. La escuela sufre una reestructuración y cambian el nombre de nuevo, La RESAD y Danza. Finalmente se segrega la sección de Danza y se crea lo que es actualmente la Escuela Profesional de Danza. Y la instituación vuelve a llamarse Real Escuela Superior de Arte Dramático.
La RESAD es la escuela más antigua de España y una de las más prestigiosas de Europa. Mediante una enseñanza personalizada y unas estrategias educativas forma a los profesionales del espectáculo. Este sistema educativo permite a los alumnos asumir todas las disciplinas y especialidades teatrales, desde unas raíces profundas artísticas y filosóficas.El centro reúne unas condiciones muy buenas para la formació. Y una sus ventajas es que es un centro público, está abierto a todos los actores, sin tener en cuenta su novel socioeconómico. Aunque Arte Dramático no está considerado como una carrera universitaria, los estudios que ofrece la RESAD son equivalentes a los universitarios. El centro cuenta con 2 teatros, la sala Valle-Inclán y la sala García Lorca, con capacidad de 475 y 100 espectadores respectivamente.
Durante estos casi dos siglos impartiendo clase, muchos han sido los actores y profesores que han pasado por aquí. Cada uno dejando su huella y marca personal, y la escuela en ellos.
Y si les digo que la primera Escuela de interpretación de España se fundó gracias a la reina María Cristina de Borbón, ¿qué me dicen? Pues si, así es ¿Sorprendidos? La cuarta esposa de Fernando VII era una gran aficionada a la música y al teatro lírico. Su intención era mejorar el estado en el que se encontraba la formación musical, que era penosa. Su primer gesto de ayuda fue la creación de un conservatorio (1830) de música bajo la dirección del italiano Francesco Piermarinni. Al año siguiente se crearía el Real Conservatorio de Música y de Declamación. Años más tarde, en 1952, por decreto pasa a denominarse Real Escuela Superior de Arte Dramático. Pero debeido al éxito y su crecimiento se crea una nueva sección: la danza. La escuela sufre una reestructuración y cambian el nombre de nuevo, La RESAD y Danza. Finalmente se segrega la sección de Danza y se crea lo que es actualmente la Escuela Profesional de Danza. Y la instituación vuelve a llamarse Real Escuela Superior de Arte Dramático.
La RESAD es la escuela más antigua de España y una de las más prestigiosas de Europa. Mediante una enseñanza personalizada y unas estrategias educativas forma a los profesionales del espectáculo. Este sistema educativo permite a los alumnos asumir todas las disciplinas y especialidades teatrales, desde unas raíces profundas artísticas y filosóficas.El centro reúne unas condiciones muy buenas para la formació. Y una sus ventajas es que es un centro público, está abierto a todos los actores, sin tener en cuenta su novel socioeconómico. Aunque Arte Dramático no está considerado como una carrera universitaria, los estudios que ofrece la RESAD son equivalentes a los universitarios. El centro cuenta con 2 teatros, la sala Valle-Inclán y la sala García Lorca, con capacidad de 475 y 100 espectadores respectivamente.
Durante estos casi dos siglos impartiendo clase, muchos han sido los actores y profesores que han pasado por aquí. Cada uno dejando su huella y marca personal, y la escuela en ellos.
La escuela de Eduardo Recabarren todo un acierto
Los centros de estudios de arte dramático aumentan a una velocidad atroz, pero no pasa lo mismo con el prestigio de éstas.
El estudio Recabarren es una de las pocas excepciones. Se fundó en 1999, basado en una práctica escénica textual y en entrenamiento cinematográfico. Su sistema de hacer teatro es aprender a ser actor y su método de trabajo cercano al sistema profesional del mercado de teatro, cine y televisión le han consolidado como uno de los centros más prestigiosos y que más han crecido últimamente en Madrid. Es una de las pocas escuelas que ha encontrado la fórmula para lograr el éxito, un prestigio y el crecimiento progresivo de ésta. Para el centro un actor dbe conocerse a si mismo para ser más honesto y comprometido con el hecho artístico y definirse estéticamente, y uqe la estética es ideología y la ideología es un punto de vista, un criterio sobre la vida, sino que dará a su carrera ese estilo personal de la manera de actuar de cada uno. De esta escuela han salido actores como: Fernando Tejero, Pablo Puyol, Melanie Olivares, Luis Merlo...
El estudio Recabarren cuenta con su propia compañía teatral: Estudio Recabarren-Teatro/Damaturgia. Éste se consolida como un espacio de formación par actores, dramaturgios y directores. Recabarren ha sido fundador del grupo Nuevo Repertorio, junto a Cristina Rota, Milagros Viñas, Juan Diego Botto... Realizan numerosas producciones en la Sala Mirador, se separan de Nuevo Repertorio y ha formado su propia Escuela y compañía. Actualmente la compañía se nutre de los actores que salen de los cursos de estudio recabarren y de otros profesionales que participan eventualmente en proyectos.
El estudio cuenta con 5 grupos de formación y con un plantill de cualificados profesores todos en activo y de reconocida solvencia: Eduardo Recabarren, Sara Torres, Natalia Pinot, Jesús Amate, Any Sun, Charlie Planell, Marina Gutiérrez y Juan Carlos Gravina. El centro divide el curso de interpretación en 3 niveles: en Interpretación I, II y III.
El estudio Recabarren es una de las pocas excepciones. Se fundó en 1999, basado en una práctica escénica textual y en entrenamiento cinematográfico. Su sistema de hacer teatro es aprender a ser actor y su método de trabajo cercano al sistema profesional del mercado de teatro, cine y televisión le han consolidado como uno de los centros más prestigiosos y que más han crecido últimamente en Madrid. Es una de las pocas escuelas que ha encontrado la fórmula para lograr el éxito, un prestigio y el crecimiento progresivo de ésta. Para el centro un actor dbe conocerse a si mismo para ser más honesto y comprometido con el hecho artístico y definirse estéticamente, y uqe la estética es ideología y la ideología es un punto de vista, un criterio sobre la vida, sino que dará a su carrera ese estilo personal de la manera de actuar de cada uno. De esta escuela han salido actores como: Fernando Tejero, Pablo Puyol, Melanie Olivares, Luis Merlo...El estudio Recabarren cuenta con su propia compañía teatral: Estudio Recabarren-Teatro/Damaturgia. Éste se consolida como un espacio de formación par actores, dramaturgios y directores. Recabarren ha sido fundador del grupo Nuevo Repertorio, junto a Cristina Rota, Milagros Viñas, Juan Diego Botto... Realizan numerosas producciones en la Sala Mirador, se separan de Nuevo Repertorio y ha formado su propia Escuela y compañía. Actualmente la compañía se nutre de los actores que salen de los cursos de estudio recabarren y de otros profesionales que participan eventualmente en proyectos.
El estudio cuenta con 5 grupos de formación y con un plantill de cualificados profesores todos en activo y de reconocida solvencia: Eduardo Recabarren, Sara Torres, Natalia Pinot, Jesús Amate, Any Sun, Charlie Planell, Marina Gutiérrez y Juan Carlos Gravina. El centro divide el curso de interpretación en 3 niveles: en Interpretación I, II y III.
Grupo de Teatro Villanueva
¿Jóvenes actores o estudiantes universitarios? Y ¿Por qué no las dos cosas? No son incompatibles y menos cuando tu propia universidad te lo pone en bandeja.
Por la mañana las clases de la carrera y por la tarde ensayos. Agotador, si. Pero cuando la vocación y la pasión por el teatro y la interpretación viene con fuerza, gana la batalla. El Centro Universitario Villanueva te ofrece la posibilidad de estudiar la carrera e interpretar en el mismo centro. Un lujazo, ¿no?
Los alumnos del Grupo de Teatro Villanueva están encantados. Y no sólo porque hacen lo que más les gusta, no. Es que es ¡¡gratis!! ¿Quién no se apuntaría? Y más cuando después de los ensayos se van de cañas todos juntos, ¡¡incluso con el profesor!! Se respira buen ambiente. Y para contagiarlo van a representar la obra de Shakespeare "Mucho ruido y pocas nueces". Sólo harán una representación el día 27 de Octubre a las 18:30, en el auditorio del Centro Cultural de Alfredo Kraus (Glorieta de la Pradera de las Vaquerizas, 9). Esta obra ya fue representada en el mes de mayo pasado en el Colegio Mayor Santillana, con éxito rotundo. El grupo de teatro tiene como director a César Gil, profesor del Centro Universitario Villanueva, y responsable de los programas dramáticos de TVE. Que espera que este año el número de alumnos que forman el grupo aumente.
Por la mañana las clases de la carrera y por la tarde ensayos. Agotador, si. Pero cuando la vocación y la pasión por el teatro y la interpretación viene con fuerza, gana la batalla. El Centro Universitario Villanueva te ofrece la posibilidad de estudiar la carrera e interpretar en el mismo centro. Un lujazo, ¿no?
Los alumnos del Grupo de Teatro Villanueva están encantados. Y no sólo porque hacen lo que más les gusta, no. Es que es ¡¡gratis!! ¿Quién no se apuntaría? Y más cuando después de los ensayos se van de cañas todos juntos, ¡¡incluso con el profesor!! Se respira buen ambiente. Y para contagiarlo van a representar la obra de Shakespeare "Mucho ruido y pocas nueces". Sólo harán una representación el día 27 de Octubre a las 18:30, en el auditorio del Centro Cultural de Alfredo Kraus (Glorieta de la Pradera de las Vaquerizas, 9). Esta obra ya fue representada en el mes de mayo pasado en el Colegio Mayor Santillana, con éxito rotundo. El grupo de teatro tiene como director a César Gil, profesor del Centro Universitario Villanueva, y responsable de los programas dramáticos de TVE. Que espera que este año el número de alumnos que forman el grupo aumente.
Un rostro y un cuerpo: varias personas
¿Se imagina siendo cada día una persona distinta? Una personalidad, un estilo, una forma de hablar, un comportamiento... Por variar un poquito!! Porque si salimos a la calle lo único que vemos son clones, individuos vestidos iguales, con prisas y la mente ocupada en mil cosas a la vez. ¿No es un poco aburrido?
Esto es lo que hacen los miles de alumnos que cada día traspasan las puertas de su escuela o centro de Arte Dramático y se convierten en una persona totalmente diferente a ella por unos minutos. Les fascina la interpretación y sueñan con alcanzar lo más alto. A pocos les interesa Hollywood, prefieren el teatro, más apasioanante, más vivo, que te muestra la reacción del público desde la primera puesta en escena.
A pesar de existir muchas escuelas y centros, pocas se conocen. Una de las más conocidas es la de Cristina Rota, de la que han salido varios actores que actualmente están en alza y triunfan, tanto en el cine como la televisión y el teatro. Se fundó en los años 80 con el objetivo de enseñar a los actores todas las técnicas de interpretación y les familiariza con el mundo del teatro, animándoles a producir o formar su propia compañía. Defiende que la interpretación no es una profesión, es una vocación, una llamada al arte con la necesidad de ser atendida.
Una de las prácticas más reconocidas de la escuela es "La Katarsis del tomatazo". Lleva 12 años haciendo historia en la programación de los Teatros de Madrid. Los alumnos de esta escuela se suben al escenario todos los viernes y sábados, donde muestran sus propuestas escénicas en medio de un espíritu festivo que reivindica el hecho teatral como un arte vivo. Los estudiantes se enfrentan directamente con el público desde el primer año. Y comienzan a recibir criticas desde el primer día, de esta forma su aprendizaje es más amplio y profundo, y conocen el verdadero mundo de la interpretación. Las criticas no siempre son buenas, hay que saber aceptarlas.
Esto es lo que hacen los miles de alumnos que cada día traspasan las puertas de su escuela o centro de Arte Dramático y se convierten en una persona totalmente diferente a ella por unos minutos. Les fascina la interpretación y sueñan con alcanzar lo más alto. A pocos les interesa Hollywood, prefieren el teatro, más apasioanante, más vivo, que te muestra la reacción del público desde la primera puesta en escena.
A pesar de existir muchas escuelas y centros, pocas se conocen. Una de las más conocidas es la de Cristina Rota, de la que han salido varios actores que actualmente están en alza y triunfan, tanto en el cine como la televisión y el teatro. Se fundó en los años 80 con el objetivo de enseñar a los actores todas las técnicas de interpretación y les familiariza con el mundo del teatro, animándoles a producir o formar su propia compañía. Defiende que la interpretación no es una profesión, es una vocación, una llamada al arte con la necesidad de ser atendida.
Una de las prácticas más reconocidas de la escuela es "La Katarsis del tomatazo". Lleva 12 años haciendo historia en la programación de los Teatros de Madrid. Los alumnos de esta escuela se suben al escenario todos los viernes y sábados, donde muestran sus propuestas escénicas en medio de un espíritu festivo que reivindica el hecho teatral como un arte vivo. Los estudiantes se enfrentan directamente con el público desde el primer año. Y comienzan a recibir criticas desde el primer día, de esta forma su aprendizaje es más amplio y profundo, y conocen el verdadero mundo de la interpretación. Las criticas no siempre son buenas, hay que saber aceptarlas.
Vena artística a flor de piel
¿Le gustaría sentir algo diferente? Pues preparénse porque el teatro le proporciona sensaciones inesperadas. Unas sensaciones que después de sentirlas una vez, le enganchará y querrá repetir. El teatro le da la oportunidad de introducirle en un mundo tan diferente y similar al nuestro, que creerá ser testigo de lo que en él sucede.
Mi primer contacto con el teatro fue a los 9 años. Fui a ver con mi familia un musical en el que actuaban niñas y niños de mi colegio, entre los 9 y 17 años. La principal razón por la que acudí a ver la obra fue porque las protagonistas eran dos amigas, dos compañeras de clase. Gracias a ellas y al colegio conocí un tipo de arte diferente y apasionante.
Nadie se esperaba el éxito de la obra, pues los actores eran niños que no tenían nociones de interpretación y el presupuesto era muy limitado. Los decorados y vestuarios los hacían las madres que se ofrecían. Pero gracias a una buena organización, y el boca a boca fue un éxito rotundo. Tanto que se hicieron dos musicales más.
Esto demuestra que no sólo los actores profesionales, con nombre y prestigio, y con un presupuesto alto se pueden hacer obras de calidad.
Durante estos días se representa el segundo musical, "Antígona tiene un plan" , en el Teatro Madrid La Vaguada. Los actores ya no son niños, ahora son profesionales, con un futuro abierto y grandes sueños por cumplir. La obra es una de las mejores comedias musicales para todos los públicos, que cuenta una historia muy emotiva jamás escrita.
Con esta página pretendo despertar el interés por el teatro, como en su día me lo despertaron a mi. Y dar a conocer a grandes artistas que aún se esconden bajo el anonimato. Conscientes de que antes de tocar la cima deben pasar por centros y escuelas de Arte Dramático, donde aprenden este díficil y duro mundo, pero a la vez apasionante y vivo.
Mi primer contacto con el teatro fue a los 9 años. Fui a ver con mi familia un musical en el que actuaban niñas y niños de mi colegio, entre los 9 y 17 años. La principal razón por la que acudí a ver la obra fue porque las protagonistas eran dos amigas, dos compañeras de clase. Gracias a ellas y al colegio conocí un tipo de arte diferente y apasionante.
Nadie se esperaba el éxito de la obra, pues los actores eran niños que no tenían nociones de interpretación y el presupuesto era muy limitado. Los decorados y vestuarios los hacían las madres que se ofrecían. Pero gracias a una buena organización, y el boca a boca fue un éxito rotundo. Tanto que se hicieron dos musicales más.
Esto demuestra que no sólo los actores profesionales, con nombre y prestigio, y con un presupuesto alto se pueden hacer obras de calidad.
Durante estos días se representa el segundo musical, "Antígona tiene un plan" , en el Teatro Madrid La Vaguada. Los actores ya no son niños, ahora son profesionales, con un futuro abierto y grandes sueños por cumplir. La obra es una de las mejores comedias musicales para todos los públicos, que cuenta una historia muy emotiva jamás escrita.
Con esta página pretendo despertar el interés por el teatro, como en su día me lo despertaron a mi. Y dar a conocer a grandes artistas que aún se esconden bajo el anonimato. Conscientes de que antes de tocar la cima deben pasar por centros y escuelas de Arte Dramático, donde aprenden este díficil y duro mundo, pero a la vez apasionante y vivo.