Ayer, 30 de mayo, tuvo lugar el debate sobre el estado de la nación. Los discursos se centraron en las políticas sociales, económicas y en las autonomías con sus respectivos cambios de Estatutos.
De mutuo acuerdo se decidió previamente antes de la sesión no hablar sobre la tegua de ETA y el fin de la violencia. Acto juicioso, ya que sin saber muy bien las intenciones de la banda terrorista y las diversas opiniones existentes habrían perjudicado al desarrollo del debate.
Zapatero, el presidente del Gobierno y Rajoy, el líder de la oposición tuvieron un enfrentamiento duro e intenso. Se transmite la confrontación con la duración del debate, terminó cerca de las doce de la noche.
Nuestros dos protagonistas no fueron los únicos en intervenir: ERC demostró su contento con las acciones del Gobierno que ha escuchado en todo momento sus peticiones. CIU tuvo lña difícil tarea de criticar al Gobierno, oponiéndose al mismo tiempo al discurso antinacionalista de Rajoy.
En una encuesta del País digital, a las 8 y media de la tarde de ayer, se considera a Zapatero como claro ganador del debate. Más de 2.200 personas opinaron.
Para leer los discursos de los líderes políticos en la sesión de ayer pincha en sus nombres: - Zapatero - Rajoy ]]><![CDATA[Expresionismo Alemán]]>
En 1897 se publica el libro de Bram Stoker: “Drácula”. A partir de aquí veremos desfilar ante nuestros ojos, en las pantallas de cine, numerosas adaptaciones de la obra. La primicia la tiene el director de cine alemán Friedrich Wilhelm Murnau, quien realizó en 1922 la película “Nosferatu, eine symphonie des grauens” (Nosferatu, una sinfonía del horror).
Tanto los nombres de los personajes como el título de la obra cambian con respecto a la obra original. Unas teorías afirman que el director pretendía con eso acercar la historia a la población local. Pero en realidad, la productora Prana Films, no poseía dinero suficiente para pagar los derechos de autor de la película, por lo que decidieron cambiar nombres y escenarios (pasamos de Drácula a Orlock y de Londres a Bremen). Estas precauciones no impidieron que la viuda del novelista y creador de Drácula, Florence Stoker, denunciara a la productora. Consiguió que las cintas originales se destruyeran aunque algunas de ellas se salvaron al estar en el extranjero. Tuvimos que esperar hasta la muerte de la mujer de Stoker para empezar a disfrutar de la mítica película.
La historia empieza cuando Jonathon Harker, un joven agente inmobiliario es enviado por su jefe Renfield a Transilvania. Allí deberá tratar con el conde Orlock que desea comprar una casa en Bremen donde Harker vive felizmente con su mujer Nina. A partir del momento en el que el conde ve una foto de Nina, se enamora de ella y decide mudarse a una casa frente a la de Jonathon. Después de pasar unos días terroríficos en el castillo de Orlock, donde Jonathon sufre pesadillas y unas extrañas mordeduras en el cuello, descubre que su anfitrión, el conde Orlock, es un vampiro. Acto seguido, los dos se dirigen hacia Bremen, Harker por tierra y Orlock por mar. Allá por donde pasa, el vampiro causa numerosas muertes que parecen ser las consecuencias de la peste. Será Nina la que descubrirá que Orlock es el causante de las muertes y se sacrificará con su alma pura para salvar al pueblo.
Esta película pertenece al expresionismo alemán. Posee las características de esta corriente aunque tiene originalidades que la hacen innovadora. En primer lugar, la utilización de falsos decorados se usa en esta obra. En esa época, con una Alemania destruida por la guerra se intenta escapar de la realidad grabando en estudios. Aunque, la película de Murnau es rompedora ya que aparecen varias escenas en el exterior. La naturaleza está muy presente, al igual que la ciudad de Bremen y el castillo de Transilvania. Desde un principio vemos exteriores, Nina con las flores en el jardín y Jonathan que llega y nada más verla le abraza fuertemente. Esta escena con la de la despedida de estos dos enamorados muestran claramente el lado romanticista del director. A pesar de ser una película expresionista, posee ciertos matices románticos: la aparición de exteriores que muestran naturaleza y animales engloba todos esos sentimientos en un encuadre más apropiado.
Pero esto no termina con los aspectos impresionistas de la película: el maquillaje de los actores como sus gestos son muy exagerados. Seguramente es debido a la influencia que tuvo al principio el teatro en el cine mudo. Podemos pararnos aquí en el maquillaje de Nosferatu: no complicado pero, tanto las uñas largas de las manos como las orejas y el negro de los ojos que resaltan con la palidez mortal de su rostro dan al conde un aspecto repulsivo y aterrador. Este maquillaje le confiere al protagonista mucha expresividad. Aunque los gestos de Nosferatu pueden llegar a parecer demasiado mecánicos, lo que puede provocar la deshumanización del personaje. Efecto que seguramente Murnau quería para contrastar el surrealismo del personaje de Orlock con el mundo real que le rodea. El expresionismo alemán da origen al cine de terror y “Nosferatu, eine symphonie des grauens” favorece la evolución de este nuevo género.
También es evidente la utilización de luces muy expresivas y la utilización del claro oscuro. Murnau graba algunos planos muy cerca de las caras de los personajes y la luminosidad puede llegar a ser molesta para distinguir bien las expresiones de Jonathon y Nina. Sí es cierto que en algunas ocasiones los contrastes de colores entre la piel de Nosferatu y su traje, o entre los ojos expresivos de los personajes y la luz que les blanquea completamente la piel ayudan a crear un ambiente de miedo y suspense. Esta es otra de las características expresionistas de la película.
Todo en la película ayuda a fomentar el suspense y el miedo y quiere representar el estado angustioso de los personajes. La escena más representativa para mi es cuando Nosferatu entra en la habitación de Nina. Ella ha estado los segundos anteriores antes de que llegara el vampiro tocándose el corazón, corazón que luego el conde le arrancará con la sombra de su mano. Las sombras son un logro, Murnau no enseña nada pero no por ello la película es menos aterradora. Todas las insinuaciones de la sombra de Nosferatu por las escaleras, abriendo la puerta y luego en la habitación de Nina provocan escalofríos. Exageran la forma del vampiro y su aspecto diabólico.
Al no tener ningún foro en la página aprovecho este post y te recomiendo éste. ]]><![CDATA[Ciudadano Kane]]> La película se basa en la historia de un político y un editor de la época: William Randolph Hearst. Como nuestro personaje principal estudió en Harvard y fue expulsado, llegó a poseer 25 periódicos (se quedaron en 17 con la crisis económica de los años 30) a los que les dotó de cierto sensacionalismo. Al igual que Kane, coleccionaba numerosas obras de arte y participó en las tomas de decisión del gobierno gracias a sus influencias en los medios de comunicación y la economía. Esta crítica de Welles hacia este magnate tuvo su origen en una cena en la que el político y editor se rió del joven cineasta.
El rodaje se inició en julio de 1940, con gran precaución para que William Randolph Hearst no pudiera tomar represalias en contra del film que lo retrata cruelmente bajo el nombre de Charles Foster Kane. Pero el guión llegó a manos de Hearst que desde ese momento intentó destruir el proyecto de Orson Welles. Hearst usó sus periódicos para hacer campaña en contra de la película, para conseguir su destrucción. Incluso el presidente de la Metro Goldwyn Mayer hizo una oferta de compra de más de 800.000 dólares a la productora RKO para posteriormente destruir la película. Gracias a la tenacidad de Welles, la producción siguió adelante. Voy a utilizar la cronología de la película para ir aportando detalles sobre los aspectos formales y de contenido que tenga la película. Todo empieza con la muerte de Charles Foster Kane (nombre que no puedes olvidar después de haberlo oído tantas veces a lo largo de la película). La última palabra que pronuncia es “Rosebud”. Sigue un documental tradicional, Welles usa niebla para transmitir la mala calidad de este género audiovisual. También usa cortinillas, yuxtaposición de planos que aportan imágenes a lo que está diciendo la voz en off. Imita a los paparazzi con un movimiento de la cámara que sigue a Kane cuando está en una silla de ruedas. Observamos incluso los barrotes tras los cuales está escondido el fotógrafo.
Después de 10 minutos de rodaje aparecen los periodistas responsables del documental. Y deciden investigar sobre las últimas palabras de Kane. “Rosebud” corresponde en la película al nombre del trineo de Kane cuando era pequeño. Representa su vida antes de tener dinero y antes de irse de su lugar natal. Es por lo tanto lo que le otorga felicidad, cosa que ha perdido para siempre. En la realidad, sin saber muy bien como llegó a enterarse Welles, “Rosebud” es el nombre que usaba la actriz y amante de Hearst; Marion Davis, para referirse a las partes íntimas de su amante.
El resto de la película es la búsqueda del periodista Thomson, al que no vemos nunca la cara por falta de luz o porque está de espaldas, del porqué de la palabra “Rosebud”. Gracias a su búsqueda vivimos dos historias: la de la investigación tras la muerte de Kane y con la ayuda de innumerables flashback vemos los 75 años de vida del protagonista. En aquella época, principios de los años 40, en plena segunda guerra mundial, los flashback no eran un recurso muy empleado, una película contaba con unos pocos. En cambio en “Ciudadano Kane”, la historia es contada a través de flashbacks.
Ese uso de la cámara es muy innovador, no sólo rompe con la academia hollywoodiense, sino que gracias a esos planos y esos movimientos de cámara, Welles juega con la forma, lo que influye en el contenido del mensaje que quiere transmitir. Notamos como toda escena está calculada, como cualquier encuadre tiene sus componentes en un sitio determinado. Un enfoque que me llamó la atención es cuando Thomson llama al periódico desde una cabina en el restaurante donde se encuentra la cantante. Vemos al periodista en la cabina llamando, al camarero fuera esperando y a la mujer de Kane bebiendo a la izquierda del cuadro.
Sus planos y enfoques recuerdan a la fotografía. Gregg Toland usó en esta película planos con mucha profundidad, y una iluminación muy contrastada. Por ejemplo, después de ver el documental, vemos los periodistas discutiendo sobre como mejor el documental mientras la única fuente de luz son las ventanas del fondo. No vemos ninguna cara, sólo siluetas y la luz mistifica al periodista que habla con rayos que salen desde sus extremidades por el foco luminoso de la ventana. En varias ocasiones no vemos las caras de los personajes: dependiendo del estado de Kane o de la situación se le ve o no la cara. Cuando le hacen chantaje con la cantante para que se retire de las elecciones, hasta que no habla, y mientras es calumniado se queda en la oscuridad, cuando por fin habla y da a conocer sus intenciones, su cara sale a la luz.
La película transmite verosimilitud en muchos aspectos, los movimientos de cámara ayudar al espectador a meterse en la historia y a seguir los recuerdos de los distintos personajes. Para la época es muy innovadora y dadas las circunstancias (II Guerra Mundial), se puede ver como una crítica a la manipulación de los medios de comunicación y de los políticos.
]]><![CDATA[Neorrealismo Italiano]]>“Roma ciudad abierta” de Rossellini. Nació después de veinte años de opresión, el fascismo de Mussolini se acaba tras la Segunda Guerra Mundial, dejando tras de si un país en plena miseria.
Lo que caracteriza principalmente los filmes de este movimiento es una vuelta a lo real, al mundo, a los hombres y sus dramas reales. Después de la censura de la guerra y del fascismo, el neorrealismo italiano pretende mostrar la realidad social. Es un compromiso social que pretende influir en la conciencia de los espectadores, en la sociedad en general para terminar con los problemas vigentes de la época.
El “Ladrón de bicicletas” cuenta la historia de un obrero en paro, Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani) que encuentra después de dos años un puesto como fijador de carteles. Para poder aceptar el empleo necesita una bicicleta. El problema es que empeñó la suya para poder comer. María (Lianella Carell), su mujer, decide empeñar esta vez las sábanas para recuperar la bicicleta. Ricci, su mujer y su hijo Bruno (Enzo Staiola) preparan felizmente el primer día de trabajo. La desgracia ocurre cuando Ricci pega su primer cartel y le roban su vital medio de transporte.
Ayudado por algunos amigos y por Bruno intentará recuperar la bicicleta, primero en la mercado, donde verá al ladrón pero se le escapará. Gracias a un viejo que conoce al ladrón dará con su dirección. Aparece allí, pero es insultado por los vecinos y aunque interviene un agente de policía, al no encontrar la bicicleta, tiene que abandonar la zona con resignación. Sin saber que hacer, decide robar una bicicleta, distanciándose de Bruno. Fracasa y casi es enviado a la comisaría.
Empezaré el análisis situando la película en la corriente neorrealista. Esta vuelta a todo lo real se traduce por el rodaje en exteriores. Los pocos momentos en los que aparecen habitaciones cerradas, son reales, no son decorados de un estudio de grabación. La mayor parte de la película es rodada en las calles de Roma: Ricci acompañado de su hijo, recorre el laberinto de las vías romanas. Otra razón de la grabación en calles es el bajo presupuesto de Vittorio de Sica, ya que estamos en plena posguerra.
Otra característica es la elección de actores no profesionales. De Sica se recorrió las calles de Roma en busca de posibles actores. Lianella Carell, periodista radiofónica, se acercó al director para pedirle una entrevista. Le hicieron una prueba para María y quedó perfecta para el papel. Lamberto Maggiorani era un parado en el mundo de la construcción. Nuestro cineasta se fijó en él cuando éste se aproximó a las cámaras para curiosear. Y el último de los protagonistas, Enzo Staiola, lo encontró con una banda de niños, jugando en la calle. En palabras de Vittorio de Sica, era un niño con “cara redonda, nariz cómica y ojos vivísimos”. Gracias a esta elección, la película presenta unos personajes mucho más reales, no están contaminados por la academia de cine, contra lo que lucha la corriente neorrealista.
Aunque el protagonista escape de la comisaría al final de la película, no tenemos final feliz, y el drama continúa. Ese problema sigue en nosotros, y ahí es donde reside el aspecto moral del neorrealismo. El guionista Zavattini dijo en una ocasión: “los personajes reclaman más la solidaridad del público que la de los demás personajes de la película. Esta es la razón por la cual estos no encuentran en la trama la solución a sus problemas. El público debe sentir la responsabilidad y el deber de encontrar una solución concreta al problema ocasionado por tal hecho”.
Los filmes neorrealistas como el “Ladrón de bicicletas” no proponen soluciones, sólo muestran los problemas sociales del momento para atormentar conciencias y hacerlas actuar. Eso sí, nos ayuda a entender mejor los hombres, lo que mejora nuestra comprensión y nuestro amor hacia el prójimo.
]]><![CDATA[17 de Mayo ¡Día de Internet!]]>
Hoy celebramos el día de Internet. He decidido realizar un post para rendir homenaje a esta forma revolucionaria de comunicación.
En España se realizarán a lo largo del día más de 700 actividades relacionadas con el tema: se entregarán los premios "Día de Internet 2006", se venderán por 1 euro dominios ".es", y se organizarán gymcanas vía Internet.
Estas últimas son de las actividades más relevantes del día, pero también se organizarán conciertos, concursos, conferencias, cursos de formación, fiestas, ofertas comerciales y eventos de comunicación y participación ciudadana.
Aprovecho para apuntar la importancia, no tanto del día, sino de la causa de dicha celebración. Internet permite unir a las personas, traspasar fronteras, hacer transacciones en la otra punta del mundo... Todo esto de manera sencilla y rápida. Es esencial para entender la evolución de nuestra sociedad a todos los niveles.
Para obtener más información desde la fuente, pincha aquí.]]><![CDATA["La Nouvelle Vague" y el Cine Negro]]>
“Al final de la escapada” es el primer largometraje de Jean-Luc Godard. Este cineasta francés inaugura en 1960 un nuevo movimiento con esta película: “La Nouvelle Vague”. Esta corriente nace después de la Segunda Guerra Mundial y propone una reflexión dentro de la sociedad. Se plantea el sentido de la vida, idea clave del existencialismo. Este concepto llega a todas las artes y sobre todo al cine. Es una de las primeras veces que vemos al director como a un artista, es la razón por la cual llaman a este género “cine de autor”.
El argumento de la película, elaborado por François Truffaut, otro pionero de la Nueva Ola, cuenta la siguiente historia: Michel Poiccard (Belmondo) es un ladrón de coches profesional. Un día le persigue la policía por exceso de velocidad, intenta huir pero su coche se avería. Se ve obligado a matar al policía y fugarse. Vuelve a París para recuperar el dinero que le deben y para convencer a Patricia (Seberg) para que se vaya con él a Roma.
Esta película revolucionaria da forma al comportamiento de los héroes. Vemos cierto desorden en el tiempo, cortes que nos hace perder parte de ciertas escenas como cuando Belmondo conduce al principio de la película y va adelantando a los coches. Para citar otro ejemplo está el del policía al que dispara el protagonista. Este desorden es el que habita dentro de los personajes y también fuera de ellos. Las imágenes rápidas dan dinamismo, con tomas inolvidables (cuando Michel espera a Patricia y se encienden las luces de la calle al mismo tiempo, creando un ambiente misterioso) y con encuadres llenos de detalles (cuando vemos Michel a través de la puerta de un taxi) son una muestra del trabajo de Godard.
Podemos considerar que sólo quiere mostrar desorden pero en mi opinión tiene la intención de mostrar las cosas de manera natural, espontánea y directa. La grabación con cámara en mano, los travellings que acompañan a los personajes (en los Campos Elíseos y en la Agencia de Viajes) y los encuadres inestables (cuando Patricia y Michel andan por la calle y son empujados por los vía andantes) rompen con los principios de la academia hollywoodiense. Cuando Patricia y Michel andan por la calle les sigue la cámara, no encontramos ningún plano contra plano.
Los primeros planos son muy numerosos, igual que los picados. Con ello, Godard pretende mostrarnos los sentimientos de los personajes al mismo tiempo que les conocemos mejor, sólo mirándoles a los ojos (de hecho los actores miran en varias ocasiones a la cámara). Cuando los personajes se dirigen a la cámara, se rompe la verosimilitud. Es una mirada sobre la realidad y somos concientes de que lo que vemos es una película. Se hace evidente la artificiosidad y por lo tanto la obra de arte del director.
Godard, como otros cineastas franceses, admiraba el cine negro americano, género que ellos mismos nombraron. Un homenaje a este cine es esta película, Al final de la escapada. En primer lugar, la trama de la película tiene relación con los argumentos típicos del cine negro: un hombre (Belmondo) roba coches y en uno de sus hurtos es capturado por la policía. Mata a uno de ellos y es perseguido por unos detectives durante toda la película. Mientras se desarrolla la acción tiene que robar para poder comer y aparentar algo que no es delante de Patricia (Jean Seberg). Hablando de Jean Seberg, aunque no representa la “femme fatale” de este tipo de cine, sí que manipula a Belmondo, por ejemplo, cuando le pregunta “¿qué significa campos?”, cuando están paseando por ellos (me refiero a los Campos Elíseos). Le pide el significado de ciertas palabras que ya conoce.
A la hora de tratar el contenido debemos decir que Godard presenta un mundo que ha cambiado. Esto se nota considerablemente con el personaje de Jean Seberg. Representa a la mujer liberada, lleva el pelo corto y quiere ser totalmente independiente de los hombres. Godard trata la sexualidad de una manera mucho más desenfadada. ]]><![CDATA[Introducción]]>Si en algún momento me equivoco, estaré encantada de recibir correcciones vuestras. Espero disfruteis de este blog y que os sea útil.]]>
