CURIOSIDADES... Sobre Amélie
Quiero contaros algunas curiosidades sobre una bonita película francesa que muchos conoceréis: Amélie. Este film, protagonizado por Audrey Tautou y dirigido por Jean-Pierre Jeunet, trata sobre una chica diferente a las demás, Amélie, que a los 22 años se da cuenta de cuál es su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir, sin que se den cuenta, en la existencia de varias personas de su entorno. Entre ellas está su portera, una estanquera hipocondríaca o "el hombre de cristal", un vecino que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir.
Este film, estrenado en 2001, obtuvo un gran éxito de taquilla y todavía hoy es recordada como una de las mejores películas francesas de la historia. Aquí os voy a contar una serie de anécdotas acerca de ella:
- En el barrio de Montmartre, en el que se rodó la película, algunas panaderías han creado un tipo de barra de pan que se llama Amélie.
- El director escribió el guión pensando en Emily Watson , tras verla en Rompiendo las olas , y el guión por lo tanto transcurría en Londrés a través de los ojos de una británica. A pesar de que ella quería el papel, lo tuvo que rechazar debido a que se había comprometido previamente con Robert Altman para rodar Gosford Park (2001).
-Para prepararla para el papel de Amélie, Jeunet puso a Audrey Tautou a ver todas las películas protagonizadas por Audrey Hepburn.
-La cafetería donde trabaja Amélie existe exactamente igual a como sale en la película, y está ubicada en la calle Lepic, cerca del Moulin Rouge.
- Amélie es la primera película que Jean-Pierre rueda fuera de un estudio, y también es su primera película como único director.
- El título original del film es Le fabuleux destin d'Amelie Poulain , es decir, "El fabuloso destino de Amélie Poulain", aunque aquí se tradujo simplemente como Amélie.
- Audrey Tautou conquistó al director cuando este la vio en un cartel de Venus, salón de belleza, película por la que la joven actriz ganó el César a la mejor actriz revelación.
Interesantes curiosidades sobre esta divertida película. Y a vosotros, ¿os gustó el film? ¡Animaos a comentarlo!
Este film, estrenado en 2001, obtuvo un gran éxito de taquilla y todavía hoy es recordada como una de las mejores películas francesas de la historia. Aquí os voy a contar una serie de anécdotas acerca de ella:
- En el barrio de Montmartre, en el que se rodó la película, algunas panaderías han creado un tipo de barra de pan que se llama Amélie.
- El director escribió el guión pensando en Emily Watson , tras verla en Rompiendo las olas , y el guión por lo tanto transcurría en Londrés a través de los ojos de una británica. A pesar de que ella quería el papel, lo tuvo que rechazar debido a que se había comprometido previamente con Robert Altman para rodar Gosford Park (2001).
-Para prepararla para el papel de Amélie, Jeunet puso a Audrey Tautou a ver todas las películas protagonizadas por Audrey Hepburn.
-La cafetería donde trabaja Amélie existe exactamente igual a como sale en la película, y está ubicada en la calle Lepic, cerca del Moulin Rouge.
- Amélie es la primera película que Jean-Pierre rueda fuera de un estudio, y también es su primera película como único director.
- El título original del film es Le fabuleux destin d'Amelie Poulain , es decir, "El fabuloso destino de Amélie Poulain", aunque aquí se tradujo simplemente como Amélie.
- Audrey Tautou conquistó al director cuando este la vio en un cartel de Venus, salón de belleza, película por la que la joven actriz ganó el César a la mejor actriz revelación.
Interesantes curiosidades sobre esta divertida película. Y a vosotros, ¿os gustó el film? ¡Animaos a comentarlo!
NOVEDADES EN DVD
VOLVER
Este mes se estrena también en DVD una de las mejores películas de Almodóvar, según mi opinión. Se trata de Volver, film protagonizado por Penélope Cruz, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Carmen Maura y Yohana Cobo. Tal y como describe el mismo director, esta película trata sobre como "Tres generaciones de mujeres sobreviven al viento solano, al fuego, a la locura, a la superstición e incluso a la muerte a base de bondad, mentiras y una vitalidad sin límites".
Estas tres generaciones de mujeres las forman las hermanas Raimunda (Penélope Cruz) y Sole (Lola Dueñas), su madre muerta en un incendio (Carmen Maura), y la hija adolescente de Raimunda (Yohana Cobo). Raimunda es una madre joven, emprendedora y muy atractiva, con un marido en el paro y una hija en plena adolescencia. La economía familiar es muy precaria, por lo que Raimunda tiene varios trabajos. Desde su infancia guarda en silencio un terrible secreto, que acabará desvelando. Su hermana Sole es un poco mayor. Su marido la abandonó y desde entonces vive sola. Un domingo primaveral, Sole llama a Raimunda para decirle que la Agustina (Blanca Portillo), una vecina del pueblo, le ha comunicado por teléfono que su tía Paula (papel que hace la actriz Chus Lampreave) ha muerto. Raimunda adoraba a su tía, pero no puede ir al entierro porque momentos antes de recibir la llamada de su hermana ha encontrado a su marido muerto en la cocina, con un cuchillo clavado en el pecho. Su hija le confiesa que lo ha matado ella porque el padre, borracho, la acosó insistentemente. A regañadientes, Sole se desplaza sola al pueblo. Entre las mujeres que la acompañan en el duelo escucha rumores de que su madre volvió del otro mundo para cuidar en los últimos años a su tía Paula, que estaba enferma. Las vecinas hablan con naturalidad del "fantasma" de la madre, lo que le llama enormemente la atención a Sole. Cuando Sole vuelve a Madrid, después de aparcar su coche, escucha unos ruidos procedentes del maletero. Lo abre y allí encuentra, rodeada de bolsas, al fantasma de su madre. Sole no tiene otra opción que convivir con el "fantasma" materno e integrarlo en el trabajo de la peluquería. Por su parte, Raimunda sólo le comenta que Paco, su marido, las ha dejado y que intuye que no volverá. En realidad está tratando de desembarazarse del cadáver. A partir de aquí, cada una de las dos hermanas sigue como puede con su vida, sobreviviendo a situaciones muy tensas, melodramáticas, cómicas y también muy emocionantes.
Volver es una historia de supervivencia de sus personajes. Un bonito film, en el que Almodovar retrata magníficamente el universo femenino y que hace sentir toda una serie de sensaciones, llevando al espectador desde la lágrima a la risa. Además, Volver cuenta con un reparto fabuloso. ¡Todas las actrices están espléndidas! Pero sobre todo, Penélope Cruz, que interpreta un personaje hecho a su medida. También quiero destacar su preciosa banda sonora, que os recomiendo que escuchéis.
Para los que todavía no hayan visto Volver, ahora tienen la oportunidad de verla en DVD. De verdad que merece la pena.
Este mes se estrena también en DVD una de las mejores películas de Almodóvar, según mi opinión. Se trata de Volver, film protagonizado por Penélope Cruz, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Carmen Maura y Yohana Cobo. Tal y como describe el mismo director, esta película trata sobre como "Tres generaciones de mujeres sobreviven al viento solano, al fuego, a la locura, a la superstición e incluso a la muerte a base de bondad, mentiras y una vitalidad sin límites".
Estas tres generaciones de mujeres las forman las hermanas Raimunda (Penélope Cruz) y Sole (Lola Dueñas), su madre muerta en un incendio (Carmen Maura), y la hija adolescente de Raimunda (Yohana Cobo). Raimunda es una madre joven, emprendedora y muy atractiva, con un marido en el paro y una hija en plena adolescencia. La economía familiar es muy precaria, por lo que Raimunda tiene varios trabajos. Desde su infancia guarda en silencio un terrible secreto, que acabará desvelando. Su hermana Sole es un poco mayor. Su marido la abandonó y desde entonces vive sola. Un domingo primaveral, Sole llama a Raimunda para decirle que la Agustina (Blanca Portillo), una vecina del pueblo, le ha comunicado por teléfono que su tía Paula (papel que hace la actriz Chus Lampreave) ha muerto. Raimunda adoraba a su tía, pero no puede ir al entierro porque momentos antes de recibir la llamada de su hermana ha encontrado a su marido muerto en la cocina, con un cuchillo clavado en el pecho. Su hija le confiesa que lo ha matado ella porque el padre, borracho, la acosó insistentemente. A regañadientes, Sole se desplaza sola al pueblo. Entre las mujeres que la acompañan en el duelo escucha rumores de que su madre volvió del otro mundo para cuidar en los últimos años a su tía Paula, que estaba enferma. Las vecinas hablan con naturalidad del "fantasma" de la madre, lo que le llama enormemente la atención a Sole. Cuando Sole vuelve a Madrid, después de aparcar su coche, escucha unos ruidos procedentes del maletero. Lo abre y allí encuentra, rodeada de bolsas, al fantasma de su madre. Sole no tiene otra opción que convivir con el "fantasma" materno e integrarlo en el trabajo de la peluquería. Por su parte, Raimunda sólo le comenta que Paco, su marido, las ha dejado y que intuye que no volverá. En realidad está tratando de desembarazarse del cadáver. A partir de aquí, cada una de las dos hermanas sigue como puede con su vida, sobreviviendo a situaciones muy tensas, melodramáticas, cómicas y también muy emocionantes.
Volver es una historia de supervivencia de sus personajes. Un bonito film, en el que Almodovar retrata magníficamente el universo femenino y que hace sentir toda una serie de sensaciones, llevando al espectador desde la lágrima a la risa. Además, Volver cuenta con un reparto fabuloso. ¡Todas las actrices están espléndidas! Pero sobre todo, Penélope Cruz, que interpreta un personaje hecho a su medida. También quiero destacar su preciosa banda sonora, que os recomiendo que escuchéis.
Para los que todavía no hayan visto Volver, ahora tienen la oportunidad de verla en DVD. De verdad que merece la pena.
TÚ DECIDES CUÁL ES...
...LA PELÍCULA MÁS ESCALOFRIANTE DE TODOS LOS TIEMPOS
Tensión, sudores, temblores… Todos hemos sentido esto alguna vez al ver una película de miedo o alguna escena que, por lo que fuera, nos parecía terrorífica. Y es que, desde sus inicios el cine ha intentado ponernos los pelos de punta y…muchas veces lo ha conseguido! Por eso, esta semana os voy a mostrar algunas de las escenas de toda la historia del cine que a mí me resultan más escalofriantes y terroríficas. ¡Pero también quiero tú opinión! Así con vuestros votos, decidiremos entre todos cuál es la película más terrorífica de todos los tiempos.
UN PERRO ANDALUZ (1929)
A pesar de que casi todos sabemos que el ojo de la mujer, que el propio Buñuel corta con una navaja en el filme, es en realidad el ojo de una vaca, no podemos evitar impresionarnos cada vez que vemos esta escena y nos tenemos que resistir a la tentación de levantar la vista de la pantalla. Si no habéis tenido la oportunidad de ver la película, aquí abajo podréis disfrutar de ella.
PSICOSIS (1960)
Aunque la escena más famosa de esta película, y mítica en la historia del cine, es la de la ducha (que podéis ver más abajo en el artículo sobre curiosidades), a mí otra de las escenas que me produce verdadero pavor es la del sótano de la casa de Norman Bates. En esta escena la hermana de Marion, se aventura a entrar en la casa, para averiguar qué es lo que está pasando. En el sótano se encuentra con la señora Bates, sentada sola dándole la espalda. Poco a poco, la silla se irá girando, hasta revelar el estado en que se encuentra la madre de Norman...
LA NARANJA MECÁNICA (1971)
El filme de Stanley Kubrick está lleno de escenas perturbadoras y muy fuertes. Esta en concreto no impacta visualmente, como lo hacen las escenas con alta dosis de violencia que se repiten a lo largo de toda la película. Sin embargo, aún así, cada vez que oigo al personaje de Alex decir esto se me ponen los pelos de punta!! La música, los decorados su voz y sobre todo, porque sé lo que viene a continuación...
EL EXORCISTA (1973)
La primera vez que vi el filme tenía unos once años y recuerdo que tras haberlo visto, sentí un miedo espantoso durante toda la noche, sin poder llegar a dormirme del todo hasta que se empezó a hacer de día. Aquí os pongo una recopilación de las escenas más impactantes del filme. Hoy en día, ahora que soy más consciente de que se trata simplemente de una película y ya acostumbrada a ver monstruos espantosos continuamente en televisión y en cine, cuando veo alguna de ellas me dan más risa que miedo. Sin embargo la escena de la chica bajando las escaleras me sigue impactando. ¡No lo puedo remediar!
LA MATANZA DE TEXAS (1974)
Precursora de un cine de terror que degüella adolescentes (en la pantalla) para gozo de adolescentes (en las butacas), sigue siendo treinta años después todo un clásico del género. Hoy en día impacta mucho menos, probablemente porque a pesar de su tema de horror, la película no depende tanto de imágenes explícitas y gore para provocar el terror en la audiencia, como hacen la mayoría de filmes hoy en día. De hecho, las secuelas de la película y las imitaciones han sido mucho más sangrientas y gráficas. En cambio esta, utiliza el suspense y la tensión dramática. Y sobre todo, el pensar que está basada en hechos reales, te mantiene con un sentimiento de agonía durante toda la película. Sea verdad o mentira, a mí me pone la piel de gallina cada vez que lo pienso!! Aquí podéis ver el trailer de la película en versión original (siento no haber conseguido la versión en castellano).
EL RESPLANDOR (1980)
Pocas veces en la historia del cine una simple escena de un niño montado en un triciclo, paseando por los pasillos de un hotel, provocó un suspense tan extraño, tan inquietante, tan sobrecogedor... Pero el poder de la imagen Kubrick consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. Como esta de las gemelas que a mí, aún hoy, me sigue poniendo los pelos de punta cada vez que la veo.
PESADILLA EN ELM STREET (1984)
¿Quién no recuerda a Freddy Krueger ? Todos de niños hemos tenido pesadillas con él. Y todavía hoy, si cerramos los ojos podemos ver su cara y su guante de cuchillas afiladas. Y es que Freddy Krueger no era un asesino como los demás. Sí, los adolescentes también eran sus víctimas, pero Freddy Krueger no les atacaba en callejones oscuros o en campamentos de verano, él les asesinaba a través de sus sueños. Es precisamente esto lo que hacía novedosas sus películas y las dotaba de unas mayores dosis de terror, ya que los protagonistas debían mantenerse despiertos para sobrevivir! Ya sabéis, si os atrevéis a regresar a vuestras pesadillas de la infancia, aquí tenéis el trailer de la película.
LOS OTROS (2001)
La intrigante historia de tres sirvientes que entran a trabajar en una mansión de la isla de Jersey, al servicio de una mujer que vive con dos hijos que no pueden exponerse a la luz del sol, fue todo un éxito a nivel mundial, algo sin precedentes en un cine español. Aunque, el filme está plagado de intriga, angustia y sobresaltos, para mí uno de los momentos más espeluznantes es la escena en la cual la niña está jugando en su cuarto con una marioneta, con un velo en la cabeza. La cancioncilla que canta me pone los pelos de punta!! Y el momento en que llega su madre y le levanta el velo para descubrir que...no se trata de su hija, también!
LA SEÑAL (THE RING) (2002)
Envuelta en una atmósfera incómoda y tenebrista, la película desarrolla un argumento plagado de ambientes oscuros que provocan un gran desasosiego en el espectador... Sin duda es una de las cintas de terror mejor logradas de estos últimos años. Si os atrevéis a ver el vídeo, en esta escena se ve a Samara saliendo del pozo.
FRÁGILES (2005)
La excelente puesta en escena de esta película consigue crear una atmósfera sobrecogedora. Desde el inicio hasta el final de la película el espectador está en tensión. Pero a mí lo que más me impresionó fue la imagen de Charlotte, la niña mecánica!! Estuve la mitad de la película tapándome los ojos!
¿Qué pensáis vosotros? ¿Cuál de todas estas películas os parece más escalofriante? Animaos y dejadme vuestra opinión. También podéis sugerir algunas otras que seguro que me he dejado en el tintero.
Tensión, sudores, temblores… Todos hemos sentido esto alguna vez al ver una película de miedo o alguna escena que, por lo que fuera, nos parecía terrorífica. Y es que, desde sus inicios el cine ha intentado ponernos los pelos de punta y…muchas veces lo ha conseguido! Por eso, esta semana os voy a mostrar algunas de las escenas de toda la historia del cine que a mí me resultan más escalofriantes y terroríficas. ¡Pero también quiero tú opinión! Así con vuestros votos, decidiremos entre todos cuál es la película más terrorífica de todos los tiempos.
UN PERRO ANDALUZ (1929)
A pesar de que casi todos sabemos que el ojo de la mujer, que el propio Buñuel corta con una navaja en el filme, es en realidad el ojo de una vaca, no podemos evitar impresionarnos cada vez que vemos esta escena y nos tenemos que resistir a la tentación de levantar la vista de la pantalla. Si no habéis tenido la oportunidad de ver la película, aquí abajo podréis disfrutar de ella.
PSICOSIS (1960)
Aunque la escena más famosa de esta película, y mítica en la historia del cine, es la de la ducha (que podéis ver más abajo en el artículo sobre curiosidades), a mí otra de las escenas que me produce verdadero pavor es la del sótano de la casa de Norman Bates. En esta escena la hermana de Marion, se aventura a entrar en la casa, para averiguar qué es lo que está pasando. En el sótano se encuentra con la señora Bates, sentada sola dándole la espalda. Poco a poco, la silla se irá girando, hasta revelar el estado en que se encuentra la madre de Norman...
LA NARANJA MECÁNICA (1971)
El filme de Stanley Kubrick está lleno de escenas perturbadoras y muy fuertes. Esta en concreto no impacta visualmente, como lo hacen las escenas con alta dosis de violencia que se repiten a lo largo de toda la película. Sin embargo, aún así, cada vez que oigo al personaje de Alex decir esto se me ponen los pelos de punta!! La música, los decorados su voz y sobre todo, porque sé lo que viene a continuación...
EL EXORCISTA (1973)
La primera vez que vi el filme tenía unos once años y recuerdo que tras haberlo visto, sentí un miedo espantoso durante toda la noche, sin poder llegar a dormirme del todo hasta que se empezó a hacer de día. Aquí os pongo una recopilación de las escenas más impactantes del filme. Hoy en día, ahora que soy más consciente de que se trata simplemente de una película y ya acostumbrada a ver monstruos espantosos continuamente en televisión y en cine, cuando veo alguna de ellas me dan más risa que miedo. Sin embargo la escena de la chica bajando las escaleras me sigue impactando. ¡No lo puedo remediar!
LA MATANZA DE TEXAS (1974)
Precursora de un cine de terror que degüella adolescentes (en la pantalla) para gozo de adolescentes (en las butacas), sigue siendo treinta años después todo un clásico del género. Hoy en día impacta mucho menos, probablemente porque a pesar de su tema de horror, la película no depende tanto de imágenes explícitas y gore para provocar el terror en la audiencia, como hacen la mayoría de filmes hoy en día. De hecho, las secuelas de la película y las imitaciones han sido mucho más sangrientas y gráficas. En cambio esta, utiliza el suspense y la tensión dramática. Y sobre todo, el pensar que está basada en hechos reales, te mantiene con un sentimiento de agonía durante toda la película. Sea verdad o mentira, a mí me pone la piel de gallina cada vez que lo pienso!! Aquí podéis ver el trailer de la película en versión original (siento no haber conseguido la versión en castellano).
EL RESPLANDOR (1980)
Pocas veces en la historia del cine una simple escena de un niño montado en un triciclo, paseando por los pasillos de un hotel, provocó un suspense tan extraño, tan inquietante, tan sobrecogedor... Pero el poder de la imagen Kubrick consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. Como esta de las gemelas que a mí, aún hoy, me sigue poniendo los pelos de punta cada vez que la veo.
PESADILLA EN ELM STREET (1984)
¿Quién no recuerda a Freddy Krueger ? Todos de niños hemos tenido pesadillas con él. Y todavía hoy, si cerramos los ojos podemos ver su cara y su guante de cuchillas afiladas. Y es que Freddy Krueger no era un asesino como los demás. Sí, los adolescentes también eran sus víctimas, pero Freddy Krueger no les atacaba en callejones oscuros o en campamentos de verano, él les asesinaba a través de sus sueños. Es precisamente esto lo que hacía novedosas sus películas y las dotaba de unas mayores dosis de terror, ya que los protagonistas debían mantenerse despiertos para sobrevivir! Ya sabéis, si os atrevéis a regresar a vuestras pesadillas de la infancia, aquí tenéis el trailer de la película.
LOS OTROS (2001)
La intrigante historia de tres sirvientes que entran a trabajar en una mansión de la isla de Jersey, al servicio de una mujer que vive con dos hijos que no pueden exponerse a la luz del sol, fue todo un éxito a nivel mundial, algo sin precedentes en un cine español. Aunque, el filme está plagado de intriga, angustia y sobresaltos, para mí uno de los momentos más espeluznantes es la escena en la cual la niña está jugando en su cuarto con una marioneta, con un velo en la cabeza. La cancioncilla que canta me pone los pelos de punta!! Y el momento en que llega su madre y le levanta el velo para descubrir que...no se trata de su hija, también!
LA SEÑAL (THE RING) (2002)
Envuelta en una atmósfera incómoda y tenebrista, la película desarrolla un argumento plagado de ambientes oscuros que provocan un gran desasosiego en el espectador... Sin duda es una de las cintas de terror mejor logradas de estos últimos años. Si os atrevéis a ver el vídeo, en esta escena se ve a Samara saliendo del pozo.
FRÁGILES (2005)
La excelente puesta en escena de esta película consigue crear una atmósfera sobrecogedora. Desde el inicio hasta el final de la película el espectador está en tensión. Pero a mí lo que más me impresionó fue la imagen de Charlotte, la niña mecánica!! Estuve la mitad de la película tapándome los ojos!
¿Qué pensáis vosotros? ¿Cuál de todas estas películas os parece más escalofriante? Animaos y dejadme vuestra opinión. También podéis sugerir algunas otras que seguro que me he dejado en el tintero.
CURIOSIDADES..."La decisión final" sin final
Ya está en DVD la última película, hasta ahora, de la saga de los X-men (conocidos como La Patrulla X en España y Hombres X en Hispanoamérica). Muchos somos los tontos que nos fuimos del cine, aunque por lógica, antes de que se acabaran los títulos de crédito, tras los que estaba el verdadero "final" de la película. También somos muchos los que solo se han alquilado la peli para poder saber lo que pasa con nuestros propios ojos, y eso que seguro que a todos nos lo habían contado los "listillos" que se la bajaron de Internet o fueron de los que les gusta rentabilizar la entrada quedándose hasta el final de los finales.
Bueno, en definitiva, esos 10 seguntos de imágenes del final, solo buscan dar lugar a una cuarta película, lo cual, los fans de las películas con súperhéroes de cómics agradeceremos. Pero que no se pongan muy cansinos, eh?!
CURIOSIDADES...Qué tendrán los trailers...
20000 películas por ver. Eso es lo que pasa cuando pretendes ver todas las películas que anuncian los trailers antes de empezar la que has ido a ver. Es matemático. Te sientas en la butaca se apagan las luces y...ahí están, multitud de imágenes que te impactan, te hacen pasar miedo o te ríes sin parar. Eso es lo que tienen los trailers, que te muestran lo mejor de las películas y oyes a todo el mundo diciendo el típico "esa la tenemos que venir a ver cuando salga". Pero eso es una gran mentira, la mayoría de veces acabas diciendo que ya la verás cuando salga en DVD o se te olvida. Lo peor es cuando de verdad cumples la promesa de ir a verla y después no tiene nada que ver con lo que esperabas tras haber visto el trailer... Y es en esos momentos cuando te arrepientes de haber ido. Pero, no pasa nada, porque ya has visto otra que irás a ver, y que seguro te encantará, porque el trailer es una caña. ¡Qué tendrán los trailers!
UNA DE CLÁSICOS
EL MEJOR CINE DE SUSPENSE
Tengo que reconocer que Alfred Hitchcock es uno de los directores de cine que más me gusta. Por eso, esta semana, después de haberos contado algunas de las curiosidades más sorprendentes sobre Psicosis, me gustaría recomendaros una de sus películas menos conocidas, y subestimada por muchos, del director. La película en cuestión es: Crimen perfecto (Dial M for murder).
El filme, basado en la obra teatral de Frederick Knott, narra como Tom Wendice (Ray Millnad) trama acabar con la vida de su adinerada esposa Margot (Grace Kelly), quien mantiene relaciones con el escritor Mark Halladay (Robert Cummings), para hacerse con su herencia. Para ejecutar el crimen Tom contará con la colaboración de un antiguo conocido llamado Swan Lesgate (Anthony Dawson), con el que maquinará el crimen perfecto.
La película, que transcurre casi en su totalidad en el salón de la casa del protagonista, está narrada de forma magistral, con unos magníficos movimientos de cámara que parecen conceder mayor amplitud al espacio y que aprovecha todas las posibilidades dramáticas que ofrecen objetos tan cotidianos como unas medias o una llave, que cobran una especial importancia en la película. El maestro del suspense construye un filme con una prodigiosa puesta en escena. Crimen perfecto exhibe una vez más el talento de Hitchcock en el manejo del suspense. Hitchcock logra transmitir al espectador la ansiedad necesaria para implicarlo en la película. El filme engancha desde el principio, al conseguir que el público espere impacientemente que el protagonista cometa algún fallo que le involucre en el crimen. Además, la película cuenta con un estupendo trabajo actoral y una banda sonora que sobresalta a cualquiera.
Por eso, si queréis pasar un buen rato y disfrutar de un thriller magníficamente construido, sin necesidad de vísceras ni sangre, os recomiendo que veáis esta película.
Tengo que reconocer que Alfred Hitchcock es uno de los directores de cine que más me gusta. Por eso, esta semana, después de haberos contado algunas de las curiosidades más sorprendentes sobre Psicosis, me gustaría recomendaros una de sus películas menos conocidas, y subestimada por muchos, del director. La película en cuestión es: Crimen perfecto (Dial M for murder).
El filme, basado en la obra teatral de Frederick Knott, narra como Tom Wendice (Ray Millnad) trama acabar con la vida de su adinerada esposa Margot (Grace Kelly), quien mantiene relaciones con el escritor Mark Halladay (Robert Cummings), para hacerse con su herencia. Para ejecutar el crimen Tom contará con la colaboración de un antiguo conocido llamado Swan Lesgate (Anthony Dawson), con el que maquinará el crimen perfecto.
La película, que transcurre casi en su totalidad en el salón de la casa del protagonista, está narrada de forma magistral, con unos magníficos movimientos de cámara que parecen conceder mayor amplitud al espacio y que aprovecha todas las posibilidades dramáticas que ofrecen objetos tan cotidianos como unas medias o una llave, que cobran una especial importancia en la película. El maestro del suspense construye un filme con una prodigiosa puesta en escena. Crimen perfecto exhibe una vez más el talento de Hitchcock en el manejo del suspense. Hitchcock logra transmitir al espectador la ansiedad necesaria para implicarlo en la película. El filme engancha desde el principio, al conseguir que el público espere impacientemente que el protagonista cometa algún fallo que le involucre en el crimen. Además, la película cuenta con un estupendo trabajo actoral y una banda sonora que sobresalta a cualquiera.
Por eso, si queréis pasar un buen rato y disfrutar de un thriller magníficamente construido, sin necesidad de vísceras ni sangre, os recomiendo que veáis esta película.
LECTURAS SOBRE CINE
CINE Y GUERRA CIVIL ESPAÑOLA. DEL MITO A LA MEMORIA.
Como amante del cine que soy, recomiendo no solo ir a las salas de cine o alquilar películas para verlas en casa, sino también adquirir conocimientos sobre este arte gracias a buenas lecturas sobre el tema. Así que desde aquí voy a atreverme a recomendaros algunos de los libros que considero más interesantes.
Empezaré presentando un magnífico libro del autor Vicente Sánchez Biosca, profesor de Historia del Cine en la Universidad de Valencia y director de la Revista Archivos de la Filmoteca valenciana. El libro se titula Cine y Guerra Civil Española. Del mito a la memoria, y salió a la luz el pasado mes de octubre. En él, Sánchez Biosca reflexiona sobre los motivos que han llevado a las distintas propuestas cinematográficas que han tratado la Guerra Civil española, que han abordado el tema desde ópticas distintas, todas ellas importantes para configurar la imagen que tenemos de aquella época. El autor destacó que 'los relatos que nos contamos son tan importantes como los acontecimientos mismos', por lo que es interesante analizar las diferentes posturas acerca del tema. Así, este libro recorre setenta años de la producción de las imágenes y los relatos de la guerra tal y como los representó el cine, por lo que analiza una larga lista de títulos cinematográficos, desde Franco ese hombre, a Murió hace quince años, Morir en Madrid, Balarrasa o Canciones para después de una guerra, hasta otras más recientes como ¡Ay Carmela! o La Lengua de las mariposas. Además la edición incluye un DVD con una copia de la película Rojo y negro, una curiosa pieza estrenada en 1942 y restaurada por la Filmoteca Española en 1994, que cuenta la historia de Luisa, falangista, y Miguel, comunista. Esta película da una visión falangista de la guerra, aunque el propio régimen franquista la retiró porque era incómoda para su postura. Este filme fue estrenado el mismo año que Raza, una película que representaba los valores del ejército nacional y cuyo guión está basado en un anecdotario del propio Franco.
Este libro, pues, es interesante para conocer cómo el séptimo arte ha reflejado a lo largo de las últimas siete décadas la historia de la Guerra Civil española, desde distintas intenciones. Así que os lo recomiendo a los amantes de la historia y del cine que quieran conocer un poco más acerca del oscuro período que representó la Guerra para España.
Como amante del cine que soy, recomiendo no solo ir a las salas de cine o alquilar películas para verlas en casa, sino también adquirir conocimientos sobre este arte gracias a buenas lecturas sobre el tema. Así que desde aquí voy a atreverme a recomendaros algunos de los libros que considero más interesantes.
Empezaré presentando un magnífico libro del autor Vicente Sánchez Biosca, profesor de Historia del Cine en la Universidad de Valencia y director de la Revista Archivos de la Filmoteca valenciana. El libro se titula Cine y Guerra Civil Española. Del mito a la memoria, y salió a la luz el pasado mes de octubre. En él, Sánchez Biosca reflexiona sobre los motivos que han llevado a las distintas propuestas cinematográficas que han tratado la Guerra Civil española, que han abordado el tema desde ópticas distintas, todas ellas importantes para configurar la imagen que tenemos de aquella época. El autor destacó que 'los relatos que nos contamos son tan importantes como los acontecimientos mismos', por lo que es interesante analizar las diferentes posturas acerca del tema. Así, este libro recorre setenta años de la producción de las imágenes y los relatos de la guerra tal y como los representó el cine, por lo que analiza una larga lista de títulos cinematográficos, desde Franco ese hombre, a Murió hace quince años, Morir en Madrid, Balarrasa o Canciones para después de una guerra, hasta otras más recientes como ¡Ay Carmela! o La Lengua de las mariposas. Además la edición incluye un DVD con una copia de la película Rojo y negro, una curiosa pieza estrenada en 1942 y restaurada por la Filmoteca Española en 1994, que cuenta la historia de Luisa, falangista, y Miguel, comunista. Esta película da una visión falangista de la guerra, aunque el propio régimen franquista la retiró porque era incómoda para su postura. Este filme fue estrenado el mismo año que Raza, una película que representaba los valores del ejército nacional y cuyo guión está basado en un anecdotario del propio Franco.
Este libro, pues, es interesante para conocer cómo el séptimo arte ha reflejado a lo largo de las últimas siete décadas la historia de la Guerra Civil española, desde distintas intenciones. Así que os lo recomiendo a los amantes de la historia y del cine que quieran conocer un poco más acerca del oscuro período que representó la Guerra para España.
NOVEDADES EN DVD
EL WOODY ALLEN MÁS DRAMÁTICO
Durante este mes de noviembre también ha llegado a las tiendas el DVD de la anterior película de Woody Allen: Match Point.
La que muchos han clasificado como la mejor película del director neoyorkino es un drama sobre la ambición y sobre el poder de seducción de la riqueza, el amor y la pasión. Pero sobre todo, la película reivindica el papel del azar, pues muestra la importancia de la suerte en el devenir de los aconteciemientos.
La película narra la historia de Chris (Jonathan Rhys Meyers), una ex-promesa del tenis, que se va a Londres a dar clases. Allí conocerá a una rica mujer con la que se casará, aunque se enamorará de otra. En el filme Chris se debate entre dos mujeres: su matrimonio le proporciona estatus y prestigio en la sociedad, pero su pasión le lleva a los brazos de Nola (Scarlett Johansson), su futura cuñada, una bella y extremadamente sexy chica americana que se impone entre Chris y su esposa Chloe (Emily Mortimer). Este triángulo amoroso acabará llevando al protagonista a un callejón sin salida. Pero no os contaré más porque se trata de una historia absolutamente imprevisible, con una media hora final sorprendente, que vale la pena ver.
Match Point es una película magnífica tanto por lo que cuenta como por como lo cuenta, pues el filme está modélicamente narrado. Desde el principio hasta el final, la película tiene una enorme fuerza emotiva que te atrapa y no te suelta. Asimismo, el trabajo de los actores es magnífico. Especial mención se merecen Jonathan Rhys Meyers, pues el actor sostiene con maestría el peso de toda la película y Sacarlett Johansson, que realiza un trabajo verdaderamente extraordinario con aires de mujer fatal. Es obligatorio mencionar también, el uso de la música como contrapunto a la tensión dramática, sobre todo en la escena donde Chris entra en el edificio de Nola Rice. Además, en Match Point, Allen deja por primera vez su amado Nueva York, y rueda enteramente en Londres, ciudad de la cual el director ofrece un cuadro magnífico. ¡Y es que Woody Allen es único para retratar una ciudad y hacernos respirar la esencia de la misma!
Os invito a que veáis la película aquellos que todavía no lo hayáis hecho y a que compartáis vuestras opiniones conmigo. Además, todos aquellos que estéis abonados a la plataforma Digital+, esta noche podréis disfrutar del estreno del filme que ofrece Canal+ en un especial dedicado al director neoyorkino, junto con su película anterior, Melinda&Melinda.
Durante este mes de noviembre también ha llegado a las tiendas el DVD de la anterior película de Woody Allen: Match Point.
La que muchos han clasificado como la mejor película del director neoyorkino es un drama sobre la ambición y sobre el poder de seducción de la riqueza, el amor y la pasión. Pero sobre todo, la película reivindica el papel del azar, pues muestra la importancia de la suerte en el devenir de los aconteciemientos.
La película narra la historia de Chris (Jonathan Rhys Meyers), una ex-promesa del tenis, que se va a Londres a dar clases. Allí conocerá a una rica mujer con la que se casará, aunque se enamorará de otra. En el filme Chris se debate entre dos mujeres: su matrimonio le proporciona estatus y prestigio en la sociedad, pero su pasión le lleva a los brazos de Nola (Scarlett Johansson), su futura cuñada, una bella y extremadamente sexy chica americana que se impone entre Chris y su esposa Chloe (Emily Mortimer). Este triángulo amoroso acabará llevando al protagonista a un callejón sin salida. Pero no os contaré más porque se trata de una historia absolutamente imprevisible, con una media hora final sorprendente, que vale la pena ver.
Match Point es una película magnífica tanto por lo que cuenta como por como lo cuenta, pues el filme está modélicamente narrado. Desde el principio hasta el final, la película tiene una enorme fuerza emotiva que te atrapa y no te suelta. Asimismo, el trabajo de los actores es magnífico. Especial mención se merecen Jonathan Rhys Meyers, pues el actor sostiene con maestría el peso de toda la película y Sacarlett Johansson, que realiza un trabajo verdaderamente extraordinario con aires de mujer fatal. Es obligatorio mencionar también, el uso de la música como contrapunto a la tensión dramática, sobre todo en la escena donde Chris entra en el edificio de Nola Rice. Además, en Match Point, Allen deja por primera vez su amado Nueva York, y rueda enteramente en Londres, ciudad de la cual el director ofrece un cuadro magnífico. ¡Y es que Woody Allen es único para retratar una ciudad y hacernos respirar la esencia de la misma!
Os invito a que veáis la película aquellos que todavía no lo hayáis hecho y a que compartáis vuestras opiniones conmigo. Además, todos aquellos que estéis abonados a la plataforma Digital+, esta noche podréis disfrutar del estreno del filme que ofrece Canal+ en un especial dedicado al director neoyorkino, junto con su película anterior, Melinda&Melinda.
VAMOS AL CINE
"DE VEZ EN CUANDO ESTÁ BIEN ENAMORARSE UN POCO"
Una historia de amor sin argumento que transcurre en un pequeño pueblo de los pirineos. Se trata de Ficción, la nueva película de Cesc Gay, también director de filmes como En la ciudad y Krámpack.
En su nuevo trabajo, el director catalán relata la historia de Álex (Eduard Fernández), un director de cine en plena crisis de creatividad que acude a la casa de Santi (Javier Cámara), uno de sus mejores amigos, para alejarse unos días de sus hijos y su mujer con el objetivo de desbloquear su mente y acabar el guion de su última película. Allí conocerá a Mónica (Montse Germán), una violinista, también de paso por el pueblo, que, tras eludir compromisos toda su vida ha aceptado vivir con su pareja y adoptar una niña. Poco a poco las cenas, paseos a caballo y excursiones hacen que nazca entre los dos una relación muy especial. Sin embargo, ninguno de los dos se atreve a dar el paso y tirar por la borda todo lo que tienen para construir un proyecto en común. Hacerlo supondría romper con los compromisos. Demasiado riesgo a cambio de un futuro incierto.
Acostumbrados a que nos cuenten la otra parte de la historia, la de la infidelidad, Cesc Gay opta por un relato que habla de lo que no se ve en el cine. Ficción tiene como tema principal la fidelidad de la pareja. La película trata sobre la renuncia a vivir otras historias, sobre aquello que nos reprimimos. Por eso el silencio y las miradas son los verdaderos protagonistas de la película. A través de ellos, la película ahonda en la expresividad de unos personajes cobardes e indecisos. Además, la película cuenta con unos diálogos muy precisos. Diálogos que dicen mucho, con pocas palabras. Y lo dicen muy bien. Cesc Gay consigue construir un relato que emociona por su sencillez y por la naturalidad con la que se cuenta la historia, gracias al magnífico guion construido por el director. Además, el filme cuenta con un espléndido trabajo por parte de los actores. Tanto Javier Cámara, como la debutante Montse Germán y Eduard Fernández, están estupendos. Sobre todo este último.
Probablemente la película no sea un éxito de taquilla y no tardarán mucho en quitarla de los cines. Por eso os animo a que vayáis a ver este hermoso filme que cuenta con unas imágenes cautivadoras (sobre todo aquellas filmadas en exteriores). Solamente, avisaros a aquellos que no os gusten las películas lentas, de que Ficción es una historia con muy poca acción y que no tiene el ritmo frenético de la mayoría de películas de hoy en día.
Aquí podéis disfrutar del tráiler de esta maravillosa película.
Una historia de amor sin argumento que transcurre en un pequeño pueblo de los pirineos. Se trata de Ficción, la nueva película de Cesc Gay, también director de filmes como En la ciudad y Krámpack.
En su nuevo trabajo, el director catalán relata la historia de Álex (Eduard Fernández), un director de cine en plena crisis de creatividad que acude a la casa de Santi (Javier Cámara), uno de sus mejores amigos, para alejarse unos días de sus hijos y su mujer con el objetivo de desbloquear su mente y acabar el guion de su última película. Allí conocerá a Mónica (Montse Germán), una violinista, también de paso por el pueblo, que, tras eludir compromisos toda su vida ha aceptado vivir con su pareja y adoptar una niña. Poco a poco las cenas, paseos a caballo y excursiones hacen que nazca entre los dos una relación muy especial. Sin embargo, ninguno de los dos se atreve a dar el paso y tirar por la borda todo lo que tienen para construir un proyecto en común. Hacerlo supondría romper con los compromisos. Demasiado riesgo a cambio de un futuro incierto.
Acostumbrados a que nos cuenten la otra parte de la historia, la de la infidelidad, Cesc Gay opta por un relato que habla de lo que no se ve en el cine. Ficción tiene como tema principal la fidelidad de la pareja. La película trata sobre la renuncia a vivir otras historias, sobre aquello que nos reprimimos. Por eso el silencio y las miradas son los verdaderos protagonistas de la película. A través de ellos, la película ahonda en la expresividad de unos personajes cobardes e indecisos. Además, la película cuenta con unos diálogos muy precisos. Diálogos que dicen mucho, con pocas palabras. Y lo dicen muy bien. Cesc Gay consigue construir un relato que emociona por su sencillez y por la naturalidad con la que se cuenta la historia, gracias al magnífico guion construido por el director. Además, el filme cuenta con un espléndido trabajo por parte de los actores. Tanto Javier Cámara, como la debutante Montse Germán y Eduard Fernández, están estupendos. Sobre todo este último.
Probablemente la película no sea un éxito de taquilla y no tardarán mucho en quitarla de los cines. Por eso os animo a que vayáis a ver este hermoso filme que cuenta con unas imágenes cautivadoras (sobre todo aquellas filmadas en exteriores). Solamente, avisaros a aquellos que no os gusten las películas lentas, de que Ficción es una historia con muy poca acción y que no tiene el ritmo frenético de la mayoría de películas de hoy en día.
Aquí podéis disfrutar del tráiler de esta maravillosa película.
VAMOS AL CINE
CON LICENCIA PARA MATAR
En Navidad llegará a las carteleras españolas la nueva aventura del espía más conocido de la gran pantalla, el agente 007, creado por el novelista Ian Fleming en 1953. James Bond será interpretado esta vez por Daniel Craig, que se convierte en el sexto actor en ese papel. Anteriores a este actor británico de 37 años fueron: Sean Connery (1962-1967), que ha sido el más aclamado de todos, George Lazenby (1969), Roger Moore (1973-1985), Timothy Dalton (1987-1989) y Pierce Brosnan (1995-2002). En su nueva aventura, James Bond dejará de lado su faceta de espía duro para dar paso a un lado más humano, sin dejar las armas ni su fama de mujeriego.
La nueva película, ha sido bien acogida por los críticos británicos, y eso a pesar de la oposición de muchos fans a que Daniel Craig fuera el próximo 007. La página web, www.craignotbond.com, le pide a los fanáticos "detener a Sony y Eon (Productions) antes que arruinen el futuro de James Bond al contratar a Daniel Craig". Espero que lejos de prejuicios y quejas sin argumentos (pues Daniel Craig ya ha demostrado que es un gran actor en películas como Layer Cake y Munich), sepamos disfrutar de la ironía de nuestro espía.
Estas son las películas estrenadas hasta ahora de James Bond: Agente 007 contra el Doctor No (1962), Desde Rusia con amor (1963), James Bond contra Goldfinger (1964), Operación Trueno (1965), Casino Royale (1967), Sólo se vive dos veces (1967), Diamantes para la eternidad (1971), 007 al servicio secreto de Su Majestad (1969), Vive y deja morir (1973), El hombre de la pistola de oro (1974), La espía que me amó (1977), Moonraker
(1979), Sólo para sus ojos (1981), Octopuss y 007(1983), Nunca digas nunca jamás (1983), Panorama para matar (1985), Bond 007: Alta tensión (1987), Licencia para matar (1989), GoldenEye (1995), Bond, James Bond El mañana nunca muere (1997), El mundo nunca es suficiente (1999), Muere otro día (2002).
Os animo a que compartáis vuestra opinión sobre la saga del agente secreto con todos nosotros, y a que nos contéis qué os parece la elección del nuevo actor que encarnará a James Bond en la nueva película del agente 007. Y si queréis saber más sobre la nueva aventura acudir a: http://www.archivo007.com/Bond21.htm
En Navidad llegará a las carteleras españolas la nueva aventura del espía más conocido de la gran pantalla, el agente 007, creado por el novelista Ian Fleming en 1953. James Bond será interpretado esta vez por Daniel Craig, que se convierte en el sexto actor en ese papel. Anteriores a este actor británico de 37 años fueron: Sean Connery (1962-1967), que ha sido el más aclamado de todos, George Lazenby (1969), Roger Moore (1973-1985), Timothy Dalton (1987-1989) y Pierce Brosnan (1995-2002). En su nueva aventura, James Bond dejará de lado su faceta de espía duro para dar paso a un lado más humano, sin dejar las armas ni su fama de mujeriego.
La nueva película, ha sido bien acogida por los críticos británicos, y eso a pesar de la oposición de muchos fans a que Daniel Craig fuera el próximo 007. La página web, www.craignotbond.com, le pide a los fanáticos "detener a Sony y Eon (Productions) antes que arruinen el futuro de James Bond al contratar a Daniel Craig". Espero que lejos de prejuicios y quejas sin argumentos (pues Daniel Craig ya ha demostrado que es un gran actor en películas como Layer Cake y Munich), sepamos disfrutar de la ironía de nuestro espía.
Estas son las películas estrenadas hasta ahora de James Bond: Agente 007 contra el Doctor No (1962), Desde Rusia con amor (1963), James Bond contra Goldfinger (1964), Operación Trueno (1965), Casino Royale (1967), Sólo se vive dos veces (1967), Diamantes para la eternidad (1971), 007 al servicio secreto de Su Majestad (1969), Vive y deja morir (1973), El hombre de la pistola de oro (1974), La espía que me amó (1977), Moonraker
(1979), Sólo para sus ojos (1981), Octopuss y 007(1983), Nunca digas nunca jamás (1983), Panorama para matar (1985), Bond 007: Alta tensión (1987), Licencia para matar (1989), GoldenEye (1995), Bond, James Bond El mañana nunca muere (1997), El mundo nunca es suficiente (1999), Muere otro día (2002).
Os animo a que compartáis vuestra opinión sobre la saga del agente secreto con todos nosotros, y a que nos contéis qué os parece la elección del nuevo actor que encarnará a James Bond en la nueva película del agente 007. Y si queréis saber más sobre la nueva aventura acudir a: http://www.archivo007.com/Bond21.htm
CURIOSIDADES... Sobre uno de los grandes
"El público debe sufrir tanto como sea posible".
¿Quién podría haber pronunciado esta frase? Venga, que es muy fácil de adivinar. ¿Lo tienes? Una pista: se trata de un director de cine. ¡Claro! Estoy hablando del gran Alfred Hitchcock (1899-1980), sin duda uno de los más importantes cineastas de todos los tiempos.
Autor de brillantes e ingeniosas películas, la mayoría de ellas thrillers psicológicos, Hitchcock definió sin ninguna duda un nuevo género: el suspense, del cual se le considera maestro indiscutible. Él mismo lo define así: “Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense.” Ha sido alabado sobre todo por su ingenio, su impecable y muy estilizada técnica cinematográfica y por su afición a lo macabro y a lo escalofriante, utilizando elementos psicológicos y otros de gran impacto visual y auditivo para crear el ambiente apropiado. Estuvo nominado cinco veces en los Oscar como mejor director, pero curiosamente no obtuvo ninguno.
En 1925 Hitchcock dirigió su primera película, El jardín de la alegría, a la que pronto siguió El enemigo de las rubias (1926), ya en su línea de cine de suspense, y en la que mostraba su obsesión por un tipo de mujer característico. Entre sus otros éxitos iniciales en el Reino Unido están Los 39 escalones (1935), y Alarma en el Expreso (1939). Se trasladó a los Estados Unidos en 1939, donde dirigió películas tan famosas como Rebeca (1940), La sombra de una duda (1943), Encadenados (1946), La soga (1948), Extraños en un tren (1951), Yo confieso (1952), La ventana indiscreta (1954), Crimen perfecto (1954), El hombre que sabía demasiado (1955), Falso culpable (1957), De entre los muertos (Vértigo) (1958), Con la muerte en los talones (1959), Psicosis (1960), o Los pájaros (1963). Además de sus películas, Hitchcock realizó varias series de historias cortas y produjo dos series de enorme éxito para televisión: Alfred Hitchcock presenta (1959-1962) y La hora de Alfred Hitchcock (1963-1965). Además, Hitchcock creaba en sus películas una curiosidad añadida, pues solía aparecer en brevísimos papeles sin texto: paseando a unos perros (los suyos), sentado al lado del protagonista en el autobús o en el anuncio de un adelgazante en el periódico, con la foto del antes y el después incluida. Según él lo hacía porque le daba suerte y porque era un buen actor.
Sin duda, una de sus películas más famosas es Psicosis (Psycho), interpretada por Anthony Perkins y Janet Leigh, la cual tuvo mucho éxito en su época y todavía hoy sigue manteniendo un status en el mundo del cine. Sobre esta película quiero comentaros una serie de interesantes curiosidades, que seguro os llamarán la atención. ¡Allá van!
-->Hitchcock compró los derechos de la novela en la cual se basa la película de forma anónima a Robert Bloch por sólo 9.000$. Después compró todas las copias del libro que pudo con el fin de mantener el final en secreto. Cabe decir que Hitchcock realizó un cambio signicativo, pues, en la novela, Norman Bates (personaje interpretado por Anthony Perkins) es gordo, bajito y desagradable. Fue Hitchcock quien decidió convertirle en joven, atractivo y simpático.
-->Una de las razonas por las que Hitchcock rodó Psicosis en blanco y negro fue porque de haberlo hecho en color habría resultado demasiado sangrienta, pero la principal razón fue la de abaratar costes.
-->Para la escena de la ducha se rodaron unas 90 posiciones de cámara distintas y Anthony Perkins (Norman Bates en el filme) no intervino en ningún momento del rodaje, ya que se encontraba en Nueva York preparándose para una obra de teatro. Aquí podéis ver esta famosa secuencia.
-->El sonido del cuchillo penetrando en el estómago de la protagonista es en realidad el sonido de un cuchillo abriendo un melón.
-->En un principio Hitchcock quería la escena de la ducha sin música, pero Bernard Herrmann le hizo cambiar de opinión. Además, Alfred Hitchcock y Joseph Stephano (guionista) imaginaron la película en un principio con música de jazz, y no con la partitura para instrumentos de cuerda escrita finalmente por Herrmann. Tras su estreno, Hitchcock dijo que el 33% de la efectividad de Psicosis es debido a la música.
-->El cuadro que Norman aparta para ver a Marion (personaje interpretado por Janet Leigh) por el agujero de la pared cuando esta se está desnudando representa una violación.
-->Después del estreno, Hitchcock recibió la carta de un padre enfadado porque después de ver la película su hija no quería ducharse. Hitchcock le contestó con un escueto "Llévela usted a la lavandería".
-->Janet Leigh sólo tenía tres semanas para rodar la película y se pasó toda una semana rodando la más que famosa escena de la ducha. Algunas partes de esta escena, sin embargo, fueron grabadas con una modelo desnuda
-->Cuando los actores y el equipo de la película comenzaron a trabajar tuvieron que reunirse y darse la mano, prometiendo no revelar nada acerca de la historia. De todas formas, Hitchcock y Stephano mantuvieron en secreto hasta el último momento el final de la película.
-->Y una de las más impactantes anécdotas sobre el rodaje: Hitchcock colocó el cadáver de la madre de Norman Bates en el camerino de Janet Leigh sin que esta lo supiera, para comprobar lo fuerte que podía llegar a gritar.
Y tú, ¿qué puedes contarnos sobre este gran director? ¡Anímate a compartir tus comentarios aquí!
¿Quién podría haber pronunciado esta frase? Venga, que es muy fácil de adivinar. ¿Lo tienes? Una pista: se trata de un director de cine. ¡Claro! Estoy hablando del gran Alfred Hitchcock (1899-1980), sin duda uno de los más importantes cineastas de todos los tiempos.
Autor de brillantes e ingeniosas películas, la mayoría de ellas thrillers psicológicos, Hitchcock definió sin ninguna duda un nuevo género: el suspense, del cual se le considera maestro indiscutible. Él mismo lo define así: “Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense.” Ha sido alabado sobre todo por su ingenio, su impecable y muy estilizada técnica cinematográfica y por su afición a lo macabro y a lo escalofriante, utilizando elementos psicológicos y otros de gran impacto visual y auditivo para crear el ambiente apropiado. Estuvo nominado cinco veces en los Oscar como mejor director, pero curiosamente no obtuvo ninguno.
En 1925 Hitchcock dirigió su primera película, El jardín de la alegría, a la que pronto siguió El enemigo de las rubias (1926), ya en su línea de cine de suspense, y en la que mostraba su obsesión por un tipo de mujer característico. Entre sus otros éxitos iniciales en el Reino Unido están Los 39 escalones (1935), y Alarma en el Expreso (1939). Se trasladó a los Estados Unidos en 1939, donde dirigió películas tan famosas como Rebeca (1940), La sombra de una duda (1943), Encadenados (1946), La soga (1948), Extraños en un tren (1951), Yo confieso (1952), La ventana indiscreta (1954), Crimen perfecto (1954), El hombre que sabía demasiado (1955), Falso culpable (1957), De entre los muertos (Vértigo) (1958), Con la muerte en los talones (1959), Psicosis (1960), o Los pájaros (1963). Además de sus películas, Hitchcock realizó varias series de historias cortas y produjo dos series de enorme éxito para televisión: Alfred Hitchcock presenta (1959-1962) y La hora de Alfred Hitchcock (1963-1965). Además, Hitchcock creaba en sus películas una curiosidad añadida, pues solía aparecer en brevísimos papeles sin texto: paseando a unos perros (los suyos), sentado al lado del protagonista en el autobús o en el anuncio de un adelgazante en el periódico, con la foto del antes y el después incluida. Según él lo hacía porque le daba suerte y porque era un buen actor.
Sin duda, una de sus películas más famosas es Psicosis (Psycho), interpretada por Anthony Perkins y Janet Leigh, la cual tuvo mucho éxito en su época y todavía hoy sigue manteniendo un status en el mundo del cine. Sobre esta película quiero comentaros una serie de interesantes curiosidades, que seguro os llamarán la atención. ¡Allá van!
-->Hitchcock compró los derechos de la novela en la cual se basa la película de forma anónima a Robert Bloch por sólo 9.000$. Después compró todas las copias del libro que pudo con el fin de mantener el final en secreto. Cabe decir que Hitchcock realizó un cambio signicativo, pues, en la novela, Norman Bates (personaje interpretado por Anthony Perkins) es gordo, bajito y desagradable. Fue Hitchcock quien decidió convertirle en joven, atractivo y simpático.
-->Una de las razonas por las que Hitchcock rodó Psicosis en blanco y negro fue porque de haberlo hecho en color habría resultado demasiado sangrienta, pero la principal razón fue la de abaratar costes.
-->Para la escena de la ducha se rodaron unas 90 posiciones de cámara distintas y Anthony Perkins (Norman Bates en el filme) no intervino en ningún momento del rodaje, ya que se encontraba en Nueva York preparándose para una obra de teatro. Aquí podéis ver esta famosa secuencia.
-->El sonido del cuchillo penetrando en el estómago de la protagonista es en realidad el sonido de un cuchillo abriendo un melón.
-->En un principio Hitchcock quería la escena de la ducha sin música, pero Bernard Herrmann le hizo cambiar de opinión. Además, Alfred Hitchcock y Joseph Stephano (guionista) imaginaron la película en un principio con música de jazz, y no con la partitura para instrumentos de cuerda escrita finalmente por Herrmann. Tras su estreno, Hitchcock dijo que el 33% de la efectividad de Psicosis es debido a la música.
-->El cuadro que Norman aparta para ver a Marion (personaje interpretado por Janet Leigh) por el agujero de la pared cuando esta se está desnudando representa una violación.
-->Después del estreno, Hitchcock recibió la carta de un padre enfadado porque después de ver la película su hija no quería ducharse. Hitchcock le contestó con un escueto "Llévela usted a la lavandería".
-->Janet Leigh sólo tenía tres semanas para rodar la película y se pasó toda una semana rodando la más que famosa escena de la ducha. Algunas partes de esta escena, sin embargo, fueron grabadas con una modelo desnuda
-->Cuando los actores y el equipo de la película comenzaron a trabajar tuvieron que reunirse y darse la mano, prometiendo no revelar nada acerca de la historia. De todas formas, Hitchcock y Stephano mantuvieron en secreto hasta el último momento el final de la película.
-->Y una de las más impactantes anécdotas sobre el rodaje: Hitchcock colocó el cadáver de la madre de Norman Bates en el camerino de Janet Leigh sin que esta lo supiera, para comprobar lo fuerte que podía llegar a gritar.
Y tú, ¿qué puedes contarnos sobre este gran director? ¡Anímate a compartir tus comentarios aquí!
EN TU CIUDAD
Esta semana me gustaría recomendaros otras dos actividades que tendrán lugar durante el mes de noviembre en Valencia.
SEMINARIO SOBRE CINE Y ARQUITECTURA
Una de ellas es el Seminario de cine y arquitectura que organiza la Universidad Politécnica de Valencia durante los días 23 y 24 de noviembre. A lo largo de estos dos días, varios expertos tratarán el papel que desempeña la escenografía en el séptimo arte. Para ello contaremos con la presencia de profesionales de la talla de Felix Murcia, uno de los más importantes directores artísticos del panorama cinematográfico español, que en su día ganó cinco premios Goya (por Dragón Rapide, El rey pasmado, Tirano Banderas, El perro del hortelano y Secretos del corazón) y que además ha participado el filmes como Mujeres al borde de un ataque de nervios, de Pedro Almodóvar; Días Contados, de Imanol Uribe, o El amor perjudica seriamente la salud, de Manuel Gómez Pereira. Al acto también acudirá Adán Aliaga, director del largometraje La casa de mi abuela, para hablar de su filme. Como contrapunto también participará en el acto un arquitecto, para ofrecernos otro punto de vista sobre el tema. Además de las conferencias, se proyectarán las películas Mujeres al borde de un ataque de nervios y La casa de mi abuela, las cuales serán comentadas posteriormente por sus respectivos directores (Felix Murcia y Adán Aliaga), y se realizará una mesa redonda.
La entrada al acto es libre. Pero si lo deseáis también la podéis convalidar por créditos de libre elección.
CURSO DE EXTENSIÓN UNIVERSITARIA SOBRE CINE MUSICAL NORTEAMERICANO
También quisiera recomendaros a todos aquellos interesados en el tema un curso de extensión universitaria que ofrece la Universidad de Valencia sobre el cine musical norteamericano, un género que da mucho de sí. El curso comienza el 28 de Noviembre y en el participará Áurea Ortiz, profesora de cine en el departamento de Historia del Arte de la Universidad de Valencia, que también estará presente en la mesa redonda del Seminario sobre cine y arquitectura.
Siento no poder ofreceros más detalles sobre ninguna de las dos actividades pero, me ha sido imposible encontrar algún sitio en Internet que hablase sobre ellas. Así que, si queréis más información acudid a la Universidad Politécnica o al DISE que allí seguro que os dirán como matricularos y dónde y cuándo tendrán lugar exactamente.
SEMINARIO SOBRE CINE Y ARQUITECTURA
Una de ellas es el Seminario de cine y arquitectura que organiza la Universidad Politécnica de Valencia durante los días 23 y 24 de noviembre. A lo largo de estos dos días, varios expertos tratarán el papel que desempeña la escenografía en el séptimo arte. Para ello contaremos con la presencia de profesionales de la talla de Felix Murcia, uno de los más importantes directores artísticos del panorama cinematográfico español, que en su día ganó cinco premios Goya (por Dragón Rapide, El rey pasmado, Tirano Banderas, El perro del hortelano y Secretos del corazón) y que además ha participado el filmes como Mujeres al borde de un ataque de nervios, de Pedro Almodóvar; Días Contados, de Imanol Uribe, o El amor perjudica seriamente la salud, de Manuel Gómez Pereira. Al acto también acudirá Adán Aliaga, director del largometraje La casa de mi abuela, para hablar de su filme. Como contrapunto también participará en el acto un arquitecto, para ofrecernos otro punto de vista sobre el tema. Además de las conferencias, se proyectarán las películas Mujeres al borde de un ataque de nervios y La casa de mi abuela, las cuales serán comentadas posteriormente por sus respectivos directores (Felix Murcia y Adán Aliaga), y se realizará una mesa redonda.
La entrada al acto es libre. Pero si lo deseáis también la podéis convalidar por créditos de libre elección.
CURSO DE EXTENSIÓN UNIVERSITARIA SOBRE CINE MUSICAL NORTEAMERICANO
También quisiera recomendaros a todos aquellos interesados en el tema un curso de extensión universitaria que ofrece la Universidad de Valencia sobre el cine musical norteamericano, un género que da mucho de sí. El curso comienza el 28 de Noviembre y en el participará Áurea Ortiz, profesora de cine en el departamento de Historia del Arte de la Universidad de Valencia, que también estará presente en la mesa redonda del Seminario sobre cine y arquitectura.
Siento no poder ofreceros más detalles sobre ninguna de las dos actividades pero, me ha sido imposible encontrar algún sitio en Internet que hablase sobre ellas. Así que, si queréis más información acudid a la Universidad Politécnica o al DISE que allí seguro que os dirán como matricularos y dónde y cuándo tendrán lugar exactamente.
CURIOSIDADES... sobre los Oscar
Sin duda, uno de los eventos internacionales sobre cine más importantes es la gala de los Oscar. Desde su primera edición, en 1929, este acto acapara gran parte de la atención mundial, y se ha convertido en todo un espectáculo. Sin embargo, muchas han sido las cosas que han sucedido desde entonces y que no sabemos. Aquí voy a intentar contaros algunas de las más interesantes curiosidades acerca del tema.
-->La primera ceremonia de los Oscar no tuvo cobertura en directo a través de los medios de comunicación. Pero aquel acto despertó un gran interés entre el público, por lo que en la segunda edición una emisora de radio local de Los Angeles decidió dedicarle un especial de una hora. Desde entonces, los premios han sido retransmitidos en directo.
-->La persona que más ha sido recompensada por la Academia es Walt Disney, con más de 60 nominaciones y 26 Oscars, principalmente por sus cortos de animación. En 1939 le dieron un Oscar con un diseño especial: una estatuilla de tamaño real y siete en miniatura. Simbolizaban su premio honorífico por Blancanieves y los siete enanitos, en reconocimiento a la innovación que esta película de animación supuso para la gran pantalla.
-->Entre los actores, el récord de estatuillas lo tiene Katharine Hepburn, con 4 Oscars de sus 12 nominaciones. Es la actriz más reconocida de los Oscar, pero a pesar de esto solo acudió a la gala una vez, y no para recoger una estatuilla, sino para entregar un premio honorífico al productor Lawrence Weingarten en 1974. Aunque la actriz más nominada ha sido Meryl Streep, que ha optado a los premios en 13 ocasiones.
-->La primera mujer que obtuvo el Oscar a la mejor actriz fue Janet Gaynor, en 1929, y lo hizo por 3 películas a la vez: El séptimo cielo, Amanecer y El ángel de la calle. Algo parecido sucedió ese mismo año con el actor Emil Jannings, que fue premiado por sus interpretaciones en El destino de la carne y La última orden.
-->Sólo tres películas se han llevado los cinco Oscars más importantes, es decir el Oscar a la mejor película, al mejor actor, a la mejor actriz, al mejor director y al mejor guión. Son Sucedió una noche (1934), Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) y El silencio de los corderos (1991).
-->Aunque parezca increíble, un actor obtuvo un Oscar póstumo. Fue Peter Finch, nominado por su actuación en Un mundo implacable (1976), que murió semanas antes de la ceremonia de la Academia.
-->En cuanto a la nominación a película de habla no inglesa, Francia es el país con más nominaciones: 30 de sus films fueron seleccionados. Pero el récord de Oscars lo tiene Italia, con 10 estatuillas (cuatro de ellas para largometrajes de Federico Fellini).
-->En lo que respecta a nuestro país, tres films han triunfado en los Oscar como mejor película de habla no inglesa. Se trata de Volver a empezar (1982) de José Luís Garci, Belle époque (1993) de Fernando Trueba y Todo sobre mi madre (1999) de Pedro Almodóvar. Esta última pasará a la historia por el "Peeedrooo" de Penélope Cruz cuando descubrió a Almodóvar como ganador, y por el repaso al santoral del director manchego cuando agradeció el premio.
-->El famoso "And the Oscar goes to..." no se lleva utilizando desde siempre en los Oscar .Antes de 1988 los presentadores pronunciaban "The winner is..." cuando abrían el sobre con el nombre del ganador.
-->Sólo una vez se ha suspendido el habitual desfile de estrellas por la glamourosa alfombra roja, previo a la gala. Fue en el año 2003, cuando acababa de estallar la guerra contra Irak y los organizadores de la ceremonia pensaron que lo más adecuado era restar frivolidad al acto.
Si sabéis de más curiosidades acerca de los Oscar o queréis hacer cualquier comentario, ¡no os cortéis! Queremos saberlo todo sobre esta gala!!
UNA DE CLÁSICOS
IM CABARET, AU CABARET, TO CABARET...
Esta semana, y con motivo de la llegada del musical Cabaret a la ciudad de Valencia, me gustaría recomendaros el filme de Bob Fosse. Ganadora de ocho Oscars, la película Cabaret, está ambientada en el Berlín de los años treinta y cuenta la historia de Sally Bowles (Liza Minnelli), una cantante y bailarina del Kit Kat Club que sueña con convertirse en una gran actriz de cine. Además, el filme muestra la decadencia de un sector de la sociedad alemana en los últimos años de la República de Weimar, poco antes del ascenso de los nazis al poder absoluto de una sociedad a punto de morir.
Cabaret es una película ya clásica del cine musical. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de musicales, esta película se encuentra claramente dividida en dos partes que entrecruzan: una parte musical, la que transcurre en el Kit Kat Club, club nocturno de la capital alemana, y una parte dramática. Aunque a esta parte dramática de la historia le falta mucho por perfeccionar, cabe destacar en ella el magnífico triángulo amoroso entre los personajes de Liza Minnelli, Michael York y Helmut Griem.
Durante toda la película aparecerá el nazismo de telón de fondo, y, aunque este tema se toca muy de pasada, está muy bien dibujado, tanto en lo números musicales de Joel Grey, el maestro de ceremonias del Kit Kat Club, como en el resto del filme. Probablemente la escena que mejor refleja esto es la que transcurre en una cervecería al aire libre donde un joven alemán empieza a cantar con voz dulce una canción, aparentemente hermosa, pero que no es más que el reclamo al poderío de su nación (el joven es nazi), y acaban por unirse a él la mayor parte de ciudadanos que se encuentran en ese lugar.
Sin embargo, el verdadero valor de la película reside en la sección musical, la que transcurre en el Kit Kat Club, con un Joel Grey increíble como maestro de ceremonias (consiguió el oscar a mejor actor secundario por encima de Al Pacino en El Padrino, lo cual levantó una gran polémica) y una magnífica interpretación de Liza Minnelli, que interpreta el papel de su vida. Además, la banda sonora de la película es estupenda al igual que la puesta en escena, que cuenta con unas revolucionarias coreografías que corren a cargo del propio Bob Fosse. Cabe destacar también la fotografía y el montaje de la película, que son muy buenos. Si además de todo esto os apetece pasar un buen rato, ¡no lo dudéis! Si tenéis la oportunidad ved Cabaret. Merece la pena y además es muy entretenida.
Aquí podéis disfrutar de uno de los estupendos números musicales de la película.
Esta semana, y con motivo de la llegada del musical Cabaret a la ciudad de Valencia, me gustaría recomendaros el filme de Bob Fosse. Ganadora de ocho Oscars, la película Cabaret, está ambientada en el Berlín de los años treinta y cuenta la historia de Sally Bowles (Liza Minnelli), una cantante y bailarina del Kit Kat Club que sueña con convertirse en una gran actriz de cine. Además, el filme muestra la decadencia de un sector de la sociedad alemana en los últimos años de la República de Weimar, poco antes del ascenso de los nazis al poder absoluto de una sociedad a punto de morir.
Cabaret es una película ya clásica del cine musical. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de musicales, esta película se encuentra claramente dividida en dos partes que entrecruzan: una parte musical, la que transcurre en el Kit Kat Club, club nocturno de la capital alemana, y una parte dramática. Aunque a esta parte dramática de la historia le falta mucho por perfeccionar, cabe destacar en ella el magnífico triángulo amoroso entre los personajes de Liza Minnelli, Michael York y Helmut Griem.
Durante toda la película aparecerá el nazismo de telón de fondo, y, aunque este tema se toca muy de pasada, está muy bien dibujado, tanto en lo números musicales de Joel Grey, el maestro de ceremonias del Kit Kat Club, como en el resto del filme. Probablemente la escena que mejor refleja esto es la que transcurre en una cervecería al aire libre donde un joven alemán empieza a cantar con voz dulce una canción, aparentemente hermosa, pero que no es más que el reclamo al poderío de su nación (el joven es nazi), y acaban por unirse a él la mayor parte de ciudadanos que se encuentran en ese lugar.
Sin embargo, el verdadero valor de la película reside en la sección musical, la que transcurre en el Kit Kat Club, con un Joel Grey increíble como maestro de ceremonias (consiguió el oscar a mejor actor secundario por encima de Al Pacino en El Padrino, lo cual levantó una gran polémica) y una magnífica interpretación de Liza Minnelli, que interpreta el papel de su vida. Además, la banda sonora de la película es estupenda al igual que la puesta en escena, que cuenta con unas revolucionarias coreografías que corren a cargo del propio Bob Fosse. Cabe destacar también la fotografía y el montaje de la película, que son muy buenos. Si además de todo esto os apetece pasar un buen rato, ¡no lo dudéis! Si tenéis la oportunidad ved Cabaret. Merece la pena y además es muy entretenida.
Aquí podéis disfrutar de uno de los estupendos números musicales de la película.
EN TU CIUDAD
2 O 3 COSAS QUE TODAVÍA QUEREMOS SABER SOBRE LA NOUVELLE VAGUE
La Nouvelle Vague francesa es uno de los movimientos cinematográficos europeos más importantes del siglo pasado. Por eso me gustaría recomendaros el ciclo 2 o 3 cosas que todavía queremos saber sobre la Nouvelle Vague que organiza el MuVIM junto con el Instituto Francés de Valencia. Este ciclo quiere rememorar, con las proyección de seis películas en las que se mezclan aquellos rasgos más conocidos de este movimiento con los menos reconocibles, aquel fenómeno artístico que, a finales de la década de los 50, dio lugar a una nueva manera de hacer cine que se extendió por toda Europa.
Entre las películas que se proyectarán se encuentran títulos como Les Amants (1958) Louis Malle (27 de noviembre), Cléo de 5 à 7 (1961) Agnès Varda (28 Noviembre); La mamain et la putain (1973) Jean Estache (29 Noviembre); Les 400 coups (1959) François Truffaut (11 Diciembre); Hiroshima,mon amour (1959) Alain Renais (12 Diciembre); À bout de souffle (1959) Jean-Luc Godard (13 Diciembre).
El ciclo es iniciativa de Vicente Ponce, profesor de la Universidad Politécnica de Valencia. Además, cuenta con la presencia de José Luis Castro de Paz (Universidad de Vigo), Javier Maqua (escritor y cineasta), Javier Gómez Tarín (Universidad Jaime I), Juan Miguel Company (Universidad de Valencia), Pilar Pedraza (Universida de Valencia) y Santos Zunzunegui (semiólogo y analista cinematográfico. Universidad del País Vasco) quienes tras la proyección de cada película realizaran una conferencia.
El ciclo se realizará los días 27, 28 y 29 de noviembre, y 11, 12 y 13 de diciembre a las 18 horas, en el salón de actos del MuVIM y en el salón de actos del Instituto Francés. La asistencia al ciclo se realizará en cualquiera de los dos lugares indistintamente y podrá ser convalidada por dos créditos de libre elección por los alumnos matriculados.
Si os gusta el buen cine u os hacen falta los dos créditos...ya sabéis. La experencia promete. Sino os recomiendo que por lo menos, si alguna vez tenéis la oportunidad, veáis Los 400 golpes de Truffaut, Hiroshima, mon amour de Renais o Al final de la escapada de Godard. ¡Merecen la pena!
Si queréis más información sobre el ciclo visitad: http://www.uv.es/dise/unitat2/Nouvelle%20Vague%20tr%EDptic.pdf
La Nouvelle Vague francesa es uno de los movimientos cinematográficos europeos más importantes del siglo pasado. Por eso me gustaría recomendaros el ciclo 2 o 3 cosas que todavía queremos saber sobre la Nouvelle Vague que organiza el MuVIM junto con el Instituto Francés de Valencia. Este ciclo quiere rememorar, con las proyección de seis películas en las que se mezclan aquellos rasgos más conocidos de este movimiento con los menos reconocibles, aquel fenómeno artístico que, a finales de la década de los 50, dio lugar a una nueva manera de hacer cine que se extendió por toda Europa.
Entre las películas que se proyectarán se encuentran títulos como Les Amants (1958) Louis Malle (27 de noviembre), Cléo de 5 à 7 (1961) Agnès Varda (28 Noviembre); La mamain et la putain (1973) Jean Estache (29 Noviembre); Les 400 coups (1959) François Truffaut (11 Diciembre); Hiroshima,mon amour (1959) Alain Renais (12 Diciembre); À bout de souffle (1959) Jean-Luc Godard (13 Diciembre).
El ciclo es iniciativa de Vicente Ponce, profesor de la Universidad Politécnica de Valencia. Además, cuenta con la presencia de José Luis Castro de Paz (Universidad de Vigo), Javier Maqua (escritor y cineasta), Javier Gómez Tarín (Universidad Jaime I), Juan Miguel Company (Universidad de Valencia), Pilar Pedraza (Universida de Valencia) y Santos Zunzunegui (semiólogo y analista cinematográfico. Universidad del País Vasco) quienes tras la proyección de cada película realizaran una conferencia.
El ciclo se realizará los días 27, 28 y 29 de noviembre, y 11, 12 y 13 de diciembre a las 18 horas, en el salón de actos del MuVIM y en el salón de actos del Instituto Francés. La asistencia al ciclo se realizará en cualquiera de los dos lugares indistintamente y podrá ser convalidada por dos créditos de libre elección por los alumnos matriculados.
Si os gusta el buen cine u os hacen falta los dos créditos...ya sabéis. La experencia promete. Sino os recomiendo que por lo menos, si alguna vez tenéis la oportunidad, veáis Los 400 golpes de Truffaut, Hiroshima, mon amour de Renais o Al final de la escapada de Godard. ¡Merecen la pena!
Si queréis más información sobre el ciclo visitad: http://www.uv.es/dise/unitat2/Nouvelle%20Vague%20tr%EDptic.pdf
EN TU CIUDAD
EMIGRANTES, INMIGRANTES, EXILIADOS
Del 16 de octubre al 21 de noviembre, el Museu Valencià de la Il.lustració i la Modernitat (MuVIM) y la Caja de Ahorros del Mediterráneo celebran el ciclo de cine Emigrantes, inmigrantes, exiliados en el que se proyectarán seis películas que hablan del fenómeno de la migración, con todos los conflictos y dramas que implica.
Entre las películas que se proyectarán se encuentran títulos como El tren de la memoria (2005), de M. Arribas y A. Pérez (23 de octubre); Inshallah Europa (2005) de David Fontseca (30 de octubre); La piel quemada (1967), de J. M. Forn (6 de noviembre); Lamerica (1994) de Gianni Amelio (13 de noviembre); y Código desconocido (2000) de Michael Haneke (20 de noviembre).
Además, el ciclo cuenta con la presencia de Rafael Rodríguez Tranche, de la Universidad Complutense de Madrid; Marina Díaz, del Instituto Cervantes; Àngel Quintana, de la Universitat de Girona; Vicente J. Benet, de la Universitat Jaume I; y Sonia García López, de la Universitat de València, quienes profundizarán sobre los diversos temas tratados por las películas.
El ciclo Emigrantes, inmigrantes, exiliados se celebrará en dos espacios: el Salón de Actos del MuVIM y el Aula de Cultura CAM de Torrent, los lunes y los martes, respectivamente, a las 19 horas. La asistencia al ciclo se puede realizar indistintamente en Valencia o Torrent, y podrá ser convalidada por dos créditos de libre opción por los alumnos matriculados.
Lo organiza Vicente Sánchez Biosca, así que seguro que merece la pena. Espero que asistáis y compartáis con todos nosotros vuestra opinión.
Para más información visitad: http://www.uv.es/dise/unitat2/ciclo%20cine.pdf
Del 16 de octubre al 21 de noviembre, el Museu Valencià de la Il.lustració i la Modernitat (MuVIM) y la Caja de Ahorros del Mediterráneo celebran el ciclo de cine Emigrantes, inmigrantes, exiliados en el que se proyectarán seis películas que hablan del fenómeno de la migración, con todos los conflictos y dramas que implica.
Entre las películas que se proyectarán se encuentran títulos como El tren de la memoria (2005), de M. Arribas y A. Pérez (23 de octubre); Inshallah Europa (2005) de David Fontseca (30 de octubre); La piel quemada (1967), de J. M. Forn (6 de noviembre); Lamerica (1994) de Gianni Amelio (13 de noviembre); y Código desconocido (2000) de Michael Haneke (20 de noviembre).
Además, el ciclo cuenta con la presencia de Rafael Rodríguez Tranche, de la Universidad Complutense de Madrid; Marina Díaz, del Instituto Cervantes; Àngel Quintana, de la Universitat de Girona; Vicente J. Benet, de la Universitat Jaume I; y Sonia García López, de la Universitat de València, quienes profundizarán sobre los diversos temas tratados por las películas.
El ciclo Emigrantes, inmigrantes, exiliados se celebrará en dos espacios: el Salón de Actos del MuVIM y el Aula de Cultura CAM de Torrent, los lunes y los martes, respectivamente, a las 19 horas. La asistencia al ciclo se puede realizar indistintamente en Valencia o Torrent, y podrá ser convalidada por dos créditos de libre opción por los alumnos matriculados.
Lo organiza Vicente Sánchez Biosca, así que seguro que merece la pena. Espero que asistáis y compartáis con todos nosotros vuestra opinión.
Para más información visitad: http://www.uv.es/dise/unitat2/ciclo%20cine.pdf
NOVEDADES EN DVD
Este otoño se presenta interesante en cuanto a lanzamiento de películas en DVD. Desde aquí os quiero recomendar especialmente dos. Una de ellas es un clásico de Disney, que sin duda marcó una época para la compañía, y la otra un exitoso filme basado en una de las novelas más vendidas de los últimos tiempos. Estoy hablando de La Sirenita y El Código Da Vinci.
LA SIRENITA
La Sirenita, película de animación de Walt Disney , se estrenó por primera vez el 15 de noviembre de 1989 y batió records de taquilla. Fue la octavo vigésima película de animación de la compañía, y, gracias a su éxito, permitió una nueva época dorada para ella. A esta película le siguieron, por ejemplo, La Bella y la Bestia, Aladdín o El rey león.
La película está dirigida por Ron Clements y John Musker, y está basada en un cuento de H.C. Andersen. En ella se nos cuenta una imposible historia de amor entre una sirena, Ariel, y un humano, condenados a vivir el uno sin el otro.
Os la recomiendo especialmente, por ser un clásico del cine de animación, y además por su bonita banda sonora, ganadora de dos Óscars, dos Globos de Oro y un Grammy. ¡Volvamos a la infancia de la mano de La Sirenita!
EL CÓDIGO DA VINCI
El Código Da Vinci se ha convertido en todo un fenómeno social a nivel mundial. Tanto la novela, de Dan Brown, como posteriormente la película, dirigida por Ron Howard, han tenido un gran éxito y ambas han logrado recaptar grandes cantidades de dinero.
La película, que se estrenó simultáneamente en todo el mundo el 19 de mayo de 2006, tiene un reparto envidiable, formado por Tom Hanks, Audrey Tautou y Ian McKellen, entre otros.
La trama de la película comienza cuando el catedrático y afamado simbologista Robert Langdon (Tom Hanks) se ve obligado a acudir una noche al Museo del Louvre tras ser informado del misterioso asesinato de un conservador del museo, que deja tras de si un misterioso rastro de símbolos y pistas. A partir de ahí, y con la ayuda de criptógrafa Sophie Neveu (Autrey Tatou), va descubriendo una serie de asombrosos secretos ocultos en la obra de Leonardo Da Vinci, que le van acercando a un secreto que haría tambalear los cimientos de la humanidad.
La película, como es normal, no supera al libro, pero aún así es interesante verla por toda la trepidante acción que se desarrolla en ella.
¡Animaos a compartir vuestras opiniones sobre estas dos películas aquí!
LA SIRENITA
La Sirenita, película de animación de Walt Disney , se estrenó por primera vez el 15 de noviembre de 1989 y batió records de taquilla. Fue la octavo vigésima película de animación de la compañía, y, gracias a su éxito, permitió una nueva época dorada para ella. A esta película le siguieron, por ejemplo, La Bella y la Bestia, Aladdín o El rey león.
La película está dirigida por Ron Clements y John Musker, y está basada en un cuento de H.C. Andersen. En ella se nos cuenta una imposible historia de amor entre una sirena, Ariel, y un humano, condenados a vivir el uno sin el otro.
Os la recomiendo especialmente, por ser un clásico del cine de animación, y además por su bonita banda sonora, ganadora de dos Óscars, dos Globos de Oro y un Grammy. ¡Volvamos a la infancia de la mano de La Sirenita!
EL CÓDIGO DA VINCI
El Código Da Vinci se ha convertido en todo un fenómeno social a nivel mundial. Tanto la novela, de Dan Brown, como posteriormente la película, dirigida por Ron Howard, han tenido un gran éxito y ambas han logrado recaptar grandes cantidades de dinero.
La película, que se estrenó simultáneamente en todo el mundo el 19 de mayo de 2006, tiene un reparto envidiable, formado por Tom Hanks, Audrey Tautou y Ian McKellen, entre otros.
La trama de la película comienza cuando el catedrático y afamado simbologista Robert Langdon (Tom Hanks) se ve obligado a acudir una noche al Museo del Louvre tras ser informado del misterioso asesinato de un conservador del museo, que deja tras de si un misterioso rastro de símbolos y pistas. A partir de ahí, y con la ayuda de criptógrafa Sophie Neveu (Autrey Tatou), va descubriendo una serie de asombrosos secretos ocultos en la obra de Leonardo Da Vinci, que le van acercando a un secreto que haría tambalear los cimientos de la humanidad.
La película, como es normal, no supera al libro, pero aún así es interesante verla por toda la trepidante acción que se desarrolla en ella.
¡Animaos a compartir vuestras opiniones sobre estas dos películas aquí!
VAMOS AL CINE
DONDE SE PONGA LA COMEDIA ESPAÑOLA...
Esta temporada hemos tenido en cartel películas de todo tipo: de fantasía, basadas en hechos reales, históricas... Era inevitable que apareciera una comedia de humor tan español como su director y sus actores. Fernando Tejero, Santi Millán y José Luis García Pérez, bajo la dirección de Joaquín Oristrell, forman el trío perfecto en Va a ser que nadie es perfecto para hacer reír a carcajadas a un público que busca diversión ante todo. Estos tres actores dan vida a minusválidos (un invidente, un sordo y un cojo, respectivamente) que preparan una noche de locura para la despedida de soltero de uno de ellos. Las situaciones a las que se enfrentan tienen siempre como fondo un humor "sano". La podríamos definir como una comedia que hace que aprendamos a reírnos de nosotros mismos, resaltando en todo momento el valor de la amistad como factor clave para superar cualquier obstáculo. Ya sabéis, esta película es una de las mejores opciones para pasar 100 minutos de risas sin parar, porque donde se ponga la comedia española...
Podeis disfrutar de una entrevista a Santi Millán y Fernando Tejero, que publicó el diario 20 minutos el día 24 de Octubre (página 22): http://www.20minutos.es/data/edicionimpresa/valencia/06/10/VALE_24_10_06.pdf
Esta temporada hemos tenido en cartel películas de todo tipo: de fantasía, basadas en hechos reales, históricas... Era inevitable que apareciera una comedia de humor tan español como su director y sus actores. Fernando Tejero, Santi Millán y José Luis García Pérez, bajo la dirección de Joaquín Oristrell, forman el trío perfecto en Va a ser que nadie es perfecto para hacer reír a carcajadas a un público que busca diversión ante todo. Estos tres actores dan vida a minusválidos (un invidente, un sordo y un cojo, respectivamente) que preparan una noche de locura para la despedida de soltero de uno de ellos. Las situaciones a las que se enfrentan tienen siempre como fondo un humor "sano". La podríamos definir como una comedia que hace que aprendamos a reírnos de nosotros mismos, resaltando en todo momento el valor de la amistad como factor clave para superar cualquier obstáculo. Ya sabéis, esta película es una de las mejores opciones para pasar 100 minutos de risas sin parar, porque donde se ponga la comedia española...
Podeis disfrutar de una entrevista a Santi Millán y Fernando Tejero, que publicó el diario 20 minutos el día 24 de Octubre (página 22): http://www.20minutos.es/data/edicionimpresa/valencia/06/10/VALE_24_10_06.pdf
VAMOS AL CINE
EL REGRESO DE WOODY ALLEN
Como viene siendo de costumbre llega a la gran pantalla la entrega anual de Woody Allen. El genio neoyorkino regresa con Scoop, una comedia policiaca que, aunque no goza de la maestría de su última cinta (Match Point), resulta entretenida e ingeniosa. Una vez más Woody Allen abandona los escenarios de Nueva York para rodar en la capital inglesa y realizar una ácida crítica de la alta sociedad británica. La película cuenta la historia de Sondra Pransky (Scarlett Johansson), una estudiante americana de periodismo que acude a un espectáculo de magia, donde el ilusionista (Woody Allen) la hace subir al escenario para realizar uno de sus trucos en el que ella debe desaparecer. Mientras Sondra está esperando "desmaterializarse", recibe la visita del fantasma de un reportero ambicioso que viaja desde el más allá para servirle en bandeja la exclusiva del año. El espíritu le cuenta que Peter Lyman (Hugh Jackman), el rico y atractivo hijo de un conocido aristócrata británico, está llevando una doble vida y podría ser el asesino de las cartas del tarot.
No hagáis caso de aquellos que han clasificado Scoop como una película menor, como un paréntesis en la carrera del director. Ya quisieran muchos hacer obras como esta. Scoop es un filme inteligente y divertido, que te mantiene la sonrisa en los labios (sonrisa que en ocasiones llega a la carcajada) durante toda la película. La película cuenta con algunos momentos memorables como los esfuerzos que hace el personaje de Woody Allen para hacerse pasar por un importante hombre de negocios, su irrupción en la piscina lujosa o las referencias a la costumbre inglesa de conducir por la izquierda. Además, la película destaca por su estupenda fotografía, por una magnífica banda sonora y por el brillante trabajo de los actores. Aquellos fans del director tendrán la oportunidad de ver a un divertidísimo Woody Allen y a una fantástica Scarlett Johansson en plan cómico, que se adapta perfectamente al cambio de registro. Id a verla si queréis pasar un buen rato y, por favor, si tenéis la oportunidad, ¡vedla en versión original! Merece la pena.
Aquí os pongo el tráiler en castellano de esta divertida peli.
Como viene siendo de costumbre llega a la gran pantalla la entrega anual de Woody Allen. El genio neoyorkino regresa con Scoop, una comedia policiaca que, aunque no goza de la maestría de su última cinta (Match Point), resulta entretenida e ingeniosa. Una vez más Woody Allen abandona los escenarios de Nueva York para rodar en la capital inglesa y realizar una ácida crítica de la alta sociedad británica. La película cuenta la historia de Sondra Pransky (Scarlett Johansson), una estudiante americana de periodismo que acude a un espectáculo de magia, donde el ilusionista (Woody Allen) la hace subir al escenario para realizar uno de sus trucos en el que ella debe desaparecer. Mientras Sondra está esperando "desmaterializarse", recibe la visita del fantasma de un reportero ambicioso que viaja desde el más allá para servirle en bandeja la exclusiva del año. El espíritu le cuenta que Peter Lyman (Hugh Jackman), el rico y atractivo hijo de un conocido aristócrata británico, está llevando una doble vida y podría ser el asesino de las cartas del tarot.
No hagáis caso de aquellos que han clasificado Scoop como una película menor, como un paréntesis en la carrera del director. Ya quisieran muchos hacer obras como esta. Scoop es un filme inteligente y divertido, que te mantiene la sonrisa en los labios (sonrisa que en ocasiones llega a la carcajada) durante toda la película. La película cuenta con algunos momentos memorables como los esfuerzos que hace el personaje de Woody Allen para hacerse pasar por un importante hombre de negocios, su irrupción en la piscina lujosa o las referencias a la costumbre inglesa de conducir por la izquierda. Además, la película destaca por su estupenda fotografía, por una magnífica banda sonora y por el brillante trabajo de los actores. Aquellos fans del director tendrán la oportunidad de ver a un divertidísimo Woody Allen y a una fantástica Scarlett Johansson en plan cómico, que se adapta perfectamente al cambio de registro. Id a verla si queréis pasar un buen rato y, por favor, si tenéis la oportunidad, ¡vedla en versión original! Merece la pena.
Aquí os pongo el tráiler en castellano de esta divertida peli.
UNA DE CLÁSICOS
UNA COMEDIA ENLOQUECIDA
Para aquellos que prefieran quedarse en casa viendo una película, esta semana os recomiendo todo un clásico del cine de Hollywood: La fiera de mi niña (Bringing up Baby), una disparatada, trepidante, enloquecida y, sobre todo, divertidísima película.
Esta obra maestra de Howard Hawks narra la historia de un científico tímido y dedicado por completo a su trabajo, el Dr. David Huxley (Cary Grant), que está a punto de terminar la reconstrucción del esqueleto de un brantosaurio y de casarse, pero que por circunstancias diversas es arrastrado por Susan Vance (Katherine Hepburn), una caótica pero deliciosa muchacha que acaba enamorándose de él, hasta infinidad de líos y situaciones curiosas.
La fiera de mi niña es probablemente la comedia de enredos por antonomasia. El filme transforma las situaciones más cotidianas en un divertido y complicado juego, con equívocos y vueltas de tuerca que rozan el surrealismo e inolvidables diálogos de un humor mordaz e inteligente. Una vez que empieza la película uno no puede parar de reír y de verla, a pesar de saber como va a acabar. El ritmo del filme es trepidante y alocado gracias al excelente guión y a la excelente capacidad narrativa de su director. Pero sobre todo, destacan las interpretaciones de los dos protagonistas, que son sencillamente insuperables. En concreto Katherine Hepburn borda el que probablemente sea uno de los mejores papeles de su carrera.
Aún así, todos estos puntos a su favor no fueron, en su día, suficientes para que la película triunfara en su estreno. Afortunadamente el paso de los años ha hecho justicia y hoy en día es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos. Así que, os recomiendo que si tenéis la oportunidad la veáis (a ser posible en versión original).
Para aquellos que prefieran quedarse en casa viendo una película, esta semana os recomiendo todo un clásico del cine de Hollywood: La fiera de mi niña (Bringing up Baby), una disparatada, trepidante, enloquecida y, sobre todo, divertidísima película.
Esta obra maestra de Howard Hawks narra la historia de un científico tímido y dedicado por completo a su trabajo, el Dr. David Huxley (Cary Grant), que está a punto de terminar la reconstrucción del esqueleto de un brantosaurio y de casarse, pero que por circunstancias diversas es arrastrado por Susan Vance (Katherine Hepburn), una caótica pero deliciosa muchacha que acaba enamorándose de él, hasta infinidad de líos y situaciones curiosas.
La fiera de mi niña es probablemente la comedia de enredos por antonomasia. El filme transforma las situaciones más cotidianas en un divertido y complicado juego, con equívocos y vueltas de tuerca que rozan el surrealismo e inolvidables diálogos de un humor mordaz e inteligente. Una vez que empieza la película uno no puede parar de reír y de verla, a pesar de saber como va a acabar. El ritmo del filme es trepidante y alocado gracias al excelente guión y a la excelente capacidad narrativa de su director. Pero sobre todo, destacan las interpretaciones de los dos protagonistas, que son sencillamente insuperables. En concreto Katherine Hepburn borda el que probablemente sea uno de los mejores papeles de su carrera.
Aún así, todos estos puntos a su favor no fueron, en su día, suficientes para que la película triunfara en su estreno. Afortunadamente el paso de los años ha hecho justicia y hoy en día es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos. Así que, os recomiendo que si tenéis la oportunidad la veáis (a ser posible en versión original).