Noticia: Miscelánea Noticiera Brutal
Agenda
El miércoles día dos de febrero habrá una presentación en forma de desayuno del ganador del VI Premio Río Manzanares de Novela, Santiago Miralles. El acto tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes a las 11:00 de la mañana. La novela premiada es Dos mil Madrid cincuenta y cuatro, y transcurre en el año 2054. Andrés Longoria, un profesor y ahora alto funcionario del órgano máximo de autoridad mundial es encargado de elegir las ciudades más representativas de la cultura del mundo. Regresa a Madrid, donde observa con asombro cómo se está intentando reconstruir la ciudad, edificio a edificio, tal y como era durante el Siglo de Oro. A todo esto le sucede una trama llena de intrigas. Puedes leer una muy buena reseña aquí.
Santiago Miralles Huete tiene 42 años. Estudió Derecho y Filosofía y ha sido diplomático en diversos países. Su primera novela, La tierra ligera, investiga las circunstancias de la muerte del emperador Maximiliano de México. También ha publicado La Fuente de Orfeo y La
ONG.
El premio Río Manzanares de Novela lo convoca anualmente el Ayuntamiento de Madrid a través de la empresa municipal del Suelo; intenta fomentar la creación de obras que tengan como marco de referencia la ciudad de Madrid. Este año, el jurado ha estado presidido por Luis Mateo Díez, y formado por los
escritores, Ignacio Amestoy, Luis Alberto de Cuenca, Clara Sánchez, Manuel Longares y Juan Van Halen, y los Cronistas de la Villa Angel del Río y Pedro Montoliú.
En el acto de presentación de esta novela participará el autor, así como Margarita García Gallardo, que quedó finalista con la obra El Camino del Agua
También el miércoles, pero a las 19.30 de la tarde se presentará en el Círculo de Bellas Artes el libro de poesía El mar o la impostura de Jorge Urrutia, que ha sido galardonado con el Premio Gil de Biedma de Poesía, que está organizado por la Diputación Provincial de Segovia y la editorial Visor. Intervendrán, junto al autor, Marta Sanz y Fanny Rubio. Organiza el acto la editorial Visor.
Aviso
Por último, he de deciros que ha habido un cambio en el ciclo de conferencias "La biblioteca de..." organizado por la Biblioteca Nacional. Estaba prevista la presencia de Félix de Azúa para el día 16 de febrero, pero ahora la invitada es Clara Janés. Schade...:-(
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El miércoles día dos de febrero habrá una presentación en forma de desayuno del ganador del VI Premio Río Manzanares de Novela, Santiago Miralles. El acto tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes a las 11:00 de la mañana. La novela premiada es Dos mil Madrid cincuenta y cuatro, y transcurre en el año 2054. Andrés Longoria, un profesor y ahora alto funcionario del órgano máximo de autoridad mundial es encargado de elegir las ciudades más representativas de la cultura del mundo. Regresa a Madrid, donde observa con asombro cómo se está intentando reconstruir la ciudad, edificio a edificio, tal y como era durante el Siglo de Oro. A todo esto le sucede una trama llena de intrigas. Puedes leer una muy buena reseña aquí.
Santiago Miralles Huete tiene 42 años. Estudió Derecho y Filosofía y ha sido diplomático en diversos países. Su primera novela, La tierra ligera, investiga las circunstancias de la muerte del emperador Maximiliano de México. También ha publicado La Fuente de Orfeo y La
ONG.
El premio Río Manzanares de Novela lo convoca anualmente el Ayuntamiento de Madrid a través de la empresa municipal del Suelo; intenta fomentar la creación de obras que tengan como marco de referencia la ciudad de Madrid. Este año, el jurado ha estado presidido por Luis Mateo Díez, y formado por los
escritores, Ignacio Amestoy, Luis Alberto de Cuenca, Clara Sánchez, Manuel Longares y Juan Van Halen, y los Cronistas de la Villa Angel del Río y Pedro Montoliú.
En el acto de presentación de esta novela participará el autor, así como Margarita García Gallardo, que quedó finalista con la obra El Camino del Agua
También el miércoles, pero a las 19.30 de la tarde se presentará en el Círculo de Bellas Artes el libro de poesía El mar o la impostura de Jorge Urrutia, que ha sido galardonado con el Premio Gil de Biedma de Poesía, que está organizado por la Diputación Provincial de Segovia y la editorial Visor. Intervendrán, junto al autor, Marta Sanz y Fanny Rubio. Organiza el acto la editorial Visor.
Aviso
Por último, he de deciros que ha habido un cambio en el ciclo de conferencias "La biblioteca de..." organizado por la Biblioteca Nacional. Estaba prevista la presencia de Félix de Azúa para el día 16 de febrero, pero ahora la invitada es Clara Janés. Schade...:-(
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Juego: Las cosas por mi nombre
Sobre lo que me contó F. (con un agrimensor me basta ;-) o lo que yo le quise entender, para contártelo a ti, Piqui (con permiso y sin permiso del respetable vaya este striptease, que tengo varias deudas de martinis y Charles que solucionar. Por la ñoñería ni me disculpo ya, ea).
Sobre lo que me contó el agrimensor mientras el Beagle hundía a Darwin y desescribía sus libros:
La verdad es un pájaro que juega a ser ventana:
Hoy es la misma noche que hace un año
si no se la atraviesa con un libro,
con la ausencia que vuelve romo a un lápiz
con un gallo empeñado en trazar su frontera.
Hay que aprender a ver
el pez que significan los acuarios
Hay que desaprenderse hasta lo indígena
y romper escaleras como Wittgenstein:
la verdad es la ventana que no miente a los pájaros.
Es la regla del juego: el ojo en que se enhebran
esta noche y la noche de hace un año
hay que saber ser hueso sin querer ser arquéologo.
Escucha a Aitana
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Sobre lo que me contó el agrimensor mientras el Beagle hundía a Darwin y desescribía sus libros:
La verdad es un pájaro que juega a ser ventana:
Hoy es la misma noche que hace un año
si no se la atraviesa con un libro,
con la ausencia que vuelve romo a un lápiz
con un gallo empeñado en trazar su frontera.
Hay que aprender a ver
el pez que significan los acuarios
Hay que desaprenderse hasta lo indígena
y romper escaleras como Wittgenstein:
la verdad es la ventana que no miente a los pájaros.
Es la regla del juego: el ojo en que se enhebran
esta noche y la noche de hace un año
hay que saber ser hueso sin querer ser arquéologo.
Escucha a Aitana
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Juego: Silencio: se estudia ;-)
Sobre la velada de ayer no diré ni una palabra... (me vais a permitir que sea un pelín egoísta y me lo guarde para mí)...
Desde ayer ha comenzado oficialmente el periodo de exámenes, así que me acoplo a una nueva rutina: la de madrugar para quedarme en casita estudiando o haciendo como que estudio... Seguiré colgando cosas por aquí, al menos de momento...
De momento, os dejo un rinconcito de mi estantería y un poema de Ángel González que tanta compañía me hace en Madrid. (Será por lo de ser él asturianu como yo)...
DATO BIOGRÁFICO
Cuando estoy en Madrid,
las cucarachas de mi casa protestan porque leo por las
noches.
La luz no las anima a salir de sus escondrijos,
y pierden de ese modo la oportunidad de pasearse por
mi dormitorio,
lugar hacia el que
-por oscuras razones-
se sienten irresistiblemente atraídas.
Ahora hablan de presentar un escrito de queja al presidente
de la república,
y yo me pregunto:
¿en qué país se creerán que viven?;
estas cucarachas no leen los periódicos.
Lo que a ellas les gusta es que yo me emborrache
y baile tangos hasta la madrugada,
para así practicar sin riesgo alguno
su merodeo incesante y sin sentido, a ciegas
por las anchas baldosas de mi alcoba.
A veces las compadezco,
no porque tenga en cuenta sus deseos,
sino porque me siento irresistiblemente atraído,
por oscuras razones,
hacia ciertos lugares muy mal iluminados
en los que me demoro sin plan preconcebido
hasta que el sol naciente anuncia el nuevo día.
Ya de regreso en casa,
cuando me cruzo por el pasillo con sus pequeños cuerpos que se evaden
con torpeza y con miedo
hacia las grietas sombrías donde moran,
les deseo buenas noches a destiempo
-pero de corazón, sinceramente-,
reconociendo en mí su incertidumbre,
su inoportunidad,
su fotofobia,
y otras muchas tendencias y actitudes
que -lamento decirlo-
hablan poco en favor de esos ortópteros.
Ángel González en Poesías sin sentido (De esto va la cosa últimamente)
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Desde ayer ha comenzado oficialmente el periodo de exámenes, así que me acoplo a una nueva rutina: la de madrugar para quedarme en casita estudiando o haciendo como que estudio... Seguiré colgando cosas por aquí, al menos de momento...
De momento, os dejo un rinconcito de mi estantería y un poema de Ángel González que tanta compañía me hace en Madrid. (Será por lo de ser él asturianu como yo)...
DATO BIOGRÁFICO
Cuando estoy en Madrid,
las cucarachas de mi casa protestan porque leo por las
noches.
La luz no las anima a salir de sus escondrijos,
y pierden de ese modo la oportunidad de pasearse por
mi dormitorio,
lugar hacia el que
-por oscuras razones-
se sienten irresistiblemente atraídas.
Ahora hablan de presentar un escrito de queja al presidente
de la república,
y yo me pregunto:
¿en qué país se creerán que viven?;
estas cucarachas no leen los periódicos.
Lo que a ellas les gusta es que yo me emborrache
y baile tangos hasta la madrugada,
para así practicar sin riesgo alguno
su merodeo incesante y sin sentido, a ciegas
por las anchas baldosas de mi alcoba.
A veces las compadezco,
no porque tenga en cuenta sus deseos,
sino porque me siento irresistiblemente atraído,
por oscuras razones,
hacia ciertos lugares muy mal iluminados
en los que me demoro sin plan preconcebido
hasta que el sol naciente anuncia el nuevo día.
Ya de regreso en casa,
cuando me cruzo por el pasillo con sus pequeños cuerpos que se evaden
con torpeza y con miedo
hacia las grietas sombrías donde moran,
les deseo buenas noches a destiempo
-pero de corazón, sinceramente-,
reconociendo en mí su incertidumbre,
su inoportunidad,
su fotofobia,
y otras muchas tendencias y actitudes
que -lamento decirlo-
hablan poco en favor de esos ortópteros.
Ángel González en Poesías sin sentido (De esto va la cosa últimamente)
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Noticia: Presentación del libro La regla del juego, de José Luis Pardo
El viernes 28 se presenta en el Círculo de Lectores el nuevo libro del filósofo José Luis Pardo, La regla del juego. Sobre la dificultad de aprender filosofía. Efectivamente, el libro versa sobre los mecanismos del aprendizaje y sobre la "la pauta lúdica que guía nuestras actividades cotidianas" (Círculo de Lectores dixit).
Este nuevo ensayo de José Luis Pardo se adentra en el complejo mundo del juego y del aprendizaje al tiempo que nos lleva de viaje por la historia de la filosofía, desde Platón a Wittgenstein.
El acto de presentación tendrá lugar en el Centro Cultural de Círculo de Lectores (Calle O'Donnell 10 de Madrid) a las 19:30. En él intervendrán junto al autor, el escritor Félix de Azúa, el filósofo Miguel Morey, catedrático de Filosofía de la Universidad de Barcelona y el poeta Tomás Segovia.
José Luis Pardo Torío nació en Madrid en 1954. Es profesor en la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid. Su aportación al mundo de las letras pasa por numerosos ensayos, así como colaboraciones en la prensa (Babelia o El País). Ha escrito numerosos ensayos. Entre ellos, cabe destacar Las formas de la exterioridad, que fue finalista del Premio Nacional de Ensayo en 1992. También ha escrito La intimidad y Palabras cruzadas: una invitación a la filosofía , que es una conversación con Fernando Savater. En este libro, que recoge conversaciones que han sostenido ambos escritores a lo largo de un año, la palabra "filosofía" es protagonista, unida a la palabra libertad.
Una velada que promete ser interesante...
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Este nuevo ensayo de José Luis Pardo se adentra en el complejo mundo del juego y del aprendizaje al tiempo que nos lleva de viaje por la historia de la filosofía, desde Platón a Wittgenstein.
El acto de presentación tendrá lugar en el Centro Cultural de Círculo de Lectores (Calle O'Donnell 10 de Madrid) a las 19:30. En él intervendrán junto al autor, el escritor Félix de Azúa, el filósofo Miguel Morey, catedrático de Filosofía de la Universidad de Barcelona y el poeta Tomás Segovia.
José Luis Pardo Torío nació en Madrid en 1954. Es profesor en la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid. Su aportación al mundo de las letras pasa por numerosos ensayos, así como colaboraciones en la prensa (Babelia o El País). Ha escrito numerosos ensayos. Entre ellos, cabe destacar Las formas de la exterioridad, que fue finalista del Premio Nacional de Ensayo en 1992. También ha escrito La intimidad y Palabras cruzadas: una invitación a la filosofía , que es una conversación con Fernando Savater. En este libro, que recoge conversaciones que han sostenido ambos escritores a lo largo de un año, la palabra "filosofía" es protagonista, unida a la palabra libertad.
Una velada que promete ser interesante...
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Reseña: Der Kontrabass de Patrick Süskind
Reseño en esta ocasión un librito muy breve pero intenso: El contrabajo de Patrick Süskind. Se trata de un monólogo teatral que el autor escribió en 1980, y que se estrenó en Múnich en 1981, pero que no se publicó como libro hasta 1984. Un año después, publicaba El perfume, una obra que le valió el éxito y el reconocimiento internacionales y que a día de hoy es la más conocida de todas cuantas ha escrito. Posteriormente ha escrito las novelas La paloma y La casa del señor Sommer y el libro de relatos Un combate.
Cabe preguntarse por la formación musical del autor; sobre los motivos que le han llevado a escribir un monólogo como este, puesto que en él la música es la protagonista. Sobre sus propias aptitudes musicales, cuenta Süskind:
En esta cita no se puede averiguar en realidad la relación de Süskind con la música, pero sí la ironía que es capaz de destilar. Y es que Der Kontrabass es una obra absolutamente irónica.
La obra se desarrolla en la habitación insonorizada de un funcionario de la Orquesta Nacional. La obra viene vertebrada por algunas frases que se repiten como "Aber das am Rande" (Pero eso al margen) o por el hecho de que de vez en cuando, para crear la idea de secuencia, se para a beber cerveza.
Durante todo el monólogo, el contrabajista mantiene una relación ambivalente con su instrumento y con lo que significa. En ocasiones, utiliza la ironía contra este instrumento y lo engrandece de tal modo, le concede tal importancia, que lo convierte en un monstruo que lo tiene preso y apenas le deja hacer nada. En otras ocasiones, adopta un tono melancólico, se lamenta por la insignificancia de su instrumento y en cómo esta insignificancia ha configurado su vida en los mismos términos. Eso, sin perder el humor.
El contrabajista mantiene una relación de amor-odio con su instrumento que sirve, en realidad, para desmitificar el mundo de los músicos, para darnos un retrato humano y a veces, demasiado humano de su mundillo: envidias, rivalidades... Desde la supuesta altivez de los cantantes de ópera, hasta los interminables paseos de los directores de ópera; desde la burla al genio de Mozart hasta las peleas entre el primer violín y los demás: todo es visto a través de la lúcida mirada de un desesperado; de un hombre que quiere huir de sí mismo pero no lo consigue porque en ningún lado deja de ver la sombra de su contrabajo, que no es más que la sombra de sí mismo; un hombre aislado en la sociedad: artista, sí; pero funcionario; un hombre gregario, cuya función es anodinamente necesaria pero no imprescindible: resulta comiquísimo cómo cuenta el número de notas que toca en cada concierto y cómo renuncia a tocar otras muchas pues sabe que nadie se enterará.
El autor opone también dos mundos: el de la música, la espiritualidad, lo elevado (tratado desde un punto de vista irónico) con el mundo de abajo, carnal, sexual, lleno de necesidades animalmente (palabro inventado) humanas: así, toda la espiritualidad y ligereza de la música no le sirve de nada para conquistar a una mujer; por lo tanto, resuelve ir a la función de esa noche y gritar su nombre desde el foso. El artista recurre a su lado más cotidiano y más burdo para llamar la atención. Así, el autor rompe con el tópico del exotismo que rodea a la música y a los músicos.
Süskind humaniza el mundo de la música, lo destripa y nos lo hecho pedacitos, destrozado y burlado, para que contemplemos cómo aún así su belleza persiste; para que sepamos que la parafernalia sobre la que ironiza constantemente, no hace más que esconder la esencia verdadera de la belleza en la música.
Süskind consigue, además, a través de un texto brevísimo caracterizar por completo a su personaje; describirlo a través de su propio lenguaje, permitirnos conocerlo a través de sus ideas y de su forma de expresarlas. Aunque se trata de un personaje complejísimo, lleno de vaivenes, de ideas que no se sostienen, de mesura y desmesura, de amor y odio; al final es un personaje que parece estar levemente por encima de sí mismo: el discurso irónico permite entrever a una persona que se observa lúcidamente a sí misma y que es capaz de juzgarse con frialdad, pero sin cortarse las alas de la fantasía y el delirio. Y el hecho de que esté tan bien trazado, el ser capaces de aprehender al personaje y de conocerlo, nos hace también quererlo, querer comprenderlo e interesarnos por él.
Esto dice en una ocasión, pero en otra, cuenta cómo lo afina, dice:
En estas dos frases se muestra esta relación contradictoria que mantiene con su instrumento, pero también de la ironía con que trata su propia contradicción:
_______________________________________________________
Yo he tenido la suerte de ver la puesta en escena de "El Brujo". Lo que me reí va casi parejo a lo que aprendí.
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Cabe preguntarse por la formación musical del autor; sobre los motivos que le han llevado a escribir un monólogo como este, puesto que en él la música es la protagonista. Sobre sus propias aptitudes musicales, cuenta Süskind:
"Da eine vom Vater ererbte Sehnenverkürzung des 5. Fingers und eine von der Mutter ererbte Überlänge der Finger 2, 3 und 4 mich hauptsächlich auf akkordisch begleitendes Spiel beschränkten verziechtete ich auf eine solistische Karriere und warf mich im Wintersemester 1968 auf das Studium der mittleren und neuren Geschichte an der Universität München".
(Como el acortamiento de un tendón del quinto dedo heredado de mi padre y el alargamiento de los dedos 2, 3 y 4 heredados de mi madre me hicieron limitarme al acompañamiento de acordes, renuncié a una carrera en solitario y me lancé en el semestre de invierno de 1968 al estudio de la Historia medieval y moderna en la universidad de Múnich).
En esta cita no se puede averiguar en realidad la relación de Süskind con la música, pero sí la ironía que es capaz de destilar. Y es que Der Kontrabass es una obra absolutamente irónica.
La obra se desarrolla en la habitación insonorizada de un funcionario de la Orquesta Nacional. La obra viene vertebrada por algunas frases que se repiten como "Aber das am Rande" (Pero eso al margen) o por el hecho de que de vez en cuando, para crear la idea de secuencia, se para a beber cerveza.
Durante todo el monólogo, el contrabajista mantiene una relación ambivalente con su instrumento y con lo que significa. En ocasiones, utiliza la ironía contra este instrumento y lo engrandece de tal modo, le concede tal importancia, que lo convierte en un monstruo que lo tiene preso y apenas le deja hacer nada. En otras ocasiones, adopta un tono melancólico, se lamenta por la insignificancia de su instrumento y en cómo esta insignificancia ha configurado su vida en los mismos términos. Eso, sin perder el humor.
El contrabajista mantiene una relación de amor-odio con su instrumento que sirve, en realidad, para desmitificar el mundo de los músicos, para darnos un retrato humano y a veces, demasiado humano de su mundillo: envidias, rivalidades... Desde la supuesta altivez de los cantantes de ópera, hasta los interminables paseos de los directores de ópera; desde la burla al genio de Mozart hasta las peleas entre el primer violín y los demás: todo es visto a través de la lúcida mirada de un desesperado; de un hombre que quiere huir de sí mismo pero no lo consigue porque en ningún lado deja de ver la sombra de su contrabajo, que no es más que la sombra de sí mismo; un hombre aislado en la sociedad: artista, sí; pero funcionario; un hombre gregario, cuya función es anodinamente necesaria pero no imprescindible: resulta comiquísimo cómo cuenta el número de notas que toca en cada concierto y cómo renuncia a tocar otras muchas pues sabe que nadie se enterará.
El autor opone también dos mundos: el de la música, la espiritualidad, lo elevado (tratado desde un punto de vista irónico) con el mundo de abajo, carnal, sexual, lleno de necesidades animalmente (palabro inventado) humanas: así, toda la espiritualidad y ligereza de la música no le sirve de nada para conquistar a una mujer; por lo tanto, resuelve ir a la función de esa noche y gritar su nombre desde el foso. El artista recurre a su lado más cotidiano y más burdo para llamar la atención. Así, el autor rompe con el tópico del exotismo que rodea a la música y a los músicos.
Süskind humaniza el mundo de la música, lo destripa y nos lo hecho pedacitos, destrozado y burlado, para que contemplemos cómo aún así su belleza persiste; para que sepamos que la parafernalia sobre la que ironiza constantemente, no hace más que esconder la esencia verdadera de la belleza en la música.
Süskind consigue, además, a través de un texto brevísimo caracterizar por completo a su personaje; describirlo a través de su propio lenguaje, permitirnos conocerlo a través de sus ideas y de su forma de expresarlas. Aunque se trata de un personaje complejísimo, lleno de vaivenes, de ideas que no se sostienen, de mesura y desmesura, de amor y odio; al final es un personaje que parece estar levemente por encima de sí mismo: el discurso irónico permite entrever a una persona que se observa lúcidamente a sí misma y que es capaz de juzgarse con frialdad, pero sin cortarse las alas de la fantasía y el delirio. Y el hecho de que esté tan bien trazado, el ser capaces de aprehender al personaje y de conocerlo, nos hace también quererlo, querer comprenderlo e interesarnos por él.
"Weil Kontrabass spielen ist eine reine Kraftsache mit Musik hat das erst einmal nichts zu tun"
(Porque tocar el contrabajo es una pura cuestión de fuerza, con la música no tiene, en realidad, nada que ver).
Esto dice en una ocasión, pero en otra, cuenta cómo lo afina, dice:
"Ja, das verbindet. Das schafft Liebe"
(Sí, eso une. Eso crea amor)
En estas dos frases se muestra esta relación contradictoria que mantiene con su instrumento, pero también de la ironía con que trata su propia contradicción:
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Yo he tenido la suerte de ver la puesta en escena de "El Brujo". Lo que me reí va casi parejo a lo que aprendí.
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Noticia: El año del Libro de Barcelona también celebrará el IV Centenario del Quijote
Este año 2005 se celebra en Barcelona el Año del Libro (para los de allí, L' Any del Llibre i la Lectura). Se trata de una iniciativa del Ayuntamiento de Barcelona con el apoyo de la Generalitat, la Diputació de Barcelona y el Ministerio de Cultura. Diversas editoriales, fundaciones, museos, galerías de arte y librerías; así como el gremio de libreros y de editores de Cataluña y todas las universidades de Barcelona apoyan esta iniciativa. Casi un total de 200 entidades desarrollarán las actividades de este año que:
Las actividades organizadas para el Año del Libro se dividen atendiendo a los distintos aspectos de las relaciones con los libros: por un lado, se encuentran los actos englobados bajo "Escenaris literaris" (escenarios literarios), puesto que Barcelona ha sido inmortalizada muchas veces como metrópolis en los libros; desde los oriundos de ella como Juan Marsé o Eduardo Mendoza, hasta extraños como George Orwell o Camilo José Cela. También encontramos las actividades ordenadadas bajo "Escriure", "Llegir" y "Difondre"(escribir, leer y difundir), que constituyen tres partes imprescindibles del proceso literario: por un lado hay que tener en cuenta el acto creativo de escribir y al otro extremo, la recepción de la lectura, que es posible gracias al previo proceso de difusión de la obra. Como podemos ver, Barcelona no se olvida de dar contento a ninguno de sus colectivos ciudadanos: escritores, lectores, libreros, editores... Bajo el aparatado "Inspiració" (inspiración) se engloban todas las experiencias de intertextualidad artística: los motivos de unos artistas como inspiradores de la obra de otros.
Por último, hay que reseñar que Barcelona dedica congresos y exposiciones a conmemorar el IV Centenario del Quijote y a mostrar la relación del de adarga antigua con la ciudad. Entre las actividades organizadas por Barcelona hay que destacar tres exposiciones: "El Quijote y el Mar" en el Museo Marítimo del puerto de Barcelona; "El Quijote y Barcelona" en el Museo de Historia de Barcelona y "Quijotes" en la Casa de la Pedrera.
Además, el 27 de enero tendrá lugar un concierto llamado "Visions del Quixot"en el Auditori de Barcelona en el que se interpretarán obras musicales inspiradas en la figura cervantina: El Quixot i Barcelona o el cortejo de las libreas de Puértolas; la Suite burlesca de don Quixot de Telemann; Tres cançons de don Quixot a Dulcinea de Ravel y El retaule de maese Pedro de Manuel de Falla.
Hay además una ruta por las calles de Barcelona recorriendo los lugares por los que trastabilló don Quijote en su visita a la ciudad.
En estos momentos se celebra el ciclo de conferencias Els grans llibres d'Occident organizado por el Institut de Cultura. Está compuesto por 10 conferencias que reflexionarán sobre las obras más importantes de la civilización occidental. Son libros literarios, sobre filosofía, arte, política y religión. Comenzaron el día 18 de enero con el comentario de La Ilíada que hizo Carlos Miralles y se extienden hasta el 15 de marzo. Las conferencias tienen lugar en el Institut d'Humanidades (Instituto de Humanidades). En las siguientes se comentarán La Odisea de Homero; don Quijote, la Divina Comedia de Dante;La Enciclopedia, Madame Bovary de Flaubert; La interpretación de los sueños de Freud; el Ulises de James Joyce y el Tractatus de Wittgenstein.
Podéis informaros puntualmente sobre las diversas actividades en la página del Ayuntamiento de Barcelona o en la página oficial del Año del Libro. Ya os anuncio que habrá también actividades especiales para la semana de Sant Jordi. Pero eso ya es otra historia...
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"pretén commemorar l'extraordinària relació de Barcelona amb el món dels llibres a través de grans exposicions i congressos especialitzats"
(pretende conmemorar la extraordinaria relación de Barcelona con el mundo de los libros a través de grandes exposiciones y congresos especializados)
Las actividades organizadas para el Año del Libro se dividen atendiendo a los distintos aspectos de las relaciones con los libros: por un lado, se encuentran los actos englobados bajo "Escenaris literaris" (escenarios literarios), puesto que Barcelona ha sido inmortalizada muchas veces como metrópolis en los libros; desde los oriundos de ella como Juan Marsé o Eduardo Mendoza, hasta extraños como George Orwell o Camilo José Cela. También encontramos las actividades ordenadadas bajo "Escriure", "Llegir" y "Difondre"(escribir, leer y difundir), que constituyen tres partes imprescindibles del proceso literario: por un lado hay que tener en cuenta el acto creativo de escribir y al otro extremo, la recepción de la lectura, que es posible gracias al previo proceso de difusión de la obra. Como podemos ver, Barcelona no se olvida de dar contento a ninguno de sus colectivos ciudadanos: escritores, lectores, libreros, editores... Bajo el aparatado "Inspiració" (inspiración) se engloban todas las experiencias de intertextualidad artística: los motivos de unos artistas como inspiradores de la obra de otros.
Por último, hay que reseñar que Barcelona dedica congresos y exposiciones a conmemorar el IV Centenario del Quijote y a mostrar la relación del de adarga antigua con la ciudad. Entre las actividades organizadas por Barcelona hay que destacar tres exposiciones: "El Quijote y el Mar" en el Museo Marítimo del puerto de Barcelona; "El Quijote y Barcelona" en el Museo de Historia de Barcelona y "Quijotes" en la Casa de la Pedrera.
Además, el 27 de enero tendrá lugar un concierto llamado "Visions del Quixot"en el Auditori de Barcelona en el que se interpretarán obras musicales inspiradas en la figura cervantina: El Quixot i Barcelona o el cortejo de las libreas de Puértolas; la Suite burlesca de don Quixot de Telemann; Tres cançons de don Quixot a Dulcinea de Ravel y El retaule de maese Pedro de Manuel de Falla.
Hay además una ruta por las calles de Barcelona recorriendo los lugares por los que trastabilló don Quijote en su visita a la ciudad.
En estos momentos se celebra el ciclo de conferencias Els grans llibres d'Occident organizado por el Institut de Cultura. Está compuesto por 10 conferencias que reflexionarán sobre las obras más importantes de la civilización occidental. Son libros literarios, sobre filosofía, arte, política y religión. Comenzaron el día 18 de enero con el comentario de La Ilíada que hizo Carlos Miralles y se extienden hasta el 15 de marzo. Las conferencias tienen lugar en el Institut d'Humanidades (Instituto de Humanidades). En las siguientes se comentarán La Odisea de Homero; don Quijote, la Divina Comedia de Dante;La Enciclopedia, Madame Bovary de Flaubert; La interpretación de los sueños de Freud; el Ulises de James Joyce y el Tractatus de Wittgenstein.
Podéis informaros puntualmente sobre las diversas actividades en la página del Ayuntamiento de Barcelona o en la página oficial del Año del Libro. Ya os anuncio que habrá también actividades especiales para la semana de Sant Jordi. Pero eso ya es otra historia...
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Noticia: Presentación del segundo libro de memorias de Carlos Castilla del Pino.
El pasado miércoles 19 de enero se hizo un acto de presentación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid del nuevo libro del psiquiatra Carlos Castilla del Pino, La casa del olivo, pese a que hace ya tiempo que se encuentra en las librerías. En el acto intervinieron junto al autor Magdalena Mora, profesora en la Universidad Autónoma de Madrid; Blas Matamoro, director de Cuadernos Hispanoamericanos y Juan Angel Vela del Campo, crítico del diario El País.
La casa del olivo es la segunda parte de las memorias del psiquiatra gaditano y está en las librerías desde finales de noviembre del año pasado. La casa del olivo recorre la vida del escritor desde 1949 hasta 2003; su elemento estructural es una narración sobre la sociedad y la vida en la época de Franco, contra cuyo régimen siempre luchó. A esta época dedica Castilla del Pino más de tres cuartas partes del libro. La obra es la explicación del puente que va entre el joven psiquiatra Castilla del Pino recién llegado a los Servicios Provinciales de Psiquiatría e Higiene Mental de Córdoba y el afamado Castilla del Pino de 81 años de 2003. La lucha por entrar en el mundo universitario también se refleja aquí, pero las trabas del franquismo fueron superiores a los méritos de Castilla del Pino. En 1983 fue nombrado catedrático extraordinario de psiquiatría por el Ministerio de Educación en la Universidad de Córdoba.
Si su vida durante el franquismo estuvo marcada por su lucha política contra el régimen, lucha que le llevó incluso a ingresar en el Partido Comunista; no ocurre así con la época posterior, puesto que el propio Castilla del Pino no se considera un hombre de vocación política; así que rechazó ocupar un papel durante la Transición.
La obra, que está publicada por Tusquets, debe su nombre a la mansión rural de 1787 en la que vive con su segunda mujer desde mediados de los años ochenta. Este libro es la segunda parte de Pretérito Imperfecto, el primer tomo de memorias del psiquiatra, que fue publicado en 1997 y que le valió el Premio Comillas de Memorias de 1996. Con este primer tomo pretendía, más que ordenar los hechos de su vida, poner fin a determinados acontecimientos que aún pesaban sobre el Castilla del Pino que se decidió a escribir. Se trata, pues, de una tarea purificadora, casi catártica.
Carlos Castilla del Pino nació en San Roque, Cádiz en 1922. Es doctor en Medicina por la Universidad Complutense de Madrid y catedrático en la Universidad de Córdoba. Además, preside la Fundación Castilla del Pino, dedicada a desarrollar la investigación psiquiátrica. Ingresó en la Real Academia Española el 7 de marzo de 2004 con el discurso "Reflexión, reflexionar, reflexivo"; el papel que desempeña desde su sillon Q de la Academia consiste en velar por la corrección y la mejoría del vocabulario del área de Psiquiatría, revisando voces ya existentes e impulsando la entrada de otras nuevas.
Ha escrito una treintena de libros y unas doscientas monografías. Entre todas sus obras merecen destacarse La alienación de la mujer, de 1968; La incomunicación, de 1970; Sexualidad, represión y lenguaje, de 1978; Introducción a la Psiquiatría, de1979; 'Teoría de la alucinación, de1984; y su Teoría de los sentimientos. Además, ha escrito dos novelas.
Aparte de un gran psiquiatra y un gran humanista, de un hombre de ciencias y de letras a partes iguales... es, ante todo un apasionado de la vida:
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La casa del olivo es la segunda parte de las memorias del psiquiatra gaditano y está en las librerías desde finales de noviembre del año pasado. La casa del olivo recorre la vida del escritor desde 1949 hasta 2003; su elemento estructural es una narración sobre la sociedad y la vida en la época de Franco, contra cuyo régimen siempre luchó. A esta época dedica Castilla del Pino más de tres cuartas partes del libro. La obra es la explicación del puente que va entre el joven psiquiatra Castilla del Pino recién llegado a los Servicios Provinciales de Psiquiatría e Higiene Mental de Córdoba y el afamado Castilla del Pino de 81 años de 2003. La lucha por entrar en el mundo universitario también se refleja aquí, pero las trabas del franquismo fueron superiores a los méritos de Castilla del Pino. En 1983 fue nombrado catedrático extraordinario de psiquiatría por el Ministerio de Educación en la Universidad de Córdoba.
Si su vida durante el franquismo estuvo marcada por su lucha política contra el régimen, lucha que le llevó incluso a ingresar en el Partido Comunista; no ocurre así con la época posterior, puesto que el propio Castilla del Pino no se considera un hombre de vocación política; así que rechazó ocupar un papel durante la Transición.
La obra, que está publicada por Tusquets, debe su nombre a la mansión rural de 1787 en la que vive con su segunda mujer desde mediados de los años ochenta. Este libro es la segunda parte de Pretérito Imperfecto, el primer tomo de memorias del psiquiatra, que fue publicado en 1997 y que le valió el Premio Comillas de Memorias de 1996. Con este primer tomo pretendía, más que ordenar los hechos de su vida, poner fin a determinados acontecimientos que aún pesaban sobre el Castilla del Pino que se decidió a escribir. Se trata, pues, de una tarea purificadora, casi catártica.
Carlos Castilla del Pino nació en San Roque, Cádiz en 1922. Es doctor en Medicina por la Universidad Complutense de Madrid y catedrático en la Universidad de Córdoba. Además, preside la Fundación Castilla del Pino, dedicada a desarrollar la investigación psiquiátrica. Ingresó en la Real Academia Española el 7 de marzo de 2004 con el discurso "Reflexión, reflexionar, reflexivo"; el papel que desempeña desde su sillon Q de la Academia consiste en velar por la corrección y la mejoría del vocabulario del área de Psiquiatría, revisando voces ya existentes e impulsando la entrada de otras nuevas.
Ha escrito una treintena de libros y unas doscientas monografías. Entre todas sus obras merecen destacarse La alienación de la mujer, de 1968; La incomunicación, de 1970; Sexualidad, represión y lenguaje, de 1978; Introducción a la Psiquiatría, de1979; 'Teoría de la alucinación, de1984; y su Teoría de los sentimientos. Además, ha escrito dos novelas.
Aparte de un gran psiquiatra y un gran humanista, de un hombre de ciencias y de letras a partes iguales... es, ante todo un apasionado de la vida:
"Creo que la curiosidad y la capacidad de sorpresa es el secreto de la vida. El día que deje de interesarme la vida, los libros, los cuadros, la música, que me dé igual escuchar a Mozart que a Beethoven, sabré que voy a morir."
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Noticia: nuevos ciclos de conferencias en la Biblioteca Nacional
Hoy día 19 de enero a las 19 horas se inaugura en la Biblioteca Nacional un nuevo ciclo de conferencias llamado "La biblioteca de" . Es el primer ciclo de todos los que tendrán lugar este año y su inauguración estará oficiada por el Excelentísimo Franciso Ayala, miembro de número de la Real Academia Española y por la directora de la Biblioteca Nacional, la escritora Rosa Regàs.
Las charlas del ciclo "La Biblioteca de" intentarán responder a las preguntas sobre la influencia de las bibliotecas en sus dueños, y a especificar el lugar o el peso que las obras de Cervantes tienen en ellas. Se trata de una iniciativa que pretender mostrar la biblioteca como expresión de la manera de ser y de escribir de los conferenciantes. También se intentará saber cómo son las bibliotecas ideales o soñadas de estos autores y cuáles son sus libros preferidos.
Las conferencias tendrán un periodicidad quincenal. El calendario inicial es el siguiente:
19 de enero. Presentación a cargo de Francisco Ayala y Rosa Regàs. Al final del acto se ofrecerá un cóctel (para los más glamourosos;-)
2 de febrero. Almudena Grandes.
16 de febrero. Félix de Azúa
9 de marzo. Clara Janés.
Además, está prevista la participación a lo largo del ciclo del escritor mexicano Carlos Fuentes, la actriz Aitana Sánchez-Gijón o la ex ministra de Cultura Carmen Alborch.
Asimismo, a lo largo de este mes se inaugurarán otros ciclos, según he podido saber por la página de la Biblioteca Nacional. El 25 de enero Agustín Díaz Yañes inagurará el ciclo "Cine Escrito" en calidad de presidente de la Asociación de Autores Literarios de Medios Audiovisuales.
El 26 de enero el cantautor Luis Eduardo Aute inaugurará el ciclo "Letra y Música", que tendrá carácter mensual y que pretende dar el punto de vista de artistas del panorama musical actual respecto de la conjugación de la literatura con la música.
Por último, el día 31 de enero se inicia el ciclo "Poetas en Vivo 2005", en cuya organización está implicada Caja Madrid.. En esta jornada inaugural habrá un debate sobre "Los motivos de hoy para escribir poesía", en el que participarán los poetas Javier Vela,, Tacha Romero, poeta y nieta del poeta José Hierro y José Martínez Ros, premio Adonais de poesía 2004.
Así pues, la Biblioteca Nacional inaugura el año 2005 con un conjunto de conferencias destinadas a la difusión de la cultura y a la interrelación de la literatura con otras manifestaciones pictóricas. Según he podido saber por Europa Press, la Directora General de la Biblioteca, Rosa Regàs aspira a que estos ciclos impriman carácter (en el sentido sacramental) y se conviertan en un elemento identificatorio de la Biblioteca.
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Las charlas del ciclo "La Biblioteca de" intentarán responder a las preguntas sobre la influencia de las bibliotecas en sus dueños, y a especificar el lugar o el peso que las obras de Cervantes tienen en ellas. Se trata de una iniciativa que pretender mostrar la biblioteca como expresión de la manera de ser y de escribir de los conferenciantes. También se intentará saber cómo son las bibliotecas ideales o soñadas de estos autores y cuáles son sus libros preferidos.
Las conferencias tendrán un periodicidad quincenal. El calendario inicial es el siguiente:
19 de enero. Presentación a cargo de Francisco Ayala y Rosa Regàs. Al final del acto se ofrecerá un cóctel (para los más glamourosos;-)
2 de febrero. Almudena Grandes.
16 de febrero. Félix de Azúa
9 de marzo. Clara Janés.
Además, está prevista la participación a lo largo del ciclo del escritor mexicano Carlos Fuentes, la actriz Aitana Sánchez-Gijón o la ex ministra de Cultura Carmen Alborch.
Asimismo, a lo largo de este mes se inaugurarán otros ciclos, según he podido saber por la página de la Biblioteca Nacional. El 25 de enero Agustín Díaz Yañes inagurará el ciclo "Cine Escrito" en calidad de presidente de la Asociación de Autores Literarios de Medios Audiovisuales.
El 26 de enero el cantautor Luis Eduardo Aute inaugurará el ciclo "Letra y Música", que tendrá carácter mensual y que pretende dar el punto de vista de artistas del panorama musical actual respecto de la conjugación de la literatura con la música.
Por último, el día 31 de enero se inicia el ciclo "Poetas en Vivo 2005", en cuya organización está implicada Caja Madrid.. En esta jornada inaugural habrá un debate sobre "Los motivos de hoy para escribir poesía", en el que participarán los poetas Javier Vela,, Tacha Romero, poeta y nieta del poeta José Hierro y José Martínez Ros, premio Adonais de poesía 2004.
Así pues, la Biblioteca Nacional inaugura el año 2005 con un conjunto de conferencias destinadas a la difusión de la cultura y a la interrelación de la literatura con otras manifestaciones pictóricas. Según he podido saber por Europa Press, la Directora General de la Biblioteca, Rosa Regàs aspira a que estos ciclos impriman carácter (en el sentido sacramental) y se conviertan en un elemento identificatorio de la Biblioteca.
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Reseña: Los problemas del arte, de Susanne K. Langer
El libro que me decido a reseñar en esta ocasión se llama Los problemas del arte. Diez conferencias filosóficas. Está constituido, efectivamente, por diez conferencias filosóficas, más un breve ensayito de regalo que resumen los aspectos esenciales de la teórica del arte Susanne K. Langer.
Ante todo, he de disculparme por llamarla "teórica del arte", que suena bastante mal. Susanne K. Langer es, en realidad, una de las filósofas más fecundas y más innovadoras que dio el siglo XX y que, por ello, sigue de actualidad. Nació en Manhattan en 1895, hija de alemanes inmigrados. Tras doctorarse en filosofía por la Universidad de Harvard en 1924 y 1926, se dedicó a la enseñanza de la filosofía, hasta que se retiró en 1962 como profesora emérita del Departamento de Filosofía del Connecticut College.
La publicación de su primer libro, un estudio sobre el mito y la fantasía, data de 1924; pero es a partir de la publicación de su tratado Philosophy in a New Key: A Study in the Symbolism of Reason, Rite, and Art de 1942 y la traducción del Lenguaje y Mito del alemán Ernst Cassirer son los libros que le proporcionaron un papel preponderante en el panorama de la filosofía del arte de su época. Su libro Sentimiento y forma: una teoría del arte (Feeling and Form: A Theory of Art) ha sido siempre el trabajo más apreciado y vendido de la autora.
Susanne recibió en varias ocasiones el reconocimiento a sus estudios. En 1962 fue elegida para formar parte de la Academia Americana de las Letras y las Ciencias.
Susanne K. Langer se ocupó de desarrollar una concepción de la filosofía a partir de la cual poder estudiar los interrogantes que los seres humanos se plantean. En concreto, se dedicó al Arte. Al arte en general como concepto y a lo que muchas veces se ha dado en llamar "las artes": la música, la pintura, la poesía, la danza... También se ha preocupado sobre el lenguaje y sobre los mitos y las religiones, todo ello en relación con el ser humano, tratando de ver qué implicación tienen todas estas cosas en la configuración del ser humano como tal.
Para Susanne K. Langer, la filosofía consiste en conseguir atribuir sentido a las experiencias. Para ella:
Es decir, que lo que permite distinguir los distintos planteamientos filosóficos no es tanto las soluciones que dan a distintas cuestiones, si no las cuestiones en sí. Así, estoicos y epicúreos no serían tan distintos entre sí ;-)
El libro Problems of Art, de 1957, (Los problemas del arte. Diez conferencias filosóficas. Ediciones Infinito. Buenos Aires, 1966) no supone ningún eslabón nuevo en la cadena liberadora del pensamiento de Susanne, pero es un compendio de sus ideas sobre el arte, el objeto artístico, los procesos de creación y los de recepción. El conjunto de las conferencias fue dictada ante diversos auditorios, lo que provoca la repetición de las ideas básicas o vertebradoras de los pensamientos sobre arte de Susanne. El pensamiento de la autora se consigue comprende a partir de la primera conferencia, gracias a su claridad expositiva, a su generosidad de explicación y a la lucidez de los ejemplos; gracias a las otras conferencias, uno comienza a asimilar e interiorizar estas ideas, aprende nuevos matices y nuevas aplicaciones de éstas, se deja resbalar por la cuerda natural del pensamiento de Susanne y, finalmente, entabla un diálogo con la autora y consigo mismo muy formativo. Estas conferencias son, en palabras de la autora:
Efectivamente, el libro es una linterna que va iluminando diferentes aspectos de todas las producciones artísticas, a fin de encontrar lo que tienen en común. Se trata de un pensamiento que puede parecer sencillo a priori, pero que en el caso de Langer resulta muy atrevido. Podemos pensar con facilidad en qué tienen en común la danza y la música; pero quizás no parezca tan sencillo establecer las similitudes de la danza con la pintura o de la danza con la poesía. Susanne Langer va apartando la maleza de todas las ideas respecto al arte y a las artes hasta iluminar ese espacio común que todas las artes comparten y que es lo que las convierte en Arte con Mayúscula.
Susanne nos explicará más adelante, en la conferencia "Expresividad" en qué consiste ser "forma expresiva" de algo. Y además, no nos ciega con el concepto teórico sino que es capaz de explicárnoslo con los faros de distintos ejemplos. En palabras de andar por el blog, una forma expresiva es un todo en el que se pueden apreciar relaciones de partes. Susanne Langer lo ejemplifica con el cauce de un río y el agua de ese mismo río. El lecho es una forma estática que expresa la forma dinámica del agua. La relación estatismo-dinamismo es visible en el lecho del río (puesto que éste está conformado por el discurrir del agua).
La autora tampoco se acobarda a la hora de intentar diferenciar entre los productos y las creaciones. Una vez leídas las explicaciones al respecto (las obras de arte son creaciones porque algo nuevo aparece en ellas), parece imposible haberse planteado la pregunta por la diferenciación de ambas cosas jamás. Dedica la conferencia "Creación" a reflexionar sobre qué es lo que aparece (es decir, lo nuevo, lo creado, aquello que no estaba antes de hacerse la obra) en cada manifestación artística; por qué se puede llamar creación a un cuadro, a una sinfonía y a un poema, si al fin y al cabo los pigmentos, los lienzos, los pentagramas, los sonidos, los endecasílabos y las palabras ya estaban allí.
La conferencia "La forma viva" está dedica a explicar qué entiende la autora por sentimiento humano y por qué la obra de arte es expresión de éste. En esta conferencia resultan apasionantes los ejemplos y sobre todo, la profunda reflexión sobre aspectos que apenas merecen un pensamiento nuestro, de tan obvios que parecen (ojo, parecen).
Como vemos, Susanne K. Langer dedica grandes partes del libro a hacer comprensible su definición de arte. Las siguientes conferencias (a saber, desde la número 5 a la número 10), tienen un carácter más disperso y abordan distintos problemas de la filosofía del arte: intenta deshacer simplificaciones que ella considera totalmente érroneas; aporta nuevas ideas sobre los modos de creación; establece una relación directa entre la metáfora y el arte; defiende ideas sobre la autonomía de significación de la obra y se mete por los recovecos de las teorías de los símbolos. Muchas de estas ideas, que tienen que recorrer caminos intrincados e ir desbrozando la mala hierba arrojada por tantos siglos de asentimiento conformista con las ideas más simplistas, parecen finalmente tan naturales que uno no se explica por qué se han necesitado tantas páginas para explicarla. Pero efectivamente, estas páginas son absolutamente necesarias. Aquí está la magia del libro: el esfuerzo por comprender se torna, al fin, simple alborozo por haber comprendido.
Por último, en este libro se nos regala un breve ensayo sobre "La abstracción en la ciencia y la abstracción en el arte", ya para posgraduados en Langer.
En este libro nos damos cuenta de que Susanne tiene mucho que decirnos sobre nosotros mismos. Si dejamos que nos coja de la mano podremos tener el gusto de volver a ver muchas cosas por primera vez. Y de comprobar que hasta un río puede ser una obra de arte, si te lo explica Susanne.
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Ante todo, he de disculparme por llamarla "teórica del arte", que suena bastante mal. Susanne K. Langer es, en realidad, una de las filósofas más fecundas y más innovadoras que dio el siglo XX y que, por ello, sigue de actualidad. Nació en Manhattan en 1895, hija de alemanes inmigrados. Tras doctorarse en filosofía por la Universidad de Harvard en 1924 y 1926, se dedicó a la enseñanza de la filosofía, hasta que se retiró en 1962 como profesora emérita del Departamento de Filosofía del Connecticut College.
La publicación de su primer libro, un estudio sobre el mito y la fantasía, data de 1924; pero es a partir de la publicación de su tratado Philosophy in a New Key: A Study in the Symbolism of Reason, Rite, and Art de 1942 y la traducción del Lenguaje y Mito del alemán Ernst Cassirer son los libros que le proporcionaron un papel preponderante en el panorama de la filosofía del arte de su época. Su libro Sentimiento y forma: una teoría del arte (Feeling and Form: A Theory of Art) ha sido siempre el trabajo más apreciado y vendido de la autora.
Susanne recibió en varias ocasiones el reconocimiento a sus estudios. En 1962 fue elegida para formar parte de la Academia Americana de las Letras y las Ciencias.
Susanne K. Langer se ocupó de desarrollar una concepción de la filosofía a partir de la cual poder estudiar los interrogantes que los seres humanos se plantean. En concreto, se dedicó al Arte. Al arte en general como concepto y a lo que muchas veces se ha dado en llamar "las artes": la música, la pintura, la poesía, la danza... También se ha preocupado sobre el lenguaje y sobre los mitos y las religiones, todo ello en relación con el ser humano, tratando de ver qué implicación tienen todas estas cosas en la configuración del ser humano como tal.
Para Susanne K. Langer, la filosofía consiste en conseguir atribuir sentido a las experiencias. Para ella:
"A philosophy is characterized more by the formulation of its problems than by its solutions of them"
(Una filosofía (un sistema filosófico) se carateriza más por la formulación de sus problemas que por la solución a ellos)
Es decir, que lo que permite distinguir los distintos planteamientos filosóficos no es tanto las soluciones que dan a distintas cuestiones, si no las cuestiones en sí. Así, estoicos y epicúreos no serían tan distintos entre sí ;-)
El libro Problems of Art, de 1957, (Los problemas del arte. Diez conferencias filosóficas. Ediciones Infinito. Buenos Aires, 1966) no supone ningún eslabón nuevo en la cadena liberadora del pensamiento de Susanne, pero es un compendio de sus ideas sobre el arte, el objeto artístico, los procesos de creación y los de recepción. El conjunto de las conferencias fue dictada ante diversos auditorios, lo que provoca la repetición de las ideas básicas o vertebradoras de los pensamientos sobre arte de Susanne. El pensamiento de la autora se consigue comprende a partir de la primera conferencia, gracias a su claridad expositiva, a su generosidad de explicación y a la lucidez de los ejemplos; gracias a las otras conferencias, uno comienza a asimilar e interiorizar estas ideas, aprende nuevos matices y nuevas aplicaciones de éstas, se deja resbalar por la cuerda natural del pensamiento de Susanne y, finalmente, entabla un diálogo con la autora y consigo mismo muy formativo. Estas conferencias son, en palabras de la autora:
"Pequeños focos vueltos hacia el mismo gran tema, a saber, la naturaleza del arte."
Efectivamente, el libro es una linterna que va iluminando diferentes aspectos de todas las producciones artísticas, a fin de encontrar lo que tienen en común. Se trata de un pensamiento que puede parecer sencillo a priori, pero que en el caso de Langer resulta muy atrevido. Podemos pensar con facilidad en qué tienen en común la danza y la música; pero quizás no parezca tan sencillo establecer las similitudes de la danza con la pintura o de la danza con la poesía. Susanne Langer va apartando la maleza de todas las ideas respecto al arte y a las artes hasta iluminar ese espacio común que todas las artes comparten y que es lo que las convierte en Arte con Mayúscula.
"Una obra de arte es una forma expresiva creada pra nuestra percepción a través de los sentidos o la imaginación y lo que expresa es el sentimiento humano."
Susanne nos explicará más adelante, en la conferencia "Expresividad" en qué consiste ser "forma expresiva" de algo. Y además, no nos ciega con el concepto teórico sino que es capaz de explicárnoslo con los faros de distintos ejemplos. En palabras de andar por el blog, una forma expresiva es un todo en el que se pueden apreciar relaciones de partes. Susanne Langer lo ejemplifica con el cauce de un río y el agua de ese mismo río. El lecho es una forma estática que expresa la forma dinámica del agua. La relación estatismo-dinamismo es visible en el lecho del río (puesto que éste está conformado por el discurrir del agua).
La autora tampoco se acobarda a la hora de intentar diferenciar entre los productos y las creaciones. Una vez leídas las explicaciones al respecto (las obras de arte son creaciones porque algo nuevo aparece en ellas), parece imposible haberse planteado la pregunta por la diferenciación de ambas cosas jamás. Dedica la conferencia "Creación" a reflexionar sobre qué es lo que aparece (es decir, lo nuevo, lo creado, aquello que no estaba antes de hacerse la obra) en cada manifestación artística; por qué se puede llamar creación a un cuadro, a una sinfonía y a un poema, si al fin y al cabo los pigmentos, los lienzos, los pentagramas, los sonidos, los endecasílabos y las palabras ya estaban allí.
La conferencia "La forma viva" está dedica a explicar qué entiende la autora por sentimiento humano y por qué la obra de arte es expresión de éste. En esta conferencia resultan apasionantes los ejemplos y sobre todo, la profunda reflexión sobre aspectos que apenas merecen un pensamiento nuestro, de tan obvios que parecen (ojo, parecen).
Como vemos, Susanne K. Langer dedica grandes partes del libro a hacer comprensible su definición de arte. Las siguientes conferencias (a saber, desde la número 5 a la número 10), tienen un carácter más disperso y abordan distintos problemas de la filosofía del arte: intenta deshacer simplificaciones que ella considera totalmente érroneas; aporta nuevas ideas sobre los modos de creación; establece una relación directa entre la metáfora y el arte; defiende ideas sobre la autonomía de significación de la obra y se mete por los recovecos de las teorías de los símbolos. Muchas de estas ideas, que tienen que recorrer caminos intrincados e ir desbrozando la mala hierba arrojada por tantos siglos de asentimiento conformista con las ideas más simplistas, parecen finalmente tan naturales que uno no se explica por qué se han necesitado tantas páginas para explicarla. Pero efectivamente, estas páginas son absolutamente necesarias. Aquí está la magia del libro: el esfuerzo por comprender se torna, al fin, simple alborozo por haber comprendido.
Por último, en este libro se nos regala un breve ensayo sobre "La abstracción en la ciencia y la abstracción en el arte", ya para posgraduados en Langer.
En este libro nos damos cuenta de que Susanne tiene mucho que decirnos sobre nosotros mismos. Si dejamos que nos coja de la mano podremos tener el gusto de volver a ver muchas cosas por primera vez. Y de comprobar que hasta un río puede ser una obra de arte, si te lo explica Susanne.
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Reportaje: Literatura en torno a Berlín II
La ciudad de Berlín comienza a convertirse en una gran metrópolis moderna a partir del último cuarto del siglo XIX, la primera línea de tranvía fue construida en 1882 y la primera línea de metro en 1891, a partir de entonces, Berlín no hizo más que crecer. A principios del siglo XX, Berlín tenía en torno a 2 millones y medio de habitantes. Además, era una ciudad cosmopolita. En torno a un millón de estos habitantes eran extranjeros.
SIn embargo, la idea que nos dan estos medios de transporte y otras construcciones como el edificio funcional del ayuntamiento que vemos en la foto, así como su carácter cosmopolita no concuerda para nada con la gestión política. Berlín era la capital del reino de Prusia. En 1888 subió al trono el káiser Wilhelm II, que abdicaría en 1918, y cuyo reinado se enmarca en la tradición más tradicional.
Resulta interesante la figura de este Káiser por dos razones: por un lado, por el empeño que puso en llevar a cabo una reconstrucción de Berlín. Por otro, porque el clima cultural de su época es el que marca el inicio de la modernidad artística en la capital alemana.
De aquellos polvos...
Wilhelm II fue el primero que se dio cuenta de que la capital de su Imperio tenía que ser un escenario que representase su poderío y que por ello, también lo hiciese emanar. (El poder llama al poder, que dicen los sabios de las aldeas). Así pues, el primer gran desarrollo artístico de Berlín se produce de la mano de Wilhelm II, que quería construir un verdadero imperio y convertir Berlín en una nueva Florencia.
El propio Wilhelm II (en la foto)en un discurso establece lo que es “Die wahre Kunst”, “el arte verdadero”. Es el káiser quien avala lo que es arte y lo que no:
La gran obra que se acometió bajo la supervisión de Wilhelm II fue la construcción de la llamada “Siegesalle” (avenida de la victoria). Festoneándola, se erigieron 32 grupos escultóricos en mármol, con todos los emperadores de Brandenburgo y Prusia... esta avenida interminable fue motivo de burla por parte de todos los berlineses, que la denominaban “Puppenallee” (esto es, avenida de las muñecas). El arte de esta época es naturalista, busca la armonía en la representación y está referido a la naturaleza en sus motivos y en sus formas.
...estos lodos.
Teniendo en cuenta que el criterio artístico final era la voluntad del emperador pero que el arte, esencialmente, mana de la libertad del creador, podemos sospechar que esta situación no duró mucho tiempo. En efecto, porque en torno a 1910 surge el "Expresionismo". Así, diversos artistas que formaban parte de la Akademie für die bildene Kunst (Academia de Bellas Artes) se separan y deciden formar una nueva agrupación en la que poder desarrollar su propia concepción del arte. Es un movimiento que se llamó “Arte de la Secesión”. Esta nueva academia tuvo muchísimo éxito.
Sobre cómo surgió el nombre de “Expressionismus” (expresionismo) hay muchísimas disputas. Hay quien sostiene que es el nombre que se le dio a ciertos pintores (Picasso, Marquet, Puy) en la vigésimo segunda exposición de la Secesión berlinesa, de 1911. Otros consideran que el primero en utilizar el nombre fue un pintor francés, Julien-Auguste Hervé, para designar a un ciclo de pinturas suyas en 1901. En cualquier caso, la mayoría de los historiadores de arte consideran que el nombre se utilizaba ya en Francia cuando pasó a Alemania.
El expresionismo alemán se desarrolla entre 1910 y 1923, aproximadamente. Entre las motivaciones para su surgimiento cabe citar: el desmoronamiento de la concepción artística de la época del Káiser; y la progresiva industrialización y crecimiento de las ciudades, que hace percibir el mundo como un desorden continuo, un caos.
Los movimientos pictóricos de “Der blaue Reiter” (El jinete azul) y “Die Brücke” (El puente, 1905), son las manifestaciones artísticas más conocidas del expresionismo alemán. Sin embargo, el expresionismo literario es importantísimo y fue muy fecundo. En muchos casos, existen interrelaciones interesantísimas. La revista "Der Sturm" (en la foto) de Herwarth Walden, fundada en 1903, fue el soporte difusor del expresionismo por antonomasia. Los cafés “Romanisches Café”, “Neopathetische Cabaret” y “Café des Westens” fueron los lugares en que los artistas secesionistas se reunían, discutían y presentaban sus obras.
Si queremos hablar del expresionismo pictórico típicamente berlinés, tenemos que mencionar a Ludwig Meidner, que utiliza siempre personajes y escenarios de Berlín y de los alrededores. Sus cuadros son caóticos, irreales y oscuros. Las perspectivas se rompen, se retuercen, las proporciones ya no responden a un criterio clásico basado en la armonía de las partes, sino que se fundan en la forma de mirar del artista. Otro pintor típicamente berlinés es Ernst Ludwig Kirchner, que pintó motivos de Berlín: la Potsdamer Platz, la puerta de Brandenburgo... Personajes de la noche, como protagonistas y hombres un poco sospechosos son los protagonistas de sus cuadros. Ambos utilizan múltiples contrastes de color.
PS: Aún no hemos practicamente empezado a hablar del Berlín literario. Pero he pensado que puede ser más divertido así. Os he dejado unas cuantas pistas a lo largo de este texto y con estas dos fotos, para que vosotros vayáis imaginando cómo es la literatura expresionista típicamente berlinesa de esta época... Se admiten elucubraciones y sugerencias. En la próxima estación, nos dedicaremos únicamente a la poesía expresionista, ¿okis?
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SIn embargo, la idea que nos dan estos medios de transporte y otras construcciones como el edificio funcional del ayuntamiento que vemos en la foto, así como su carácter cosmopolita no concuerda para nada con la gestión política. Berlín era la capital del reino de Prusia. En 1888 subió al trono el káiser Wilhelm II, que abdicaría en 1918, y cuyo reinado se enmarca en la tradición más tradicional.
Resulta interesante la figura de este Káiser por dos razones: por un lado, por el empeño que puso en llevar a cabo una reconstrucción de Berlín. Por otro, porque el clima cultural de su época es el que marca el inicio de la modernidad artística en la capital alemana.
De aquellos polvos...
Wilhelm II fue el primero que se dio cuenta de que la capital de su Imperio tenía que ser un escenario que representase su poderío y que por ello, también lo hiciese emanar. (El poder llama al poder, que dicen los sabios de las aldeas). Así pues, el primer gran desarrollo artístico de Berlín se produce de la mano de Wilhelm II, que quería construir un verdadero imperio y convertir Berlín en una nueva Florencia.
El propio Wilhelm II (en la foto)en un discurso establece lo que es “Die wahre Kunst”, “el arte verdadero”. Es el káiser quien avala lo que es arte y lo que no:
“Eine Kunst, die sich über die von Mir bezeichneten Gesetze und Schranken hinwegsetzt, ist keine Kunst mehr”
”Un arte que se establezca por encima de las leyes y los límites por mí diseñados, ya no es arte”
La gran obra que se acometió bajo la supervisión de Wilhelm II fue la construcción de la llamada “Siegesalle” (avenida de la victoria). Festoneándola, se erigieron 32 grupos escultóricos en mármol, con todos los emperadores de Brandenburgo y Prusia... esta avenida interminable fue motivo de burla por parte de todos los berlineses, que la denominaban “Puppenallee” (esto es, avenida de las muñecas). El arte de esta época es naturalista, busca la armonía en la representación y está referido a la naturaleza en sus motivos y en sus formas.
...estos lodos.
Teniendo en cuenta que el criterio artístico final era la voluntad del emperador pero que el arte, esencialmente, mana de la libertad del creador, podemos sospechar que esta situación no duró mucho tiempo. En efecto, porque en torno a 1910 surge el "Expresionismo". Así, diversos artistas que formaban parte de la Akademie für die bildene Kunst (Academia de Bellas Artes) se separan y deciden formar una nueva agrupación en la que poder desarrollar su propia concepción del arte. Es un movimiento que se llamó “Arte de la Secesión”. Esta nueva academia tuvo muchísimo éxito.
Sobre cómo surgió el nombre de “Expressionismus” (expresionismo) hay muchísimas disputas. Hay quien sostiene que es el nombre que se le dio a ciertos pintores (Picasso, Marquet, Puy) en la vigésimo segunda exposición de la Secesión berlinesa, de 1911. Otros consideran que el primero en utilizar el nombre fue un pintor francés, Julien-Auguste Hervé, para designar a un ciclo de pinturas suyas en 1901. En cualquier caso, la mayoría de los historiadores de arte consideran que el nombre se utilizaba ya en Francia cuando pasó a Alemania.
El expresionismo alemán se desarrolla entre 1910 y 1923, aproximadamente. Entre las motivaciones para su surgimiento cabe citar: el desmoronamiento de la concepción artística de la época del Káiser; y la progresiva industrialización y crecimiento de las ciudades, que hace percibir el mundo como un desorden continuo, un caos.
Los movimientos pictóricos de “Der blaue Reiter” (El jinete azul) y “Die Brücke” (El puente, 1905), son las manifestaciones artísticas más conocidas del expresionismo alemán. Sin embargo, el expresionismo literario es importantísimo y fue muy fecundo. En muchos casos, existen interrelaciones interesantísimas. La revista "Der Sturm" (en la foto) de Herwarth Walden, fundada en 1903, fue el soporte difusor del expresionismo por antonomasia. Los cafés “Romanisches Café”, “Neopathetische Cabaret” y “Café des Westens” fueron los lugares en que los artistas secesionistas se reunían, discutían y presentaban sus obras.
Si queremos hablar del expresionismo pictórico típicamente berlinés, tenemos que mencionar a Ludwig Meidner, que utiliza siempre personajes y escenarios de Berlín y de los alrededores. Sus cuadros son caóticos, irreales y oscuros. Las perspectivas se rompen, se retuercen, las proporciones ya no responden a un criterio clásico basado en la armonía de las partes, sino que se fundan en la forma de mirar del artista. Otro pintor típicamente berlinés es Ernst Ludwig Kirchner, que pintó motivos de Berlín: la Potsdamer Platz, la puerta de Brandenburgo... Personajes de la noche, como protagonistas y hombres un poco sospechosos son los protagonistas de sus cuadros. Ambos utilizan múltiples contrastes de color.
PS: Aún no hemos practicamente empezado a hablar del Berlín literario. Pero he pensado que puede ser más divertido así. Os he dejado unas cuantas pistas a lo largo de este texto y con estas dos fotos, para que vosotros vayáis imaginando cómo es la literatura expresionista típicamente berlinesa de esta época... Se admiten elucubraciones y sugerencias. En la próxima estación, nos dedicaremos únicamente a la poesía expresionista, ¿okis?
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Noticia: dos obras de Valle Inclán conmemoran el 125 Aniversario del Círculo de Bellas Artes
Este año se celebra el 125 aniversario del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Los actos de celebración van a ser muy variados y se tendrán lugar a lo largo de todo el año. En el marco de este aniversario, el Círculo estrenará dos obras de Ramón del Valle-Inclán, Ligazón y La rosa de papel. La primera de ellas fue estrenada en 1926 en el mismo Círculo de Bellas Artes por el dramaturgo gallego, informa Europa Press. Las obras se estrenan hoy a las 20:00 en el Teatro Fernando de Rojas y permanecerán en cartel hasta el 30 de enero. Las funciones son a las 20:00 de miércoles a sábado y a las 18:00 los domingos, según indica la página del Círculo de Bellas Artes.
Ambas obras forman parte del Retablo de la Avaricia, la Lujuria y la Muerte , en el que Valle Inclán pretende abordar la vida desde el otro lado, como viéndola desde la barca de Caronte:
La puesta en escena corre a cargo de la compañía UROC, cuyo director es Juan Margallo. Según he podido saber por Telépolis, Juan Margallo ha adaptado las obras a un contexto actual. Como explicó en una rueda de prensa junto al director del Círculo, Juan Barja, las obras "se han ambientado en un poblado de chabolas habitadas por emigrantes de Europa del este".
Juan Margallo es actor y director teatral. Saltó a la fama en 1970 por estrenar "Castañuela 70" en el Teatro de la Comedia de Madrid, un espectáculo muy crítico con la cultura tradicional. Ha participado en la películas La promesa, Noviembre y El espíritu de la colmena, entre otras. Ahora dirige la compañía de teatro UROC.
Estas no son las únicas actividades que va a realizar el Círculo de Bellas Artes para conmemorar su 125 aniversario. Las actividades se organizan en torno a dos intenciones; por un lado pretenden "mirar al pasado y reflexionar sobre nuestra historia", para lo cual van a organizar una exposición sobre su Patrimonio; por otro lado, van "a mirar al futuro apostando por los jóvenes creadores y las nuevas tendencias artísticas".
Iremos informando (in)puntualmente de todas estas actividades siempre y cuando estén relacionadas con la difusión y la recepción de la literatura. De momento, nos queda la satisfacción de que se recuperen estas dos obras de Valle-Inclán 80 años después de su estreno. Aguardemos las críticas...
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Ambas obras forman parte del Retablo de la Avaricia, la Lujuria y la Muerte , en el que Valle Inclán pretende abordar la vida desde el otro lado, como viéndola desde la barca de Caronte:
“Mi estética es la superación dolor y de la risa, como deben ser las conversaciones de los muertos, al contarse la historia de los vivos... Yo quisiera ver este mundo con la perspectiva de la otra rivera.”
La puesta en escena corre a cargo de la compañía UROC, cuyo director es Juan Margallo. Según he podido saber por Telépolis, Juan Margallo ha adaptado las obras a un contexto actual. Como explicó en una rueda de prensa junto al director del Círculo, Juan Barja, las obras "se han ambientado en un poblado de chabolas habitadas por emigrantes de Europa del este".
Juan Margallo es actor y director teatral. Saltó a la fama en 1970 por estrenar "Castañuela 70" en el Teatro de la Comedia de Madrid, un espectáculo muy crítico con la cultura tradicional. Ha participado en la películas La promesa, Noviembre y El espíritu de la colmena, entre otras. Ahora dirige la compañía de teatro UROC.
Estas no son las únicas actividades que va a realizar el Círculo de Bellas Artes para conmemorar su 125 aniversario. Las actividades se organizan en torno a dos intenciones; por un lado pretenden "mirar al pasado y reflexionar sobre nuestra historia", para lo cual van a organizar una exposición sobre su Patrimonio; por otro lado, van "a mirar al futuro apostando por los jóvenes creadores y las nuevas tendencias artísticas".
Iremos informando (in)puntualmente de todas estas actividades siempre y cuando estén relacionadas con la difusión y la recepción de la literatura. De momento, nos queda la satisfacción de que se recuperen estas dos obras de Valle-Inclán 80 años después de su estreno. Aguardemos las críticas...
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Noticia: mi blog en la portada de blogs.ya.com
(Jejeje) Perdonadme que por un día haga de ratita presumida y barra para mi casa (mi humilde blogmorada) y os diga que los de www.blogs.ya.com han tenido a bien poner en su portada un enlace a mi página:
No puedo negar que me produce cierta satisfacción. (No reconoceré ningún adjetivo indefinido de gradación superior a "cierta"). La verdad es que me esfuerzo bastante por hacer que este sitio contenga información objetiva sobre literatura (por ejemplo, las noticias) además de mi propia opinión. No es tan fácil como parece, sobre todo teniendo en cuenta que como aún (crucen los dedos, señoras y señores) no soy periodista, tengo el mismo acceso a la información que cualquier hijo de vecino.
Así que hoy me permito hacer un poquito de rafting de felicidad por mi bitácora. Y por supuesto, también quiero daros las gracias a todos por leer, por animarme con vuestros comentarios -siempre tan agradables y tan lúcidos- a seguir esforzándome por mejorar. Así que como el mérito es tanto mío como vuestro, espero que estéis tan contentos como yo ;-) (Es difícil, es difícil...)
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No puedo negar que me produce cierta satisfacción. (No reconoceré ningún adjetivo indefinido de gradación superior a "cierta"). La verdad es que me esfuerzo bastante por hacer que este sitio contenga información objetiva sobre literatura (por ejemplo, las noticias) además de mi propia opinión. No es tan fácil como parece, sobre todo teniendo en cuenta que como aún (crucen los dedos, señoras y señores) no soy periodista, tengo el mismo acceso a la información que cualquier hijo de vecino.
Así que hoy me permito hacer un poquito de rafting de felicidad por mi bitácora. Y por supuesto, también quiero daros las gracias a todos por leer, por animarme con vuestros comentarios -siempre tan agradables y tan lúcidos- a seguir esforzándome por mejorar. Así que como el mérito es tanto mío como vuestro, espero que estéis tan contentos como yo ;-) (Es difícil, es difícil...)
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Reseña: "Los cínicos no sirven para este oficio", de Ryszard Kapuscinski
Me decido a escribir la reseña de un libro un poco particular. Los cínicos no sirven para este oficio es un librito formado por entrevistas al periodista y escritor Ryszard Kapuscinski y participaciones suyas en congresos. Se trata de algo peculiar, puesto que no se puede considerar que él sea el autor del libro. Se me ha ocurrido al hilo de la última reseña publicada en Cuchitril Literario, del libro Hablan los escritores.
Este librito subtitulado "Sobre el buen periodismo" está editado en la colección "Crónicas" de la editorial Anagrama, en él se recogen tres textos diferentes una de cuyas voces es siempre el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2003, Ryszard Kapuscinski.
Los textos que encontramos son tres: el primero es la transcripción de un encuentro en el que participó el escritor polaco durante el VI Congreso "Redactor Social": De raza y de clase. El periodismo entre deseo de elitismo, implicación e indiferencia, que data del 27 de noviembre de 1999. La organización corría a cargo del CNCA (Comité Nacional de Comunidades de Acogida de Italia). La introductora y principal entrevistadora es Maria Nadotti, periodista, traductora y editora italiana. Aunque ella es la principal conductora de la entrevista, aparecen múltiples preguntas del público.
En general, este primer texto es un resumen bastante simplificado de los aspectos esenciales de la concepción que Kapuscinski tiene de la labor periodística. Para Kapuscinski el ejercicio correcto de la profesión pasa por la capacidad de sacrificio y por el estudio continuado. Un buen periodista ha de ser capaz de profundizar en los conocimientos respecto de los hechos sobre los que informa; por otra parte, tiene que estar actualizando estos conocimientos continuamente, y además, tiene que ser capaz de contextualizar los hechos que vive y transmite a los demás.
El periodista polaco no entiende el periodismo (el buen periodismo) sin una "intención"; para él, el signo que delata el buen periodismo es el carácter intencional con que se ejerce la profesión; los deseos de cambiar algo, de obtener algo, de conseguir modificar el estado de cosas con la narración de los hechos. Kapuscinski remite a grandes periodistas como Gabriel García Márquez o Ernest Hemingway como paradigmas de esta intencionalidad.
Por otra parte, las fuentes del periodismo que Kapuscinski defiende son diferentes a las del periodismo tal como se concibe actualmente (en el que el teletipo es la estrella del plató). Los seres humanos, los documentos y los imponderabilia son las tres fuentes de que se ha nutrido el polaco a lo largo de toda su vida. No es capaz de concebir un periodismo sin "los otros", los seres humanos son los que, en última instancia configuran los reportajes, ya sea como protagonistas o como mediadores entre la información y el informador; defiende así un periodismo de carácter "colectivo". Llama la atención de lo que él denomina "imponderabilia", ese conjunto de síntomas no pericibidos como tales, que se dan en los ambientes y que el buen periodista ha de saber reconocer, a los que ha de poder atribuir sentido y de los que, posteriormente, es capaz de extraer información.
Es de esta entrevista de la que se ha tomado el título del libro. Kapuscinski ha planteado un periodismo de marcado componente humano: por un lado, la humanidad del periodista, que mantiene una relación intensísima con todo lo que es externo a él, que siempre está dispuesto a escuchar a los demás, y que utiliza todos sus recursos para captar todo tipo de estímulos y discernirlos; y por otro, la humanidad como fuente esencial del periodismo:
La segunda entrevista data del 28 de noviembre de 1999, y la ha realizado Andrea Semplice, aprovechando la presencia de Kapuscinski en Italia. Esta entrevista se centra en la forma en que Kapuscinski ve África, sus experiencias allí. El escritor polaco nos acerca a la historia de las independencias de los estados africanos. Aquí se habla de las esperanzas de los africanos, y de diferentes líderes políticos del continente. A algunos de éstos, Kapuscinski les ha dedicado libros enteros. Es el caso de Haile Selassie, emperador de emperadores de Etiopía a partir de 1931 y que fue uno de los líderes del África independiente. También trabamos conocimiento, Kapuscinski mediante, con Kwane Nkrumah, principal líder del movimiento panafricano y que escribió el texto programático en el que se proclama la necesidad de una unidad africana, Africa must unite. Esta entrevista resulta interesante desde una perspectiva más concreta: nos ofrece la visión del periodista polaco sobre África, pero no trasciende a aspectos abstractos sobre su forma de pensar acerca de su profesión.
El último texto está articulado a tres voces: Kapuscinski conversa con el crítico de arte John Berger y con Maria Nadotti. Este texto es, a mi modo de ver, un pequeño desastre. Poco más se aporta que los cumplidos de uno a otro autor. Por otra parte, Maria Nadotti, en una suerte de moderación, comete el pecado de estirar y encoger las ideas, experiencias, concepciones de la profesión y circunstancias de vida de ambos autores, para hacerlos más próximos de lo que en realidad son. Este encuentro formó parte del Congreso Ver, entender, explicar: literatura y periodismo en un fin de siglo, organizado por la revista "Linea d'Ombra" en Milán en noviembre de 1994.
Este conjunto de textos cuentan con una introducción utilísima de la propia Maria Nadotti que, aprovechando hebras de varios libros de Kapuscinski borda un retrato de lo que ha de ser el buen periodista y el buen corresponsal. Un buen corresponsal ha de ser testigo de suscesos importantes, que es capaz de situar en un contexto y relacionar con hechos del pasado, así como hacer anticipaciones hacia el futuro. Por otra parte, tiene que tener gran resistencia física y psíquica y no ha de tener miedo. Según dice elpropio polaco en La guerra del fútbol, no es un buen periodista
Afortunadamente, Ryszard Kapuscinski ha sabido admitir su propio miedo y administrarlo, ha sabido estar solo en medio de la gente; ha sido lo suficientemente curioso y lo suficientemente optimista como para pensar que la historia de África y de diversos colectivos pobres era una historia de seres humanos que merecía la pena ser contada. Y nos la ha contado. Ahora falta que nosotros seamos lo suficientemente curiosos como para escucharle.
Puedes leer un magnífico artículo sobre este libro en Etcétera.
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Este librito subtitulado "Sobre el buen periodismo" está editado en la colección "Crónicas" de la editorial Anagrama, en él se recogen tres textos diferentes una de cuyas voces es siempre el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2003, Ryszard Kapuscinski.
Los textos que encontramos son tres: el primero es la transcripción de un encuentro en el que participó el escritor polaco durante el VI Congreso "Redactor Social": De raza y de clase. El periodismo entre deseo de elitismo, implicación e indiferencia, que data del 27 de noviembre de 1999. La organización corría a cargo del CNCA (Comité Nacional de Comunidades de Acogida de Italia). La introductora y principal entrevistadora es Maria Nadotti, periodista, traductora y editora italiana. Aunque ella es la principal conductora de la entrevista, aparecen múltiples preguntas del público.
En general, este primer texto es un resumen bastante simplificado de los aspectos esenciales de la concepción que Kapuscinski tiene de la labor periodística. Para Kapuscinski el ejercicio correcto de la profesión pasa por la capacidad de sacrificio y por el estudio continuado. Un buen periodista ha de ser capaz de profundizar en los conocimientos respecto de los hechos sobre los que informa; por otra parte, tiene que estar actualizando estos conocimientos continuamente, y además, tiene que ser capaz de contextualizar los hechos que vive y transmite a los demás.
El periodista polaco no entiende el periodismo (el buen periodismo) sin una "intención"; para él, el signo que delata el buen periodismo es el carácter intencional con que se ejerce la profesión; los deseos de cambiar algo, de obtener algo, de conseguir modificar el estado de cosas con la narración de los hechos. Kapuscinski remite a grandes periodistas como Gabriel García Márquez o Ernest Hemingway como paradigmas de esta intencionalidad.
Por otra parte, las fuentes del periodismo que Kapuscinski defiende son diferentes a las del periodismo tal como se concibe actualmente (en el que el teletipo es la estrella del plató). Los seres humanos, los documentos y los imponderabilia son las tres fuentes de que se ha nutrido el polaco a lo largo de toda su vida. No es capaz de concebir un periodismo sin "los otros", los seres humanos son los que, en última instancia configuran los reportajes, ya sea como protagonistas o como mediadores entre la información y el informador; defiende así un periodismo de carácter "colectivo". Llama la atención de lo que él denomina "imponderabilia", ese conjunto de síntomas no pericibidos como tales, que se dan en los ambientes y que el buen periodista ha de saber reconocer, a los que ha de poder atribuir sentido y de los que, posteriormente, es capaz de extraer información.
Es de esta entrevista de la que se ha tomado el título del libro. Kapuscinski ha planteado un periodismo de marcado componente humano: por un lado, la humanidad del periodista, que mantiene una relación intensísima con todo lo que es externo a él, que siempre está dispuesto a escuchar a los demás, y que utiliza todos sus recursos para captar todo tipo de estímulos y discernirlos; y por otro, la humanidad como fuente esencial del periodismo:
"Nuestra profesión no puede ser ejercida correctamente por nadie que sea un cínico [...]El cinismo es una actitud inhumana, que nos aleja automáticamente de nuestro ofiio, al menos si uno lo concibe de forma seria. [...]Como sabéis, cada año, más de 100 periodistas son asesinados y varios centenares más son encarcelados o torturados. [...] Quien decide hacer este trabajo y está dispuesto a dejarse la piel en ello, con riesgo y sufrimiento, no puede ser un cínico."
La segunda entrevista data del 28 de noviembre de 1999, y la ha realizado Andrea Semplice, aprovechando la presencia de Kapuscinski en Italia. Esta entrevista se centra en la forma en que Kapuscinski ve África, sus experiencias allí. El escritor polaco nos acerca a la historia de las independencias de los estados africanos. Aquí se habla de las esperanzas de los africanos, y de diferentes líderes políticos del continente. A algunos de éstos, Kapuscinski les ha dedicado libros enteros. Es el caso de Haile Selassie, emperador de emperadores de Etiopía a partir de 1931 y que fue uno de los líderes del África independiente. También trabamos conocimiento, Kapuscinski mediante, con Kwane Nkrumah, principal líder del movimiento panafricano y que escribió el texto programático en el que se proclama la necesidad de una unidad africana, Africa must unite. Esta entrevista resulta interesante desde una perspectiva más concreta: nos ofrece la visión del periodista polaco sobre África, pero no trasciende a aspectos abstractos sobre su forma de pensar acerca de su profesión.
El último texto está articulado a tres voces: Kapuscinski conversa con el crítico de arte John Berger y con Maria Nadotti. Este texto es, a mi modo de ver, un pequeño desastre. Poco más se aporta que los cumplidos de uno a otro autor. Por otra parte, Maria Nadotti, en una suerte de moderación, comete el pecado de estirar y encoger las ideas, experiencias, concepciones de la profesión y circunstancias de vida de ambos autores, para hacerlos más próximos de lo que en realidad son. Este encuentro formó parte del Congreso Ver, entender, explicar: literatura y periodismo en un fin de siglo, organizado por la revista "Linea d'Ombra" en Milán en noviembre de 1994.
Este conjunto de textos cuentan con una introducción utilísima de la propia Maria Nadotti que, aprovechando hebras de varios libros de Kapuscinski borda un retrato de lo que ha de ser el buen periodista y el buen corresponsal. Un buen corresponsal ha de ser testigo de suscesos importantes, que es capaz de situar en un contexto y relacionar con hechos del pasado, así como hacer anticipaciones hacia el futuro. Por otra parte, tiene que tener gran resistencia física y psíquica y no ha de tener miedo. Según dice elpropio polaco en La guerra del fútbol, no es un buen periodista
"[...]el que ahorra cada dólar para construirse una casa cuando vuelva a su país; el que no sabe dormir en una choza de barro africana, y el que desprecia a la gente sobre la cual escribe.". Maria Nadotti resume así la concepción que Kapuscinski tiene del mal periodista:
"[...]el que no sabe admitir y administrar su propio miedo ni estar solo, el que no es curioso ni lo suficientemente optimista como para pensar que los seres humanos son el centro de la historia."
Afortunadamente, Ryszard Kapuscinski ha sabido admitir su propio miedo y administrarlo, ha sabido estar solo en medio de la gente; ha sido lo suficientemente curioso y lo suficientemente optimista como para pensar que la historia de África y de diversos colectivos pobres era una historia de seres humanos que merecía la pena ser contada. Y nos la ha contado. Ahora falta que nosotros seamos lo suficientemente curiosos como para escucharle.
Puedes leer un magnífico artículo sobre este libro en Etcétera.
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Noticia: RENFE y la Universidad de Alcalá, por la lectura del Quijote
La Universidad de Alcalá de Henares, ciudad natal del autor del Quijote, don Miguel de Cervantes y manco de Lepanto, y la red de Cercanías de Renfe se han unido para fomentar la lectura de las aventuras del hidalgo manchego. Así, RENFE ha financiado la edición de diversos capítulos de Don Quijote auspiciada por la Universidad de Alcalá de Henares.
Para fomentar la lectura de las peripecias quijotescas, diversos alumnos voluntarios de la Universidad de Alcalá repartirán de forma gratuita estas separatas con determinados episoidos de don Quijote como "La aventura de la cueva de Montesinos". Se han elegido capítulos cuya lectura se pueda completar durante un trayecto de unos 20 o 30 minutos. Las estaciones de Atocha y Chamartín se verán, pues, "quijotizadas", en un intento por acercar la obra más importante de Cervantes a todos los públicos.
Este capítulo XXIII de la segunda parte de don Quijote fue, además, el regalo de Reyes (el que ofició de Mago fue el Rector de la Universidad, el Excelentísimo Virgilio Zapatero) de la Universidad de Alcalá a sus alumnos. Al acto de entrega de los 25.000 ejemplares asistió el director de Cercanías de RENFE en Madrid, Lucas Calzado, que fue el patrocinador de esta idea y que posteriormente, ha decidido extrapolarla a los usuarios de la red ferroviaria.
Esta no es la única actividad relacionada con el IV Centenario de la publicación del Quijote que se lleva a cabo desde la Universidad de Alcalá. Junto con el Centro de Estudios Cervantinos están elaborando la Gran Enciclopedia Cervantina, que se editará a lo largo de este año en Alcalá de Henares, según he sabido por ElQuijote.com La Gran Enciclopedia Cervantina está dirigida por el profesor Carlos Alvar, catedrático de Filología Románica en la Universidad de Alcalá, y pretende recoger todo tipo de información relacionada con Miguel de Cervantes y la época en que vivió. En ella se incluirán
Por otra parte, tanto la ciudad de Alcalá de Henares, como otras instituciones y ciudades de España están aprovechando el Centenario para realizar todo tipo de actividades escudándose en los héroes de Cervantes y en el escritor. Así, don Quijote y Sancho Panza han pasado a engrosar el Museo de Cera o multitud de cantantes, fotógrafos y demás artistas se van a dar cita a lo largo del año en la ciudad natal de nuestro manco universal, pero que no están tandirectamente relacionados con la actividad ecdótica o con la difusión de la obra escrita como estos que he nombrado.
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Para fomentar la lectura de las peripecias quijotescas, diversos alumnos voluntarios de la Universidad de Alcalá repartirán de forma gratuita estas separatas con determinados episoidos de don Quijote como "La aventura de la cueva de Montesinos". Se han elegido capítulos cuya lectura se pueda completar durante un trayecto de unos 20 o 30 minutos. Las estaciones de Atocha y Chamartín se verán, pues, "quijotizadas", en un intento por acercar la obra más importante de Cervantes a todos los públicos.
Este capítulo XXIII de la segunda parte de don Quijote fue, además, el regalo de Reyes (el que ofició de Mago fue el Rector de la Universidad, el Excelentísimo Virgilio Zapatero) de la Universidad de Alcalá a sus alumnos. Al acto de entrega de los 25.000 ejemplares asistió el director de Cercanías de RENFE en Madrid, Lucas Calzado, que fue el patrocinador de esta idea y que posteriormente, ha decidido extrapolarla a los usuarios de la red ferroviaria.
Esta no es la única actividad relacionada con el IV Centenario de la publicación del Quijote que se lleva a cabo desde la Universidad de Alcalá. Junto con el Centro de Estudios Cervantinos están elaborando la Gran Enciclopedia Cervantina, que se editará a lo largo de este año en Alcalá de Henares, según he sabido por ElQuijote.com La Gran Enciclopedia Cervantina está dirigida por el profesor Carlos Alvar, catedrático de Filología Románica en la Universidad de Alcalá, y pretende recoger todo tipo de información relacionada con Miguel de Cervantes y la época en que vivió. En ella se incluirán
"más de 20.000 voces [...]donde se darán cita aspectos históricos, culturales, artísticos, literarios, lingüísticos, biográficos y un largo etcétera encaminado a cubrir hasta los más mínimos detalles de la época, la vida y la obra literaria del autor del Quijote: más de 10 volúmenes de texto, que podrá, también, difundirse utilizando otros medios, como el Cd-Rom o Internet."
Por otra parte, tanto la ciudad de Alcalá de Henares, como otras instituciones y ciudades de España están aprovechando el Centenario para realizar todo tipo de actividades escudándose en los héroes de Cervantes y en el escritor. Así, don Quijote y Sancho Panza han pasado a engrosar el Museo de Cera o multitud de cantantes, fotógrafos y demás artistas se van a dar cita a lo largo del año en la ciudad natal de nuestro manco universal, pero que no están tandirectamente relacionados con la actividad ecdótica o con la difusión de la obra escrita como estos que he nombrado.
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Reportaje: Literatura en torno a Berlín I
“Desde el punto de vista de la cantidad, las ciudades son las obras de arte supremas. Son las más grandes en tamaño e incluyen en su interior muchas otras obras de arte que deben ser enjuiciadas.”
Así comienza la entrada de “Ciudad” en el Diccionario de las Artes de Félix de Azúa. Parece bastante razonable y, si nos detenemos a pensar un poco, enseguida nos vendrán a la mente múltiples ejemplos de las ciudades en tanto que obras de arte supremas (Venecia o Praga) y en tanto que albergues de múltiples obras de arte (Roma, París o el museístico caso de Nueva York).
En otros artículos, este mismo autor se ha preocupado de hablar de la ciudad como objeto literario. No se nos escapa que la ciudad dormilona que pinta Leopoldo Alas en La Regenta y que se llama “Vetusta” no es más que un trasunto de la ciudad de Oviedo y que es la verdadera protagonista de la obra. Parece incluso que toda esa galería de caricaturas que se desenvuelven en la ciudad sirvan simplemente para poner aún más de manifiesto la decadencia de la ciudad heroica.
Roma, peligro para caminantes es todo un libro de poemas que Alberti dedicó a la ciudad que tantos años le albergó durante su exilio. Roma es, en este caso, la musa del poeta.
En ciertas ocasiones, la ciudad aparece incluso tan sumida en el propio poeta que se convierte en un modo de ser del poeta. Así, hablando del heterónimo de Fernando Pessoa, Álvaro de Campos, podemos decir de él que es apasionado, lúcido, pesimista... y lisboeta.
Así pues, parece que hay muchos modos de incorporar la ciudad a la obra de arte. No hay tantos ejemplos como ciudades porque muchas –por desgracia o por fortuna- aún no han topado con un apasionado ciudadano literato dispuestas a “ascenderlas literariamente” a este nuevo Parnaso Urbano.
A cualquier lector, sea de Torrelodones, de Carmona o de Luanco, probablemente le apetecería ir a dar un paseo al París de La Maga o al de Martín Romaña o al Moscú de Anna Karenina. A muchos les entristecería adentrarse en la Barcelona de Carmen Laforet y en cambio, les encantaría encontrarse a Gurb metido en una zanja de la Hidroeléctrica Catalana (si es que tal cosa existe) en la misma ciudad.
Eso sí, esto no nos tiene que llevar a pensar que toda obra que tenga por marco una ciudad con referencia en los mapamundis convierte a dicha ciudad en objeto literario. No, para que la ciudad se convierta en protagonista, en parte del ser de la obra de arte, requiere un tratamiento especial por parte del autor: la ciudad, en estos casos, se convierte en una diosa de la fecundidad (o de la abulia, según los casos) y además de ser el escenario en que se mueven unos personajes, se convierte en el director de escena, en el apuntador y al fin y al cabo, en un nuevo determinante, en una nueva característica de dichos personajes. No hay que confundir la concepción de la ciudad como “un lugar donde ocurren cosas”, como es el Londres de Bridget Jones, con la concepción de la ciudad como “una cosa que ocurre”, como es el Londres de Dickens.
Por otra parte, a ningún lector habitual de novelas se le escapará que las capitales y ciertas ciudades emblemáticas tienen muchísimas papeletas para estar en el bombo de las elegidas. París, Lisboa, Londres, Madrid o Nueva York suelen servir de inspiración, marco y personaje a multitud de obras. Pensemos en títulos como Ventanas de Nueva York o Un invierno en Lisboa, por citar algunas que ventilan su intención desde el propio título.
Berlín con, entre, por, para, según, tras la literatura
Una de estas ciudades es Berlín. Berlín ha sido inspiradora de múltiples novelas como por ejemplo Berlin Alexanderplatz de Alfred Döblin. Pero también ha sido el lugar en que muchos escritores y artistas se desarrollaron como tales aunque su obra no haya tomado como objeto artístico a la ciudad. Pensemos en Else Lasker-Schüler y en su amadísimo y amantísimo Gottfried Benn.
Berlín ha originado distintos tipos de literatura a uno y otro lado del nazismo y a uno y otro lado del muro. Y además, ha sido el objeto a través del cual diferentes artistas han encontrado su modo de expresión. Así, convierten a Berlín en musa, en protagonista y en trasunto de sí mismos autores como Jacob von Hoddis, Erich Kästner, Georg Heym o Günter Grass. Sitios como Potsdamer Platz, el Berlín de los cafés, el barrio judío o el muro de Berlín han sido protagonistas e inspiradoras de muchas obras de arte así como lugares de gestación o reunión de artistas.
Me propongo hacer un recorrido por el Berlín del siglo XX y por algunos de sus barrios más conocidos o más ricos desde el punto de vista artístico, siempre con la linterna de la literatura en la mano. No pretendo ser muy rigurosa, sino más bien dar unas pinceladas sobre las distintas épocas y lugares que han convertido a Berlín en un objeto artístico y literario tan importante como Roma o Nueva York. Quizás, después, me atreva con otras ciudades. De momento, dejo aquí la introducción al tema y la invitación a todos a que os pidáis una plaza en este viaje turístico-espacio-literario-temporal que ya ha empezado. ¿Venís conmigo?
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Noticia: fallados el Premio Nadal de Novela y el Josep Plá de narrativa en catalán
El escritor Pedro Zarraluki ha ganado la LXI edición del premio Nadal de novela con Un encargo difícil, una narración ambientada en la posguerra española. El finalista fue el madrileño Nicolás Casariego que presentó Los cazadores de luz bajo el pseudónimo de José Cantalapiedra. Zarraluki, por su parte, presentó su obra con el pseudónimo de Luis Montemayor y con el título provisional La isla de las Medusas.
La novela ganadora se ambienta en la isla de Cabrera y narra las peripecias de la esposa y la hija de un republicano, que se encuentran desterradas allí. Esta historia se combina con un museo de personajes de diversas nacionalidades cuyas historias se entretejen lentamente en una cantina.
El autor ha invertido tres años para escribir esta novela. En cuanto a su concepción del género narrativo, Zarraluki se expresó así: "Comparto con Susan Sontag, recién desaparecida, la idea de que la novela debe ante todo nutrir la conciencia. La novela, además de no perder su lado de entretenimiento ha de intentar abordar temas fundamentales, como qué es la vida y qué podemos hacer para cambiarla.” (información tomada de Diario de León).
El premio Nadal, decano de los premios de narrativa españoles está dotado con 18.000 euros para la novela ganadora y 6.000 para la finalista. Es convocado por la editorial Destino desde 1944, año en que fue otorgado a Carmen Laforet por su novela Nada. El jurado de esta edición estuvo formado por Germán Gullón, Antonio Soler, ganador de la pasada edición, Andrés Trapiello, ganador en el año 2003, Antoni Vilanova y Joaquim Palau.
Pedro Zarraluki nació en Barcelona en 1954. Publicó su primera obra, Tres trayectos innobles cuando sólo contaba 20 años. Desde entonces, ha publicado (casi siempre en Anagrama) los relatos Galería de enormidades y Retrato de familia con catástrofe; la novela El responsable de las ranas, por la que obtuvo los premios Ciudad de Barcelona y de El ojo crítico de Radio Nacional de España. Con La historia del silencio obtuvo en 1995 el Premio Herralde de Novela convocado por la editorial Anagrama . Ha publicado también Hotel Astoria y La noche del Tramoyista. Puedes leer una reseña del libroHotel Astoria , de Para amantes y ladrones en Cuchitril Literario.
Nicolás Casariego (1970) pertenece a una fecunda familia de escritores. Su novela Los cazadores de luz se desarrolla en una ciudad futurista. Previamente, ya había publicado la novela Dime cinco cosas que quieres que te haga; el libro de relatos La noche de las doscientas estrellas y el ensayo Héroes y antihéroes en la literatura.
A la edición de este año del premio Nadal se había presentado 273 novelas, la mayoría procedentes de España, pero también de Alemania, Canadá o Venezuela. En general, destacaban los argumentos policíacos y de ambientación en la Guerra Civil española o en la posguerra.
Premio Josep Plá de narrativa en catalán
Esta misma noche se ha fallado también al XXXVII edición del Premio Josep Plá de prosa en catalán. El galardonado ha sido el mallorquín Sebastián Alzamora (Llucmajor, 1972) por La pell i la princesa (La piel y la princesa). Esta obra, que se ha alzado con los 6000 euros de premio ha recuperado un trozo de la Odisea para reambientarlo y plantearse la creación de la belleza a través de un objeto inerte. Poeta, además de novelista, entre sus poemarios se pueden mencionar . Entre sus poemarios cabe destacar Mula morta (2001) y El benestar (2003).
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La novela ganadora se ambienta en la isla de Cabrera y narra las peripecias de la esposa y la hija de un republicano, que se encuentran desterradas allí. Esta historia se combina con un museo de personajes de diversas nacionalidades cuyas historias se entretejen lentamente en una cantina.
El autor ha invertido tres años para escribir esta novela. En cuanto a su concepción del género narrativo, Zarraluki se expresó así: "Comparto con Susan Sontag, recién desaparecida, la idea de que la novela debe ante todo nutrir la conciencia. La novela, además de no perder su lado de entretenimiento ha de intentar abordar temas fundamentales, como qué es la vida y qué podemos hacer para cambiarla.” (información tomada de Diario de León).
El premio Nadal, decano de los premios de narrativa españoles está dotado con 18.000 euros para la novela ganadora y 6.000 para la finalista. Es convocado por la editorial Destino desde 1944, año en que fue otorgado a Carmen Laforet por su novela Nada. El jurado de esta edición estuvo formado por Germán Gullón, Antonio Soler, ganador de la pasada edición, Andrés Trapiello, ganador en el año 2003, Antoni Vilanova y Joaquim Palau.
Pedro Zarraluki nació en Barcelona en 1954. Publicó su primera obra, Tres trayectos innobles cuando sólo contaba 20 años. Desde entonces, ha publicado (casi siempre en Anagrama) los relatos Galería de enormidades y Retrato de familia con catástrofe; la novela El responsable de las ranas, por la que obtuvo los premios Ciudad de Barcelona y de El ojo crítico de Radio Nacional de España. Con La historia del silencio obtuvo en 1995 el Premio Herralde de Novela convocado por la editorial Anagrama . Ha publicado también Hotel Astoria y La noche del Tramoyista. Puedes leer una reseña del libro
Nicolás Casariego (1970) pertenece a una fecunda familia de escritores. Su novela Los cazadores de luz se desarrolla en una ciudad futurista. Previamente, ya había publicado la novela Dime cinco cosas que quieres que te haga; el libro de relatos La noche de las doscientas estrellas y el ensayo Héroes y antihéroes en la literatura.
A la edición de este año del premio Nadal se había presentado 273 novelas, la mayoría procedentes de España, pero también de Alemania, Canadá o Venezuela. En general, destacaban los argumentos policíacos y de ambientación en la Guerra Civil española o en la posguerra.
Premio Josep Plá de narrativa en catalán
Esta misma noche se ha fallado también al XXXVII edición del Premio Josep Plá de prosa en catalán. El galardonado ha sido el mallorquín Sebastián Alzamora (Llucmajor, 1972) por La pell i la princesa (La piel y la princesa). Esta obra, que se ha alzado con los 6000 euros de premio ha recuperado un trozo de la Odisea para reambientarlo y plantearse la creación de la belleza a través de un objeto inerte. Poeta, además de novelista, entre sus poemarios se pueden mencionar . Entre sus poemarios cabe destacar Mula morta (2001) y El benestar (2003).
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Noticia: Don Quijote escala puestos en las listas de ventas navideñas
Con el furor navideño se disparan las ventas de todo tipo de objetos “regalables”. Uno de estos objetos es el libro. El descontrol de consumo navideño ha trastocado las listas de libros más vendidos y ha llevado al simpático demente Alonso Quijano a colocarse en los primeros puestos de las listas de ventas de numerosas librerías. La celebración que tendrá lugar a lo largo de este año del IV Centenario de la publicación del libro y la puesta en venta de ediciones especiales con tal motivo parecen haber sido los escuderos que han aupado a don Quijote a semejante podio.
Entre las ediciones, hemos hablado ya de la auspiciada por la Real Academia Española y editada por Alfaguara, con instrucciones de Vargas Llosa, Martín de Riquer y Francisco Rico; la de Galaxia-Gutenberg, editada en dos tomos y con un estudio preliminar de Francisco Rico, o la edición de bolsillo de Espasa. Puedes leer más sobre estas ediciones en el blog de Alonso Quijano. Eso sí, don Quijote ha vuelto a fracasar en lucha contra los Gigantes (ya sean de viento o comerciales) y no ocupa ni siquiera el tercer puesto en la lista de FNAC o de los especialistas en todo: El Corte Inglés.
i>Don Quijote ha conseguido adelantar en la lista a El código da Vinci, en una auténtica lucha de titanes; sin embargo, Dan Brown puede respirar tranquilo, puesto que su libro Ángeles y Demonios encabeza las listas, como muestran la de la Casa del Libro o la de El Cultural. Rema con dificultad Pérez Reverte desde su Cabo Trafalgar: parece que el libro no ha nacido para luchar contra los elementos aunque sigue apareciendo entre los más vendidos en El Corte Inglés. Ruiz Zafón con La sombra del viento y García Márquez se desenvuelven bastante bien en este barrizal de la competición navideña y siguen entre los 10 primeros en la lista de Casa del Libro. Lucía Etxebarría, por su parte, hace equilibrios para mantenerse en el honroso quinto puesto.
Si hablamos, en cambio, de libros de no-ficción, la divergencia en las listas de libros es tal, que ni siquiera merece la pena intentar hacer una sistematización.
Yo os quiero dar mi propia lista de recomendaciones para rematar la Navidad: para los que tenéis algún regalo pendiente os pueden ser de utilidad. Os los divido en “libros-colonia”, a los que podéis recurrir en caso de que estéis desesperados sin saber qué regalar... ¡ánimo, el lodazal navideño está a punto de concluir, pronto dejaremos de soñar con lazos, papeles de regalo y papanoeles orondos que nos quieren robar la VISA!
LISTA DE LIBROS-COLONIA RECOMENDABLES PARA PERFUMAR EL INTELECTO EN NAVIDADES:
1. Libro-CHANEL: Historia de la belleza de Umberto Eco. Editorial Lumen. Precio del editor: 39,00 €. Umberto Eco “regala” una nueva clase magistral, en este caso sobre cómo ha ido cambiando el cánon de belleza a lo largo de la historia. Acompañado con múltiples reproducciones que ilustran este cambio y que permiten comprenderlo mejor. Un libro para los amantes de la belleza y de la pintura, para curiosos y para bolsillos.
2. Libro-HUGO: “Tu libro, tus reglas”: Peter Pan de J.M. Barrie con traducción de Leopoldo María Panero. Editorial Libertarias. Precio: 5’10 €. La historia de Peter Pan se puede leer muchísimas veces, pero el que consiga esta edición tendrá la sensación de no haberla leído nunca. Una traducción tan personal, poética y alocada como el traductor.
3. Libro-ETERNITY. La insoportable levedad del ser de Milan Kundera. Un libro que encandilará a cualquiera, tenga la edad que tenga: una galería de espejos para todos los gustos. Kundera se da un paseo por la condición humana y retrata todo tipo de comportamientos de una forma realista aunque amable. Tiene un toque romanticón muy digno de la Navidad. Editorial Tusquets, 7,95 €
4. Libro-THINK 101 problemas de filosofía de Martin Cohen. Para todos aquellos a los que les gusta darle al coco... Un montón de problemas, acertijos, dilemas y disquisiciones lógicas, morales, políticas, filosóficas... Muy entretenido. Editorial Alianza, 7 €
5.Libro-ENGAGEMENT Un mundo para todos de Benjamín R. Barber. Un libro que contiene las claves para reflexionar sobre la democracia y la convivencia. Ideal para todos los amantes de los debates. Editorial Paidós Ibérica, 13 €.
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Entre las ediciones, hemos hablado ya de la auspiciada por la Real Academia Española y editada por Alfaguara, con instrucciones de Vargas Llosa, Martín de Riquer y Francisco Rico; la de Galaxia-Gutenberg, editada en dos tomos y con un estudio preliminar de Francisco Rico, o la edición de bolsillo de Espasa. Puedes leer más sobre estas ediciones en el blog de Alonso Quijano. Eso sí, don Quijote ha vuelto a fracasar en lucha contra los Gigantes (ya sean de viento o comerciales) y no ocupa ni siquiera el tercer puesto en la lista de FNAC o de los especialistas en todo: El Corte Inglés.
i>Don Quijote ha conseguido adelantar en la lista a El código da Vinci, en una auténtica lucha de titanes; sin embargo, Dan Brown puede respirar tranquilo, puesto que su libro Ángeles y Demonios encabeza las listas, como muestran la de la Casa del Libro o la de El Cultural. Rema con dificultad Pérez Reverte desde su Cabo Trafalgar: parece que el libro no ha nacido para luchar contra los elementos aunque sigue apareciendo entre los más vendidos en El Corte Inglés. Ruiz Zafón con La sombra del viento y García Márquez se desenvuelven bastante bien en este barrizal de la competición navideña y siguen entre los 10 primeros en la lista de Casa del Libro. Lucía Etxebarría, por su parte, hace equilibrios para mantenerse en el honroso quinto puesto.
Si hablamos, en cambio, de libros de no-ficción, la divergencia en las listas de libros es tal, que ni siquiera merece la pena intentar hacer una sistematización.
Yo os quiero dar mi propia lista de recomendaciones para rematar la Navidad: para los que tenéis algún regalo pendiente os pueden ser de utilidad. Os los divido en “libros-colonia”, a los que podéis recurrir en caso de que estéis desesperados sin saber qué regalar... ¡ánimo, el lodazal navideño está a punto de concluir, pronto dejaremos de soñar con lazos, papeles de regalo y papanoeles orondos que nos quieren robar la VISA!
LISTA DE LIBROS-COLONIA RECOMENDABLES PARA PERFUMAR EL INTELECTO EN NAVIDADES:
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Reportaje: en torno a la metáfora
Y... ¿qué es una metáfora?, ¿para qué sirve una metáfora?, ¿cómo puedo reconocer una metáfora?, ¿también yo digo metáforas? Son preguntas que todos los apasionados de la literatura (por activa y por pasiva) nos hemos hecho alguna vez. Generalmente, son preguntas cuyas repuestas aclaran poco y resultan pobres.
Dice, por ejemplo, el Diccionario de la RAE:
Parece una definición satisfactoria en cuanto al qué es una metáfora para el ámbito literario; pero deja el resto de preguntas sin contestación. Realmente, nos interesa saber por qué las metáforas “funcionan”, por qué son capaces de significar lo que pretendemos que signifiquen (y también, por supuesto, por qué no funcionan y hay tanto poeta fracasado por ahí suelto). ¿Realmente se parecen tanto todas las cosas en el mundo como para que hacer metáforas sea simplemente hacer visible uno de los múltiples hilos invisibles que las unen como si el mundo fuese una tela de araña?
Normalmente se asocia la palabra "metáfora" con la literatura y con los consabidos ejemplos de los "dientes que son perlas". En realidad, estamos rodeados de metáforas. Encendemos el ordenador y éste nos escupe la primera metáfora a la cara invitándonos a manipular en el "escritorio". A veces, nos metemos constantemente en la boca del lobo, nos comemos la olla, le damos vueltas a un problema, lloramos a mares porque no encontramos la solución y siempre sabemos que los demás van a entender lo que queremos decir.
Ahora imagínate que vas caminando por Roma (o por un espacio con cipreses) y le dices a tu compañero: mira qué hermoso surtidor de sombra. ¿Cómo puedes estar seguro de que te va a entender? Al hablar, muchas veces, nos arriesgamos y decimos que un ciprés es un surtidor de sombra; o que unos pechos son yunques ahumados; o llamamos, incluso, enemiga de la nieve a una cintura. Pero no tenemos la certeza de que vayamos a ser entendidos. ¿Por qué actuamos así, entonces?
En el primer caso parece bastante claro que estamos seguros de la comprensión con éxito de nuestro mensaje por parte de nuestros oyentes. Son metáforas que ya están fijadas en nuestra tradición, "lexicalizadas", si se quiere. Se trata casi ya de una convención.
En cambio, en el segundo caso, no podemos estar seguros de que nuestros interlocutores comprendan exactamente lo que queremos decir. Así, hablar metafóricamente es una apuesta: una apuesta por la comprensión del otro. Y por tanto, entraña un riesgo. Vamos, que hacer metáforas es como hacer puenting.
Pero seguimos sin saber cómo funcionan las metáforas, por qué llaman tanto la atención, por qué pueden convertir un conjunto de versos en un POEMA, cómo hacemos una metáfora, cómo la identificamos, si efectivamente se trata de un proceso extraordinario...
La metáfora ha sido, la pobre, maltratada a lo largo del tiempo: estirada para cubrir definiciones-corsé; reducida a la consideración de mero ornato conceptista; dejada por imposible; sobreutilizada para todo aquello que aún no tenía definición-corsé, y vuelta a empezar la danza...
Los profesores Rafael Núñez y Guillermo Lorenzo de la Universidad de Oviedo han tenido a bien escribir un librito en el que aportan sus originalísimas respuestas a todo este caos mental del literato incipiente. No se trata de un libro para amantes de la Verdad Mayúscula, sino para los amantes del aprendizaje y la revelación. Ante la metáfora no caben experimentos de laboratorio y probetas llenas de palabras que reaccionen metafóricamente en alambiques llenos de palabras y que arrojen resultados estadísticos sobre la posibilidad combinatoria de verbos, adjetivos y preposiciones. Claro que no. Pero la verdad (o mejor dicho, las verdades) con minúsculas que nos ofrecen estos dos autores tras haber flexionado, reflexionado y genuflexionado en torno a la metáfora durante mucho tiempo, cobra la forma de una teoría sólida, con columnas tan lujosas como Wittgenstein o Hilary Putnam sosteniendo este conjunto de respuestas.
Este libro supone una exquisitez para los interesados puesto que consigue dar respuesta de forma totalmente innovadora pero no carente de justificación, a todas estas cuestiones ya cansinas sobre la metáfora, y porque se plantea interrogantes nuevos, que se revelan mucho más útiles para comprender este empalabrado camino de las metáforas que los totalizadores ¿qué es? y ¿cuándo he de usarla?
Se trata de un punto de vista desmitificador (que no simplificador) que permite acercarse a las metáforas sin miedo a que se nos vuelvan en nuestra contra, sin miedo a que nos den la espalda puerco-espina y provoquen en nosotros una incomprensión literaria total y definitiva. El punto de partida de los autores es el siguiente:
Así pues, los autores tratan de explicar por qué consideran ellos que las metáforas funcionan como funcionan todas las palabras y cómo han llegado a la conclusión de que no son mecanismos esencialmente diferentes al decir “quiero pan” a la hora de comer.
Para conseguir desembocar en este planteamiento, el torrente de reflexión a dos cabezas (ayudadas eso sí por una galería simpatiquísima, particularísima y muy necesaria de autores como los ya mencionados Ludwig Wittgenstein, Hilary Putnam; Gottlob Frege, Noam Chomsky, W. Ong, Hannah Arendt, Miguel Pardeza, Gregory Bateson, Camarón de la Isla o Umberto Eco entre otros) sigue tres etapas:
La primera parte del libro se dedica a desentrañar qué son los significados de las palabras, cómo funcionan las palabras, por qué nos entendemos cuándo nos entendemos, qué tienen en común un chihuahua y un gran danés, qué es Londres y por qué Wittgenstein no se parecía a su prima Margaret Wittgenstein y a pesar de ello sigue siendo su primo. En definitiva, los autores van explorando, linterna wittgensteniana en mano, el funcionamiento de las palabras, partiendo del mismo punto que Wittgenstein: “el significado es el uso que hacemos de las palabras”.
En esta primera parte del libro, Lorenzo y Núñez se dedican a explicar por qué Wittgenstein se atreve a llegar a esa conclusión y por qué ellos se atreven a corroborarla: cómo nos hace funcionar el lenguaje, a qué aludimos cuando aludimos a algo... aquí se defiende una “teoría pragmática del significado”, lo que en palabras de andar por el blog viene a ser defender la idea de que las palabras no están unidas irrevocablemente al objeto que designan. De hecho, aquí se va más allá y se pretende esclarecer cómo todos los significados son, en realidad, difusos, y cómo esta difuminación de los significados es la vía para conseguir exprimir al lenguaje una gran capacidad de comunicación.
Dicen los autores que dice Wittgenstein. Gracias a este primer capítulo podemos ver cómo esto es una realidad que experimentamos todos los hablantes pero de la que no somos plenamente conscientes hasta que Núñez, Lorenzo y Wittgenstein nos cogen de la mano. Se llama este capítulo: “Signos sin sentido”.
En el siguiente, “Sentidos sin signos”, nos sumergimos en la metáfora y su funcionamiento. Esta concepción innovadora de la metáfora permite explicar su esencia, su funcionamiento, su utilidad en el ámbito literario... Los lectores, una vez que hemos aceptado las premisas del capítulo anterior, vamos a aprender aquí que:
Lo que convierte a la metáfora en algo diferente, pues, no es el proceso por el que la “descodificamos”, sino la novedad absoluta en el uso de una palabra. Esta es la esencia de la metáfora: hacer un uso sin precedentes de una palabra que habitualmente se usaba para otra cosa. Aquí es donde entra la metáfora como apuesta, y por tanto, como juego. La comprensión de una metáfora es además reveladora porque pone de manifiesto el conjunto de cosas, experiencias, sentimientos y mundos que el que la profiere y el que la recibe comparten. Una metáfora es un lazo.
Por otra parte, en este capítulo, los autores tratan de huir de una concepción “ornamental” de la metáfora. (La metáfora no es un lazo). No sólo tratan de escapar, sino que explican por qué. Para ellos, la metáfora, la verdadera metáfora es la que
Este capítulo también se adentra en los procesos por los que la metáfora es recogida, captada y comprendida por los individuos y por las comunidades.
Los dos últimos capítulos son más breves y suponen una profundización en el contenido de la metáfora y en nuestra capacidad para asignar significados. En ellos, a través de ejemplos, se repite la idea básica del libro sobre el significado de las palabras:
Estamos ante un libro densísimo, ante una mesa de disección de la metáfora en la que, honrando a su objeto de estudio, ni una sola palabra está de más, ninguna es un mero ornato inservible. La galería de personajes del mundo de la filosofía, la semiótica, el fútbol, la teoría de la comunicación, la psicología, el flamenco y la antropología que pueblan estas páginas son el conjunto de semáforos, señales y guardias de tráfico que velan porque nuestro recorrido a lo largo de las ideas de estos dos señores no se confunda, no se extravíe y no se accidente.
El libro puede parecer muy técnico, en algunos casos, quizás incluso resulte incomprensible para “el hombre de la calle” dubuffetiano. En cualquier caso, tampoco se puede decir que el libro sea muy complejo: la forma sencilla de expresar y de exponer las ideas (sin escatimar argumentos, explicaciones o ejemplos) lleva a pensar que no pueden haber sido expresadas de otro modo ni comprendidas de otra manera. En este libro hay chispazo, hay cortocircuito, hay luz donde antes no la había (o no sabíamos que la había).
Abren y cierran el libro dos “Metálogos” (o metadiálogos): se trata de conversaciones entre padre e hija destinadas a aclarar un “asunto problemático”. Esta forma de conversar fue creada por el antropólogo Gregory Bateson. Lo que se pretende con estas conversaciones no es únicamente discutir el famoso “asunto problemático”, sino también conseguir que la forma de discutir dicho “asunto” sea relevante para el propio esclarecimiento de la cuestión.
Podéis leer aquí el metalógo que introduce el libro: "¿Para qué sirve una metáfora?"El libro se cierra con otro que sirve para explicar el título del libro. Pero ese hay que leerlo ya siendo un poco más sabio, es decir, habiendo leído este libro.
Rafael Núñez Ramos (Vigo, 1951) es profesor de Teoría Literaria en la Universidad de Oviedo. Se doctoró por la misma universidad con el trabajo Poética semiológica. El Polifemo de Góngora. Ha escrito el libro La Poesía y ha colaborado en muchos otros. Es autor, asimismo de artículos sobre literatura y comunicación (humor, juego, deporte, teatro y cine).
Guillermo Lorenzo González (Oviedo 1966) es profesor de Lingüística General en la misma universidad. Se doctoró en Oviedo con Geometría de las estructuras nominales. Ha escrito, entre otros, el libro Comprender a Chomsky y ha colaborado en otros. Es autor, asimismo, de artículos sobre lenguaje y comunicación.
En colaboración han escrito los artículos: “Quién difama cuando yo difamo”, “El delito de difamación en el Anteproyecto de Nuevo Código Penal” y “On the Aesthetic Dimension of Humor”.
Que cómo se llama el libro, me dice el clip...
Título: Tres Ce
Dice, por ejemplo, el Diccionario de la RAE:
metáfora. (Del lat. metaphŏra, y este del gr. μεταφορά, traslación). f. Ret. Tropo que consiste en trasladar el sentido recto de las voces a otro figurado, en virtud de una comparación tácita; p. ej., Las perlas del rocío. La primavera de la vida. Refrenar las pasiones. || 2. Aplicación de una palabra o de una expresión a un objeto o a un concepto, al cual no denota literalmente, con el fin de sugerir una comparación (con otro objeto o concepto) y facilitar su comprensión; p. ej., el átomo es un sistema solar en miniatura.
Parece una definición satisfactoria en cuanto al qué es una metáfora para el ámbito literario; pero deja el resto de preguntas sin contestación. Realmente, nos interesa saber por qué las metáforas “funcionan”, por qué son capaces de significar lo que pretendemos que signifiquen (y también, por supuesto, por qué no funcionan y hay tanto poeta fracasado por ahí suelto). ¿Realmente se parecen tanto todas las cosas en el mundo como para que hacer metáforas sea simplemente hacer visible uno de los múltiples hilos invisibles que las unen como si el mundo fuese una tela de araña?
Normalmente se asocia la palabra "metáfora" con la literatura y con los consabidos ejemplos de los "dientes que son perlas". En realidad, estamos rodeados de metáforas. Encendemos el ordenador y éste nos escupe la primera metáfora a la cara invitándonos a manipular en el "escritorio". A veces, nos metemos constantemente en la boca del lobo, nos comemos la olla, le damos vueltas a un problema, lloramos a mares porque no encontramos la solución y siempre sabemos que los demás van a entender lo que queremos decir.
Ahora imagínate que vas caminando por Roma (o por un espacio con cipreses) y le dices a tu compañero: mira qué hermoso surtidor de sombra. ¿Cómo puedes estar seguro de que te va a entender? Al hablar, muchas veces, nos arriesgamos y decimos que un ciprés es un surtidor de sombra; o que unos pechos son yunques ahumados; o llamamos, incluso, enemiga de la nieve a una cintura. Pero no tenemos la certeza de que vayamos a ser entendidos. ¿Por qué actuamos así, entonces?
En el primer caso parece bastante claro que estamos seguros de la comprensión con éxito de nuestro mensaje por parte de nuestros oyentes. Son metáforas que ya están fijadas en nuestra tradición, "lexicalizadas", si se quiere. Se trata casi ya de una convención.
En cambio, en el segundo caso, no podemos estar seguros de que nuestros interlocutores comprendan exactamente lo que queremos decir. Así, hablar metafóricamente es una apuesta: una apuesta por la comprensión del otro. Y por tanto, entraña un riesgo. Vamos, que hacer metáforas es como hacer puenting.
Pero seguimos sin saber cómo funcionan las metáforas, por qué llaman tanto la atención, por qué pueden convertir un conjunto de versos en un POEMA, cómo hacemos una metáfora, cómo la identificamos, si efectivamente se trata de un proceso extraordinario...
La metáfora ha sido, la pobre, maltratada a lo largo del tiempo: estirada para cubrir definiciones-corsé; reducida a la consideración de mero ornato conceptista; dejada por imposible; sobreutilizada para todo aquello que aún no tenía definición-corsé, y vuelta a empezar la danza...
Los profesores Rafael Núñez y Guillermo Lorenzo de la Universidad de Oviedo han tenido a bien escribir un librito en el que aportan sus originalísimas respuestas a todo este caos mental del literato incipiente. No se trata de un libro para amantes de la Verdad Mayúscula, sino para los amantes del aprendizaje y la revelación. Ante la metáfora no caben experimentos de laboratorio y probetas llenas de palabras que reaccionen metafóricamente en alambiques llenos de palabras y que arrojen resultados estadísticos sobre la posibilidad combinatoria de verbos, adjetivos y preposiciones. Claro que no. Pero la verdad (o mejor dicho, las verdades) con minúsculas que nos ofrecen estos dos autores tras haber flexionado, reflexionado y genuflexionado en torno a la metáfora durante mucho tiempo, cobra la forma de una teoría sólida, con columnas tan lujosas como Wittgenstein o Hilary Putnam sosteniendo este conjunto de respuestas.
Este libro supone una exquisitez para los interesados puesto que consigue dar respuesta de forma totalmente innovadora pero no carente de justificación, a todas estas cuestiones ya cansinas sobre la metáfora, y porque se plantea interrogantes nuevos, que se revelan mucho más útiles para comprender este empalabrado camino de las metáforas que los totalizadores ¿qué es? y ¿cuándo he de usarla?
Se trata de un punto de vista desmitificador (que no simplificador) que permite acercarse a las metáforas sin miedo a que se nos vuelvan en nuestra contra, sin miedo a que nos den la espalda puerco-espina y provoquen en nosotros una incomprensión literaria total y definitiva. El punto de partida de los autores es el siguiente:
”La esencia y razón de ser de las metáforas [...] no es otra que la esencia y razón de ser de las palabras mismas.”
Así pues, los autores tratan de explicar por qué consideran ellos que las metáforas funcionan como funcionan todas las palabras y cómo han llegado a la conclusión de que no son mecanismos esencialmente diferentes al decir “quiero pan” a la hora de comer.
Para conseguir desembocar en este planteamiento, el torrente de reflexión a dos cabezas (ayudadas eso sí por una galería simpatiquísima, particularísima y muy necesaria de autores como los ya mencionados Ludwig Wittgenstein, Hilary Putnam; Gottlob Frege, Noam Chomsky, W. Ong, Hannah Arendt, Miguel Pardeza, Gregory Bateson, Camarón de la Isla o Umberto Eco entre otros) sigue tres etapas:
La primera parte del libro se dedica a desentrañar qué son los significados de las palabras, cómo funcionan las palabras, por qué nos entendemos cuándo nos entendemos, qué tienen en común un chihuahua y un gran danés, qué es Londres y por qué Wittgenstein no se parecía a su prima Margaret Wittgenstein y a pesar de ello sigue siendo su primo. En definitiva, los autores van explorando, linterna wittgensteniana en mano, el funcionamiento de las palabras, partiendo del mismo punto que Wittgenstein: “el significado es el uso que hacemos de las palabras”.
En esta primera parte del libro, Lorenzo y Núñez se dedican a explicar por qué Wittgenstein se atreve a llegar a esa conclusión y por qué ellos se atreven a corroborarla: cómo nos hace funcionar el lenguaje, a qué aludimos cuando aludimos a algo... aquí se defiende una “teoría pragmática del significado”, lo que en palabras de andar por el blog viene a ser defender la idea de que las palabras no están unidas irrevocablemente al objeto que designan. De hecho, aquí se va más allá y se pretende esclarecer cómo todos los significados son, en realidad, difusos, y cómo esta difuminación de los significados es la vía para conseguir exprimir al lenguaje una gran capacidad de comunicación.
”Recuérdese que, en general, nosotros no usamos el lenguaje conforme a reglas estrictas, ni tampoco se nos ha enseñado por medio de reglas estrictas. [...] Somos incapaces de delimitar claramente los conceptos que utilizamos; y no porque no conozcamos su verdadera definición, sino porque no hay “definición” verdadera de ellos.”
Dicen los autores que dice Wittgenstein. Gracias a este primer capítulo podemos ver cómo esto es una realidad que experimentamos todos los hablantes pero de la que no somos plenamente conscientes hasta que Núñez, Lorenzo y Wittgenstein nos cogen de la mano. Se llama este capítulo: “Signos sin sentido”.
En el siguiente, “Sentidos sin signos”, nos sumergimos en la metáfora y su funcionamiento. Esta concepción innovadora de la metáfora permite explicar su esencia, su funcionamiento, su utilidad en el ámbito literario... Los lectores, una vez que hemos aceptado las premisas del capítulo anterior, vamos a aprender aquí que:
”[...] los procesos que se desarrollan en la comprensión y el sentido de las metáforas no difiere en lo esencial de los procesos de comprensión y producción de sentido en las demás expresiones lingüísticas [...]”
Lo que convierte a la metáfora en algo diferente, pues, no es el proceso por el que la “descodificamos”, sino la novedad absoluta en el uso de una palabra. Esta es la esencia de la metáfora: hacer un uso sin precedentes de una palabra que habitualmente se usaba para otra cosa. Aquí es donde entra la metáfora como apuesta, y por tanto, como juego. La comprensión de una metáfora es además reveladora porque pone de manifiesto el conjunto de cosas, experiencias, sentimientos y mundos que el que la profiere y el que la recibe comparten. Una metáfora es un lazo.
Por otra parte, en este capítulo, los autores tratan de huir de una concepción “ornamental” de la metáfora. (La metáfora no es un lazo). No sólo tratan de escapar, sino que explican por qué. Para ellos, la metáfora, la verdadera metáfora es la que
“nace para nombrar lo que todavía no tiene nombre.”Así, un sentimiento especialísimo de un poeta encuentra su justo modo de expresión en la metáfora: así, el poeta sabe que eso será recibido como algo único: él mismo lo ha creado. La metáfora supone crear lenguaje: hacer nuevos usos de palabras viejas.
Este capítulo también se adentra en los procesos por los que la metáfora es recogida, captada y comprendida por los individuos y por las comunidades.
Los dos últimos capítulos son más breves y suponen una profundización en el contenido de la metáfora y en nuestra capacidad para asignar significados. En ellos, a través de ejemplos, se repite la idea básica del libro sobre el significado de las palabras:
”el significado de una palabra [...] consiste en toda la capacidad potencial de aplicaciones que reconocemos en ella”.
Estamos ante un libro densísimo, ante una mesa de disección de la metáfora en la que, honrando a su objeto de estudio, ni una sola palabra está de más, ninguna es un mero ornato inservible. La galería de personajes del mundo de la filosofía, la semiótica, el fútbol, la teoría de la comunicación, la psicología, el flamenco y la antropología que pueblan estas páginas son el conjunto de semáforos, señales y guardias de tráfico que velan porque nuestro recorrido a lo largo de las ideas de estos dos señores no se confunda, no se extravíe y no se accidente.
El libro puede parecer muy técnico, en algunos casos, quizás incluso resulte incomprensible para “el hombre de la calle” dubuffetiano. En cualquier caso, tampoco se puede decir que el libro sea muy complejo: la forma sencilla de expresar y de exponer las ideas (sin escatimar argumentos, explicaciones o ejemplos) lleva a pensar que no pueden haber sido expresadas de otro modo ni comprendidas de otra manera. En este libro hay chispazo, hay cortocircuito, hay luz donde antes no la había (o no sabíamos que la había).
Abren y cierran el libro dos “Metálogos” (o metadiálogos): se trata de conversaciones entre padre e hija destinadas a aclarar un “asunto problemático”. Esta forma de conversar fue creada por el antropólogo Gregory Bateson. Lo que se pretende con estas conversaciones no es únicamente discutir el famoso “asunto problemático”, sino también conseguir que la forma de discutir dicho “asunto” sea relevante para el propio esclarecimiento de la cuestión.
Podéis leer aquí el metalógo que introduce el libro: "¿Para qué sirve una metáfora?"El libro se cierra con otro que sirve para explicar el título del libro. Pero ese hay que leerlo ya siendo un poco más sabio, es decir, habiendo leído este libro.
Rafael Núñez Ramos (Vigo, 1951) es profesor de Teoría Literaria en la Universidad de Oviedo. Se doctoró por la misma universidad con el trabajo Poética semiológica. El Polifemo de Góngora. Ha escrito el libro La Poesía y ha colaborado en muchos otros. Es autor, asimismo de artículos sobre literatura y comunicación (humor, juego, deporte, teatro y cine).
Guillermo Lorenzo González (Oviedo 1966) es profesor de Lingüística General en la misma universidad. Se doctoró en Oviedo con Geometría de las estructuras nominales. Ha escrito, entre otros, el libro Comprender a Chomsky y ha colaborado en otros. Es autor, asimismo, de artículos sobre lenguaje y comunicación.
En colaboración han escrito los artículos: “Quién difama cuando yo difamo”, “El delito de difamación en el Anteproyecto de Nuevo Código Penal” y “On the Aesthetic Dimension of Humor”.
Que cómo se llama el libro, me dice el clip...
Título: Tres Ce