Nadie es perfecto
Algo más sobre Con faldas y a lo loco
Sin duda, es una de mis películas preferidas. Nunca me canso de verla. Siempre que la veo me parto de la risa. Aunque la vea 1.000 veces seguidas siempre me vuelvo a reir. además es un buen remedio para cualquier tipo de tristeza y depresión. La recomienda encarecidamenta a todas las personas. Después de verla tienes una manera más positiva de ver la vida.
Película formidables que ha pasado a la historia de cine como una de las comedias más inolvidables de todos los tiempos. Muchas de las comedias del cine actual beben de ella.
Y es que la película cuenta con numerosos logros, desde un guión extraordinariamente escrito y estructarado hasta una dirección de actores y unas actuaciones formidables.
El guión, firmado por el propio director Billy Wilder y su colaborador habitual en muchas de sus películas, I.A.L. Diamond sigue una lógica de relato.
La actuaciones de sus dos actores protagonistas, Jack Lemon y Tony Curtis, también son inolvidables. Esos dos múscos en paro que tiene que vestirse de mujer porque unos gangsters los persiguen para matarlos. El protagonismo femenino corre a cargo de la sensual Marilyn Monroe, que a pesar de ser sabido por todos que durante el rodaje todo el equipo sufrrió por sus problemas personales, Monroe hace una de sus mejores actuaciones y demuestra lo buena actriz de comedia que era.
Película completa, variada y divertida, cuyas cualidades no han disminuido con el paso del tiempo. Sigue teniendo la misma gracia, frescura e inventiva que cuando se estrenó, allá por los años 60.
Por último, me gustaría resaltar de la película su última frase mítica, dicha por el actor Joe E. Brown ( en el papel del millonario enamorado Osgood Fielding III) a Jack Lemon ( en el papel de Daphne) después de escuchar de la propia boca de Lemon quue era imposible que ellos se casasen ya que él era un hombre. A Osgood le parece que eso no es un impedimento y le responde sencillamente: NADIE ES PERFECTO.
Sin duda, es una de mis películas preferidas. Nunca me canso de verla. Siempre que la veo me parto de la risa. Aunque la vea 1.000 veces seguidas siempre me vuelvo a reir. además es un buen remedio para cualquier tipo de tristeza y depresión. La recomienda encarecidamenta a todas las personas. Después de verla tienes una manera más positiva de ver la vida.
Película formidables que ha pasado a la historia de cine como una de las comedias más inolvidables de todos los tiempos. Muchas de las comedias del cine actual beben de ella.
Y es que la película cuenta con numerosos logros, desde un guión extraordinariamente escrito y estructarado hasta una dirección de actores y unas actuaciones formidables.
El guión, firmado por el propio director Billy Wilder y su colaborador habitual en muchas de sus películas, I.A.L. Diamond sigue una lógica de relato.
La actuaciones de sus dos actores protagonistas, Jack Lemon y Tony Curtis, también son inolvidables. Esos dos múscos en paro que tiene que vestirse de mujer porque unos gangsters los persiguen para matarlos. El protagonismo femenino corre a cargo de la sensual Marilyn Monroe, que a pesar de ser sabido por todos que durante el rodaje todo el equipo sufrrió por sus problemas personales, Monroe hace una de sus mejores actuaciones y demuestra lo buena actriz de comedia que era.
Película completa, variada y divertida, cuyas cualidades no han disminuido con el paso del tiempo. Sigue teniendo la misma gracia, frescura e inventiva que cuando se estrenó, allá por los años 60.
Por último, me gustaría resaltar de la película su última frase mítica, dicha por el actor Joe E. Brown ( en el papel del millonario enamorado Osgood Fielding III) a Jack Lemon ( en el papel de Daphne) después de escuchar de la propia boca de Lemon quue era imposible que ellos se casasen ya que él era un hombre. A Osgood le parece que eso no es un impedimento y le responde sencillamente: NADIE ES PERFECTO.
Centauros del desierto
The Searchers
AÑO 1956
DURACIÓN 119 min
DIRECTOR John Ford
GUIÓN Frank S. Nugent
MUSICA Max Steiner
FOTOGRAFÍA Winton C. Hoch
REPARTO John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles, John Qualen, Olive Carey, Henry Brandon, Ken Curtis, Harry Carey Jr., Hank Worden
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA Western / SINOPSIS: Tres años después de la finalización de la guerra de Secesión, Ethan Edwards vuelve a su querido hogar formado por su hermano Aaron, su cuñada Martha, sus dos sobrinas Lucy y Debbie y un muchacho medio mestizo llamado Martin. Lucy está prometida a un joven muchacho llamado Brad, cuya familia vive cerca, mientras que Laurie, la hermana de Brad, está enamorada de Martin.
Un hombre parte en busca de los indios que se llevaron a su sobrina. Este es el simple argumento de un viaje al centro del odio y la intolerancia a cargo del mejor John Wayne. El maestro Ford volvió a demostrar por qué es el mejor director de la historia del cine en un genial relato lleno de fuerza, amargura, poesía y perfección. Un obra de arte.
AÑO 1956
DURACIÓN 119 min
DIRECTOR John Ford
GUIÓN Frank S. Nugent
MUSICA Max Steiner
FOTOGRAFÍA Winton C. Hoch
REPARTO John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles, John Qualen, Olive Carey, Henry Brandon, Ken Curtis, Harry Carey Jr., Hank Worden
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA Western / SINOPSIS: Tres años después de la finalización de la guerra de Secesión, Ethan Edwards vuelve a su querido hogar formado por su hermano Aaron, su cuñada Martha, sus dos sobrinas Lucy y Debbie y un muchacho medio mestizo llamado Martin. Lucy está prometida a un joven muchacho llamado Brad, cuya familia vive cerca, mientras que Laurie, la hermana de Brad, está enamorada de Martin.
Un hombre parte en busca de los indios que se llevaron a su sobrina. Este es el simple argumento de un viaje al centro del odio y la intolerancia a cargo del mejor John Wayne. El maestro Ford volvió a demostrar por qué es el mejor director de la historia del cine en un genial relato lleno de fuerza, amargura, poesía y perfección. Un obra de arte.
wilder y Lemon
Los dos genios del humor cara a cara
Ford y Wayne
Un momento del rodaje, en el que Ford le hace unas indicaciones al actor.
El maestro del suspense
Mi amor por el cine es más importante que cualquier moral
Alfred Hitchcock
La ventana indiscreta
TITULO ORIGINALAÑO 1954
DURACIÓN 112 min
DIRECTOR Alfred Hitchcock
GUIÓN John Michael Hayes (Historia: Cornell Woolrich)
MUSICA Franz Waxman
FOTOGRAFÍA Robert Burks
REPARTO James Stewart, Grace Kelly, Thelma Ritter, Raymond Burr, Judith Evelyn, Wendell Corey
PRODUCTORA
GÉNERO Y CRÍTICA Intriga / Paradigma del talento del maestro Hitchcock de cómo contar un historia y mantener un asombroso suspense sin moverse de una habitación y con un patio como único e intrigante paisaje. La genial trama: un fotógrafo, confinado temporalmente a un silla de ruedas con la pierna escayolada, sospecha del extraño comportamiento de un vecino. Unos perfectos e inolvidables James Stewart, Grace Kelly y Thelma Ritter redondean la función de esta obra absolutamente genial.
DURACIÓN 112 min
DIRECTOR Alfred Hitchcock
GUIÓN John Michael Hayes (Historia: Cornell Woolrich)
MUSICA Franz Waxman
FOTOGRAFÍA Robert Burks
REPARTO James Stewart, Grace Kelly, Thelma Ritter, Raymond Burr, Judith Evelyn, Wendell Corey
PRODUCTORA
GÉNERO Y CRÍTICA Intriga / Paradigma del talento del maestro Hitchcock de cómo contar un historia y mantener un asombroso suspense sin moverse de una habitación y con un patio como único e intrigante paisaje. La genial trama: un fotógrafo, confinado temporalmente a un silla de ruedas con la pierna escayolada, sospecha del extraño comportamiento de un vecino. Unos perfectos e inolvidables James Stewart, Grace Kelly y Thelma Ritter redondean la función de esta obra absolutamente genial.
Una ventana muy pero que muy indiscreta
Elegir una película preferida entre la filmografía de Hitchcock es bastante difícil, ya que me gustan casi todas del director inglés. Sus primeras películas la verdad es que son menos conocidas y muy poca gente las ha visto. Al final me he decidido por Le vantana indiscreta, pero podría haber nombrado otras que se encuentran a la misma altura de mis predilecciones, como Vertigo, Sospecha, Encadenados o Con la muerte en los talones. Pero al final me he decantado por esta peli del año 1954.
Una peli de intriga, pero en la que lo verdaderamente importante no está en el argumento- un fotografo, que después de sufrir un accidente le enyesan toda la pierna y debe permanecer inválido en casa, sospecha que uno de sus vecinos ha matado a su mujer- si no en la forma de contarlo. Hichcock reduce el espacio al apartamento de Jeff (James Stewart) y al bloque de viviendas que este ve desde su ventana. Este escenario único visto desde la ventana resulta asombroso y variado, conforme la cámara del director, siguiendo la mirada del protagonista, enfocaba a una u a otra de las habitaciones a través del patio y veíamos su interior, la parte que aparecía enmarcada en sus propias ventanas. La película también llama la atención por sus protagonistas. James Stewart, en el papel del fotógrado invalido y su novia Lisa, interpretada dulcemente por la bella Grace Kelly. A mi parecer, la pareja no tiene mucha química en la película, incluso no resulta muy creible que él no quiera aceptar la proposición de matrimonio que constantemente le propone ella. A pesar de ello, los actores hacen una muy buena actuación, él a pasar de estar costringido en una silla de ruda, y ella clava el papel de chica dulce y alegre que ayuda a Jeff a descubrir si verdaderemente su vecino es un asesino.
Una peli de intriga, pero en la que lo verdaderamente importante no está en el argumento- un fotografo, que después de sufrir un accidente le enyesan toda la pierna y debe permanecer inválido en casa, sospecha que uno de sus vecinos ha matado a su mujer- si no en la forma de contarlo. Hichcock reduce el espacio al apartamento de Jeff (James Stewart) y al bloque de viviendas que este ve desde su ventana. Este escenario único visto desde la ventana resulta asombroso y variado, conforme la cámara del director, siguiendo la mirada del protagonista, enfocaba a una u a otra de las habitaciones a través del patio y veíamos su interior, la parte que aparecía enmarcada en sus propias ventanas. La película también llama la atención por sus protagonistas. James Stewart, en el papel del fotógrado invalido y su novia Lisa, interpretada dulcemente por la bella Grace Kelly. A mi parecer, la pareja no tiene mucha química en la película, incluso no resulta muy creible que él no quiera aceptar la proposición de matrimonio que constantemente le propone ella. A pesar de ello, los actores hacen una muy buena actuación, él a pasar de estar costringido en una silla de ruda, y ella clava el papel de chica dulce y alegre que ayuda a Jeff a descubrir si verdaderemente su vecino es un asesino.
Una noche en la ópera
A Night at the Opera
(A Night at the Opera)
MGM, 1935
96 minutos
Dirigida por Sam Wood
Escrita por James Kevin McGuinness, George S. Kaufman, Morrie Ryskind, Al Boasberg y Buster Keaton
Editada por William LeVanway
Elenco:
Groucho Marx .... Otis B. Driftwood
Chico Marx .... Fiorello
Harpo Marx .... Tomasso
Kitty Carlisle .... Rosa Castaldi
Allan Jones .... Ricardo Baroni
Walter King .... Rudolpho Lassparri
Sig Ruman .... Herman Gottlieb
Margaret Dumont .... Mrs. Claypool
Los Hermanos Marx representan la cúspide de la comedia cinematográfica. Sus surrealistas rutinas y su rapidísima entrega de diálogos y acciones son obvios precursores de la comedia moderna. Muchos de los clichés humorísticos que se cultivaron a lo largo del siglo XX tuvieron origen en las comedias de estos artistas, y aunque no se les ha reconocido como merecen, su legado ha sido ampliamente aprovechado (aún sin saberlo) por comediantes de años posteriores.
En su primera encarnación como artistas de vaudeville los hermanos Marx eran cinco: Groucho, Harpo, Zeppo, Chico y Gummo. Cuando se graduaron a la pantalla grande, Gummo decidió retirarse del grupo, y posteriormente Zeppo prefirió encargarse del aspecto financiero y limitar sus apariciones en las películas. Al principio los Hermanos Marx trataron de llevar íntegramente al cine las caóticas rutinas que interpretaban en teatro, y los resultados no fueron muy exitosos. Cintas como "Horse Feathers" y "Duck Soup" son actualmente considerados clásicos, pero en su tiempo la comedia era demasiado avanzada y estridente para los gustos prevalecientes, por lo que no tuvieron mucho éxito crítico o económico. Fué hasta 1935 cuando el director Sam Wood, ayudado por un grupo de sólidos escritores (incluyendo a Buster Keaton, aunque no aparece en los créditos), logró destilar la escencia de los Hermanos Marx en una historia más lineal, menos divergente, y más tradicional, aunque buscando conservar la aparente espontaneidad y exhuberante actitud del trío compuesto por Groucho, Chico y Harpo.
(A Night at the Opera)
MGM, 1935
96 minutos
Dirigida por Sam Wood
Escrita por James Kevin McGuinness, George S. Kaufman, Morrie Ryskind, Al Boasberg y Buster Keaton
Editada por William LeVanway
Elenco:
Groucho Marx .... Otis B. Driftwood
Chico Marx .... Fiorello
Harpo Marx .... Tomasso
Kitty Carlisle .... Rosa Castaldi
Allan Jones .... Ricardo Baroni
Walter King .... Rudolpho Lassparri
Sig Ruman .... Herman Gottlieb
Margaret Dumont .... Mrs. Claypool
Los Hermanos Marx representan la cúspide de la comedia cinematográfica. Sus surrealistas rutinas y su rapidísima entrega de diálogos y acciones son obvios precursores de la comedia moderna. Muchos de los clichés humorísticos que se cultivaron a lo largo del siglo XX tuvieron origen en las comedias de estos artistas, y aunque no se les ha reconocido como merecen, su legado ha sido ampliamente aprovechado (aún sin saberlo) por comediantes de años posteriores.
En su primera encarnación como artistas de vaudeville los hermanos Marx eran cinco: Groucho, Harpo, Zeppo, Chico y Gummo. Cuando se graduaron a la pantalla grande, Gummo decidió retirarse del grupo, y posteriormente Zeppo prefirió encargarse del aspecto financiero y limitar sus apariciones en las películas. Al principio los Hermanos Marx trataron de llevar íntegramente al cine las caóticas rutinas que interpretaban en teatro, y los resultados no fueron muy exitosos. Cintas como "Horse Feathers" y "Duck Soup" son actualmente considerados clásicos, pero en su tiempo la comedia era demasiado avanzada y estridente para los gustos prevalecientes, por lo que no tuvieron mucho éxito crítico o económico. Fué hasta 1935 cuando el director Sam Wood, ayudado por un grupo de sólidos escritores (incluyendo a Buster Keaton, aunque no aparece en los créditos), logró destilar la escencia de los Hermanos Marx en una historia más lineal, menos divergente, y más tradicional, aunque buscando conservar la aparente espontaneidad y exhuberante actitud del trío compuesto por Groucho, Chico y Harpo.
La parte contratante de la primera parte...
La historia es bastante simple, y hace eco de los musicales de la época: Ricardo Baroni (Allan Jones) es un cantante de ópera con gran talento, pero no muy conocido, relegado al coro de la Ópera de Milán. Él está enamorado de Rosa (Kitty Carlisle), cantante de la misma compañía; ella le corresponde, para desagrado de Rudolpho Lasparri (Walter King), el engreído y antipático tenor estrella, quien también tiene interés romántico en la joven cantante. Por otro lado, la Sra. Claypool (la maravillosa Margaret Dumont), adinerada dama, desea entrar en sociedad, para lo que ha contratado como asesor a Otis B. Driftwood (Groucho Marx), quien le aconseja que done 200,000 dólares a la Ópera de Nueva York para que puedan contratar a Lassparri. Driftwood equivocadamente contrata a Baroni, cuyo agente es Fiorello (Chico Marx), aunque pronto se descubre el error, y la Sra. Claypool, Lassparri, Driftwood y Rosa se embarcan rumbo a Nueva York. Como polizontes en el barco van Fiorello, su cantante Baroni, y Tomasso (Harpo Marx), el ex-valet del pedante Lassparri. Durante el viaje se fortalece el amor entre Baroni y Rosa, al mismo tiempo que Lassparri sugiere al director de la Ópera de Nueva York que acepte a Rosa como Primera Voz femenina, creyendo que así podrá presionarla para aceptarlo románticamente. Cuando por fin llegan a Nueva York, Driftwood es despedido, por lo que elabora un plan junto con Fiorello y Tomasso para vengarse del director de la Ópera y de Lassparri y al mismo tiempo instalar a Baroni como tenor principal. Curiosamente el plan incluye mucho juego de palabras, confusión, golpes en la cabeza y enredo tras enredo. Finalmente, como se espera, todo resulta bien, con los villanos recibiendo su merecido, los jóvenes amantes reunidos y el excéntrico trío de Driftwood, Fiorello y Tomasso redimido y perdonado por sus travesuras.
El valor de esta película, sin embargo, no es la historia, sino las rutinas cómicas de los Hermanos Marx. Esas rutinas, aunque adaptadas para cine, fueron previamente representadas innumerables veces en teatro, donde el grupo de comediantes invirtió años refinando cada elemento hasta convertirlas en obras maestras, que aunque simulan espontaneidad e impovisación son en realidad producto de un profundo análisis y precisa ejecución, incluso considerando pausas para acomodar las risas de la audiencia. Pero la genialidad de los Marx, como la de muchos otros artistas, está en hacer que el material tan trabajado y ensayado parezca tran fresco como si se estuviera improvisando. Los rapidísimos juegos de palabras de Groucho y la comedia física de Chico y Harpo están en plena forma y son alternativamente tan rebuscados y tan simplones que la variedad misma se convierte en un nivel más de la comedia, pasando en pocos segundos de una referencia literaria a un chistorete fácil, sin perder el tono y ritmo general de las rutinas.
Entre esas rutinas hay varias que se han convertido en escenas clásicas, como la famosa firma del contrato entre Groucho y Chico. Chico, como agente del cantante de ópera vela por los intereses del artista al examinar un contrato de metro y medio de largo, el cual es cortado en pedazos conforme Chico y Groucho discuten sobre cláusulas específicas. Cuando sólo queda un trocito de papel, Groucho le da una pluma a Chico para que firme. Entonces Chico dice que no puede firmar porque no sabe escribir. Groucho, impávido, responde que no hay problema, pues su pluma no tiene tinta.
Otra escena clásica es la del camarote repleto de gente. Ésta secuencia no tiene "punchline" como tal, pues es el desarrollo el que muestra el genio de los hermanos Marx. En la travesía hacia Nueva York Groucho es colocado en un camarote escasamente más grande que un closet, como castigo por sus múltiples transgresiones y engaños. Cuando llega su equipaje Groucho difícilmente cabe junto con el gran baúl. Cuando lo abre descubre tres polizontes: Chico, Harpo y el cantante de ópera Ricardo Baroni. Entonces entra un mecánico para arreglar el calentador. Luego entra el asistente del mecánico. Luego dos camareras, una mucama y varios meseros con comida; inexplicablemente todos caben en el minúsculo camarote, que está por reventar, hasta que literalmente se desbordan cuando alguien más pretende entrar.
El valor de esta película, sin embargo, no es la historia, sino las rutinas cómicas de los Hermanos Marx. Esas rutinas, aunque adaptadas para cine, fueron previamente representadas innumerables veces en teatro, donde el grupo de comediantes invirtió años refinando cada elemento hasta convertirlas en obras maestras, que aunque simulan espontaneidad e impovisación son en realidad producto de un profundo análisis y precisa ejecución, incluso considerando pausas para acomodar las risas de la audiencia. Pero la genialidad de los Marx, como la de muchos otros artistas, está en hacer que el material tan trabajado y ensayado parezca tran fresco como si se estuviera improvisando. Los rapidísimos juegos de palabras de Groucho y la comedia física de Chico y Harpo están en plena forma y son alternativamente tan rebuscados y tan simplones que la variedad misma se convierte en un nivel más de la comedia, pasando en pocos segundos de una referencia literaria a un chistorete fácil, sin perder el tono y ritmo general de las rutinas.
Entre esas rutinas hay varias que se han convertido en escenas clásicas, como la famosa firma del contrato entre Groucho y Chico. Chico, como agente del cantante de ópera vela por los intereses del artista al examinar un contrato de metro y medio de largo, el cual es cortado en pedazos conforme Chico y Groucho discuten sobre cláusulas específicas. Cuando sólo queda un trocito de papel, Groucho le da una pluma a Chico para que firme. Entonces Chico dice que no puede firmar porque no sabe escribir. Groucho, impávido, responde que no hay problema, pues su pluma no tiene tinta.
Otra escena clásica es la del camarote repleto de gente. Ésta secuencia no tiene "punchline" como tal, pues es el desarrollo el que muestra el genio de los hermanos Marx. En la travesía hacia Nueva York Groucho es colocado en un camarote escasamente más grande que un closet, como castigo por sus múltiples transgresiones y engaños. Cuando llega su equipaje Groucho difícilmente cabe junto con el gran baúl. Cuando lo abre descubre tres polizontes: Chico, Harpo y el cantante de ópera Ricardo Baroni. Entonces entra un mecánico para arreglar el calentador. Luego entra el asistente del mecánico. Luego dos camareras, una mucama y varios meseros con comida; inexplicablemente todos caben en el minúsculo camarote, que está por reventar, hasta que literalmente se desbordan cuando alguien más pretende entrar.
y dos huevos duros
La escena mítica del camarote en la que no cabe ni un alfiler
Groucho, Chico y Harpo
Los tres hermanos caracterizados con los personajes que les llevaron a la fama
Tiempos modernos
Dirección y guión: Charles Chaplin
Año 1936
Nacionalidad USA
Estreno 29-08-2003
Género Comedia
Duración 87 m.
Guión Charles Chaplin
Fotografía Roland Totheroh
Ira Morgan
Música Charles Chaplin
Montaje Charles Chaplin
Reparto: - Charles Chaplin (Obrero de la fábrica)
- Paulette Goddard (Huérfana)
- Henry Bergman (Propietario Café)
- Stanley J. "Tiny" Sandford
(Big Bill/Trabajador)
- Chester Conklin (Mecánico)
El genio de Chaplin
Charles Chaplin es el director, guionista, compositor de la banda sonora y montador de la película, además de ejercer como protagonista de la misma. Qué más decir.
Charlot trabaja en una de las fábricas del sector del acero. Debido al ritmo frenético de la cadena de montaje, termina perdiendo la razón. Tras salir del hospital en el que estaba en tratamiento, se ve involucrado casualmente en una manifestación y es encarcelado al ser confundido por un líder comunista e instigador de dicha revuelta. Una vez libre, reemprende la lucha por la supervivencia junto a una joven huérfana con la que compartirá su sueño por una vida mejor.
Ahora a disfrutar de la banda sonora de la película. No tiene desperdicio! Es preciosa, al escucharla no se puede evitar recordar algunos de los fotogramas del film.
12._Charlie_Chaplin__Smile_From_Modern_Times.mp3
Año 1936
Nacionalidad USA
Estreno 29-08-2003
Género Comedia
Duración 87 m.
Guión Charles Chaplin
Fotografía Roland Totheroh
Ira Morgan
Música Charles Chaplin
Montaje Charles Chaplin
Reparto: - Charles Chaplin (Obrero de la fábrica)
- Paulette Goddard (Huérfana)
- Henry Bergman (Propietario Café)
- Stanley J. "Tiny" Sandford
(Big Bill/Trabajador)
- Chester Conklin (Mecánico)
El genio de Chaplin
Charles Chaplin es el director, guionista, compositor de la banda sonora y montador de la película, además de ejercer como protagonista de la misma. Qué más decir.
Charlot trabaja en una de las fábricas del sector del acero. Debido al ritmo frenético de la cadena de montaje, termina perdiendo la razón. Tras salir del hospital en el que estaba en tratamiento, se ve involucrado casualmente en una manifestación y es encarcelado al ser confundido por un líder comunista e instigador de dicha revuelta. Una vez libre, reemprende la lucha por la supervivencia junto a una joven huérfana con la que compartirá su sueño por una vida mejor.
Ahora a disfrutar de la banda sonora de la película. No tiene desperdicio! Es preciosa, al escucharla no se puede evitar recordar algunos de los fotogramas del film.
12._Charlie_Chaplin__Smile_From_Modern_Times.mp3
Problemas en la fábrica...
Charles Chaplin, en el personaje de Charlotte, en un momento de la película
Un dictador inusual
“La comedia es el estudio más serio del mundo”
Charles Chaplin
Charles Spencer Chaplin
Actor director, guionista y músico de origen británico (Londres, 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977). Autor completo, puede que el primero en la cronología cinematográfica, en todo el sentido de la palabra (él mismo escribió la música de sus películas sonoras), Charles Spencer Chaplin encarnó el cine para millones de personas durante varias generaciones, proyectándose en la personalidad de Charlot. Secreto en muchos aspectos, sin embargo el hombre es inseparable del autor. Proveniente de una familia de music-hall al principio próspera pero que a finales de siglo cayó en la miseria, Chaplin debutó en el teatro a los cinco años y desde muy joven tomó parte en las giras a través de Inglaterra y de Europa antes de embarcarse para los Estados Unidos en 1912 (después de una primera estancia en 1910). Mack Sennett se fijó en él, la Keystone lo contrató (dic. 1913) y debutó allí.
Pronto realizó él mismo sus películas, de una y después dos bobinas a un ritmo frenético, dejando la Keystone por Essanay (1915), ésta por la Mutual (1916) y esta última por la First National (1918). En unos cuantos años su salario aumentó diez veces en proporción a un éxito fulgurante que hizo de él el cómico más popular de los Estados Unidos y más tarde del mundo entero.
----------------------------------------------------------
Está por encima de cualquier elogio porque es el más grande. ¿Que otra cosa decir?. Es, en cualquier caso, el único cineasta que puede soportar sin ningún malentendido el calificativo tan equívoco de “humano”.Desde la invención del plano secuencia en “The Champion” hasta la del cinema-verité en el discurso final de “El Gran Dictador”, Charles Spencer Chaplin, aún permaneciendo al margen del cine, ha llenado en definitiva, este margen con más cosas (¿qué otras palabras se pueden emplear: ideas, gags, inteligencia, humor, belleza, gestos...?) que todos los cineastas reunidos.....Se dice hoy Chaplin como se dice Vinci, o mejor, Charlot como Leonardo. ¿Y que homenaje más bello se puede tributar a un artista de cine, en pleno siglo XX, que citar estas palabras de Rossellini después de ver “A King in New York”: “es la película de un hombre libre”.
(Jean–Luc Godard. “Cahiers du Cinema”. Especial Cine Americano,
nº 150-151. Diciembre 1963 – Enero 1964)
Pronto realizó él mismo sus películas, de una y después dos bobinas a un ritmo frenético, dejando la Keystone por Essanay (1915), ésta por la Mutual (1916) y esta última por la First National (1918). En unos cuantos años su salario aumentó diez veces en proporción a un éxito fulgurante que hizo de él el cómico más popular de los Estados Unidos y más tarde del mundo entero.
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Está por encima de cualquier elogio porque es el más grande. ¿Que otra cosa decir?. Es, en cualquier caso, el único cineasta que puede soportar sin ningún malentendido el calificativo tan equívoco de “humano”.Desde la invención del plano secuencia en “The Champion” hasta la del cinema-verité en el discurso final de “El Gran Dictador”, Charles Spencer Chaplin, aún permaneciendo al margen del cine, ha llenado en definitiva, este margen con más cosas (¿qué otras palabras se pueden emplear: ideas, gags, inteligencia, humor, belleza, gestos...?) que todos los cineastas reunidos.....Se dice hoy Chaplin como se dice Vinci, o mejor, Charlot como Leonardo. ¿Y que homenaje más bello se puede tributar a un artista de cine, en pleno siglo XX, que citar estas palabras de Rossellini después de ver “A King in New York”: “es la película de un hombre libre”.
(Jean–Luc Godard. “Cahiers du Cinema”. Especial Cine Americano,
nº 150-151. Diciembre 1963 – Enero 1964)
El padrino
TITULO ORIGINAL The Godfather
AÑO 1972
DURACIÓN 175 min
DIRECTOR Francis Ford Coppola
GUIÓN Francis Ford Coppola & Mario Puzo (Novela: Mario Puzo)
MUSICA Nino Rota
FOTOGRAFÍA Gordon Willis
REPARTO Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond, John Marley, Richard Conte, Al Lettieri, Abe Vigoda
PRODUCTORA Paramount Pictures presents an Albert S. Ruddy Production
GÉNERO Y CRÍTICA 1972: 3 Oscar: mejor película, actor (Marlon Brando), guión adaptado / Drama. Mafia / SINOPSIS: Don Vito Corleone es el jefe de una de las cinco familias que ejercen el mando de la Cosa Nostra en Nueva York en los años 40. Don Corleone tiene cuatro hijos; una chica, Connie, y tres varones, Santino, o Sonny, como le gusta que le llamen, Michael y Freddie, al que envían exiliado a Las Vegas, dada su incapacidad para asumir puestos de mando en la ”Familia”. Cuando otro capo, Sollozzo, al rechazar el Padrino intervenir en el negocio de estupefacientes, intenta asesinar a éste, empieza una cruenta lucha de violentos episodios entre los distintos grupos.
Fascinante compendio de cine de Coppola. La compleja historia de una familia mafiosa liderada por un implacable padre de familia y hombre de honor (inmenso Marlon Brando) y cuyo poder hereda su hijo más pacífico (asombroso un primerizo Al Pacino de mirada gélida) es, ante todo, un ejercicio narrativo de insuperable nivel: la brillante disección de todos los personajes, el ritmo magistral que alterna largas secuencias familiares con creíbles escenas de acción, y una ambientación perfecta consiguen un film que entró "violentamente" entre los mejores clásicos de todos los tiempos... para alzarse con el título de obra cumbre del cine moderno.
AÑO 1972
DURACIÓN 175 min
DIRECTOR Francis Ford Coppola
GUIÓN Francis Ford Coppola & Mario Puzo (Novela: Mario Puzo)
MUSICA Nino Rota
FOTOGRAFÍA Gordon Willis
REPARTO Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond, John Marley, Richard Conte, Al Lettieri, Abe Vigoda
PRODUCTORA Paramount Pictures presents an Albert S. Ruddy Production
GÉNERO Y CRÍTICA 1972: 3 Oscar: mejor película, actor (Marlon Brando), guión adaptado / Drama. Mafia / SINOPSIS: Don Vito Corleone es el jefe de una de las cinco familias que ejercen el mando de la Cosa Nostra en Nueva York en los años 40. Don Corleone tiene cuatro hijos; una chica, Connie, y tres varones, Santino, o Sonny, como le gusta que le llamen, Michael y Freddie, al que envían exiliado a Las Vegas, dada su incapacidad para asumir puestos de mando en la ”Familia”. Cuando otro capo, Sollozzo, al rechazar el Padrino intervenir en el negocio de estupefacientes, intenta asesinar a éste, empieza una cruenta lucha de violentos episodios entre los distintos grupos.
Fascinante compendio de cine de Coppola. La compleja historia de una familia mafiosa liderada por un implacable padre de familia y hombre de honor (inmenso Marlon Brando) y cuyo poder hereda su hijo más pacífico (asombroso un primerizo Al Pacino de mirada gélida) es, ante todo, un ejercicio narrativo de insuperable nivel: la brillante disección de todos los personajes, el ritmo magistral que alterna largas secuencias familiares con creíbles escenas de acción, y una ambientación perfecta consiguen un film que entró "violentamente" entre los mejores clásicos de todos los tiempos... para alzarse con el título de obra cumbre del cine moderno.
Buongiorno principessa...
01.Bijon_Giorno_Principessa.mp3
Canción de la película La vita é bella, de Roberto Benigni, con la que ganó dos oscars de la academía.
Canción de la película La vita é bella, de Roberto Benigni, con la que ganó dos oscars de la academía.
La vita è bella
Año 1998
Nacionalidad Italia
Estreno 26-02-99
Género Drama
Duración 122 m.
Dirección Roberto Benigni
Intérpretes Roberto Benigni (Guido)
Nicoletta Braschi (Dora)
Giorgio Cantarini (Giouse)
Giustino Durano (Tío)
Marisa Paredes (Madre de Dora)
Guión Vincenzo Cerami
Fotografía Tonino Delli Colli
Música Nicola Piovani
Montaje Simona Paggi
Sinopsis
Unos años antes de que comience la Segunda Guerra Mundial, un joven llamado Guido llega a un pequeño pueblo de la Toscana italiana con la intención de abrir una librería. Allí conocerá a Dora, la prometida del fascista Ferruccio, con la que conseguirá casarse y tener un hijo. Con la llegada de la guerra los tres serán internados en una campo de concentración donde Guido hará lo imposible para hacer creer a su hijo que la terrible situación que están padeciendo es tan sólo un juego.
Referencias
Roberto Begnini, además de director, es uno de los actores cómicos con más éxito de panorama cinematográfico italiano. Entre sus más reconocidos trabajos como actor se encuentran La voz de la luna, de Federico Fellini; Bajo el peso de la ley y Noche en la tierra, ambas de Jim Jarmush o El hijo de la pantera rosa, de Blake Edwards. Como director realizó su primer trabajo, Tu mi turbi, en 1983, al que siguieron Soy un pequeño diablo, Johnny Palillo y El monstruo. Próximamente se le podrá ver en Astérix y Obélix contra Cesar.
La vida es bella se ha convertido en una de las películas más premiada del año 1998, a la espera del resultado que pueda obtener en la noche de los Oscar, para la que cuenta con siete candidaturas (entre ellas la de mejor película y mejor película extranjera). Además, ha obtenido el Premio del Jurado en el Festival de Cannes o el de mejor película y mejor director de los Premios del Cine Europeo.
En la película también aparece la mujer de Begnini, Nicoletta Braschi -interpretando a Dora- y la actriz española Marisa Paredes.
El propio Papa solicitó recientemente un pase privado de la película.
Nacionalidad Italia
Estreno 26-02-99
Género Drama
Duración 122 m.
Dirección Roberto Benigni
Intérpretes Roberto Benigni (Guido)
Nicoletta Braschi (Dora)
Giorgio Cantarini (Giouse)
Giustino Durano (Tío)
Marisa Paredes (Madre de Dora)
Guión Vincenzo Cerami
Fotografía Tonino Delli Colli
Música Nicola Piovani
Montaje Simona Paggi
Sinopsis
Unos años antes de que comience la Segunda Guerra Mundial, un joven llamado Guido llega a un pequeño pueblo de la Toscana italiana con la intención de abrir una librería. Allí conocerá a Dora, la prometida del fascista Ferruccio, con la que conseguirá casarse y tener un hijo. Con la llegada de la guerra los tres serán internados en una campo de concentración donde Guido hará lo imposible para hacer creer a su hijo que la terrible situación que están padeciendo es tan sólo un juego.
Referencias
Roberto Begnini, además de director, es uno de los actores cómicos con más éxito de panorama cinematográfico italiano. Entre sus más reconocidos trabajos como actor se encuentran La voz de la luna, de Federico Fellini; Bajo el peso de la ley y Noche en la tierra, ambas de Jim Jarmush o El hijo de la pantera rosa, de Blake Edwards. Como director realizó su primer trabajo, Tu mi turbi, en 1983, al que siguieron Soy un pequeño diablo, Johnny Palillo y El monstruo. Próximamente se le podrá ver en Astérix y Obélix contra Cesar.
La vida es bella se ha convertido en una de las películas más premiada del año 1998, a la espera del resultado que pueda obtener en la noche de los Oscar, para la que cuenta con siete candidaturas (entre ellas la de mejor película y mejor película extranjera). Además, ha obtenido el Premio del Jurado en el Festival de Cannes o el de mejor película y mejor director de los Premios del Cine Europeo.
En la película también aparece la mujer de Begnini, Nicoletta Braschi -interpretando a Dora- y la actriz española Marisa Paredes.
El propio Papa solicitó recientemente un pase privado de la película.
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