(Post homenaje a la selección española de fútbol)

El 3 de Mayo de 1808 en Madrid: Los fusilamientos de la Montaña de Príncipe Pío se trata sin duda de una de las obras más representativas de Francisco de Goya y Lucientes. Se exhibe en el Museo del Prado junto con El 2 de mayo, teniendo ambas como temática la represión que las tropas francesas ejercía sobre pueblo español en 1808. Mientras El 2 de mayo muestra la revuelta popular frente a las tropas napoleónicas, Los fusilamientos plasma el linchamiento que tuvo lugar la noche del 2 al 3 de mayo en la colina madrileña de Príncipe Pío (actualmente en ese lugar se encuentra un parque que conmemora este suceso).

Goya dotó esta obra de gran dramatismo, añadiéndole detalles alegóricos a la figura de Jesucristo y a los mártires cristianos. No es casual que la figura principal de los fusilados vista de blanco y alce sus brazos en cruz, ni mucho menos los estigmas que muestra en las palmas de las manos.

Esta obra fué realizada en 1814, es decir, 6 años después del suceso, en base a algunos apuntes que Goya tomó en el lugar del fusilamiento. Se cree que el pintor, que en 1808 tenía 62 años, vivía en Príncipe Pío en aquella época y pudo presenciar la masacre desde la ventana de su casa.

De forma temporal y, con motivo de los diversos actos conmemorativos en honor a Picasso, Los fusilamientos se encuentra actualmente en el Museo Reina Sofía, acompañando a dos obras a las que sirvió como inspiración, La ejecución de Maximiliano de Édouard Manet y Masacre de Corea de Pablo Picasso.

Entre otras muchas, también existe una versión de esta obra a cargo del artista japonés Yasumasa Morimura titulada Brothers (Slaughter I).

Cuando se habla de anorexia y de trastornos de la conducta alimenticia en general, lo primero que nos viene a la cabeza son adolescentes obsesionadas con la extrema delgadez por culpa de una sociedad que impone unos cánones estéticos antinaturales. Sin embargo, ésta es una visión relativamente moderna de la enfermedad. La anorexia existe desde la antigüedad y, a lo largo de la historia, han sido muchos y muy diferentes los motivos que han arrastrado a padecerla a personas de todo tipo de condición.

Pero si hay un "sector social" que llama la atención por la abundancia de casos y por lo peculiar de las circunstancias, ese es el de las mujeres santas. La hagiografía contiene numerosos relatos de santas que durante su vida presentaron claros síntomas de padecer trastornos en sus hábitos alimentarios. En la mayoría de los casos, el origen de la enfermedad estaba en la percepción del cuerpo humano como fuente de placer y atracción sexual. A través de la restricción de alimentos buscaban la renuncia a cualquier rasgo de feminidad para así elevar el espíritu hasta el misticismo.

Hagamos, pues, un recorrido por las peculiares vidas de algunas de estas mujeres:


Santa Librada (119 - 139)

Nacida en Balcagia (Galicia), Santa Librada fue una de las nueve hijas de Lucio Castello Severo, gobernador romano de Gallaecia y Lusitania, y de su esposa Calsia. Enfrentada con su propio padre por abrazar la fe cristiana, Librada fue obligada a contraer matrimonio con el gobernador de Sicilia. La desdichada joven, horrorizada ante la idea de tener que renunciar a Cristo, encontró en la anorexia el único camino para evitar su boda. Con el objetivo de afear su cuerpo y así causar repulsión a su futuro marido, Librada dejó de ingerir alimentos. La desnutrición la dejó prácticamente en los huesos y provocó que su cuerpo y su cara se cubriese de vello. Ante semejante panorama, el gobernador de Sicilia la rechazó, desatando la ira de Lucio Castello, que condenó a su hija a morir crucificada. Tenía sólo 20 años.

A Santa Librada también se le conoce con el nombre Wilgefortis (virgo fuerte) y es considerada patrona de las mujeres que desean verse libres de las apetencias masculinas.

Para ver a Santa Librada tal y como la imaginaron los artistas franceses Pierre et Gilles haga click aquí.


Santa Walpurgis (710 - 779)

En realidad, Walpurgis (o también llamada Walburga) no padeció ningún desorden alimentario, pero, un siglo después de su muerte, la santa se vio involucrada en uno de los primeros casos documentados de anorexia y bulimia. Se trata de la historia de Friderada de Treuchtlingen, una joven que vivió en el siglo IX y que sin motivo aparente comenzó a comer compulsivamente. Después de una temporada de voraz apetito, la muchacha pasó a dejar de comer por completo, vomitando los escasos alimentos que lograban hacerle ingerir. Como nadie encontraba una explicación a su extraña enfermedad, Friderada fue llevada al monasterio donde estaba enterrada Santa Walpurgis, donde parece ser que se curó milagrosamente por intercesión de la santa.


Santa Catalina de Siena (1347 - 1380)

Procedente de una familia de ricos tintoreros, Catalina de Siena tuvo su primera experiencia mística cuando aún era una niña. Decidida a dedicar su vida a Dios, la muchacha tuvo que enfrentarse a la oposición de sus padres, que deseaban para ella un próspero matrimonio. La obsesión por llevar una vida de humildad, obediencia y caridad le condujo a realizar penitencias y actos de mortificación como alimentarse sólo con hierbas, que al mismo tiempo actuaban como laxante, o introducirse trozos de madera en la garganta para provocarse vómitos. Llegó, incluso, a llevar a cabo largos periodos de ayuno en los que solamente se alimentaba de la Eucaristía. Pese a lo insano de su dieta, Catalina de Siena llegó a ser una persona muy influyente que jugó un papel decisivo en el retorno a Roma del papa Gregorio XI de Avignón. A la de edad de 33 años, la santa enfermó y poco después moría, probablemente, fruto de la desnutrición. Su cuerpo fue desmembrado y el trozo más grande fue enterrado en la iglesia de Minerva en Roma, donde yace bajo el altar tras un panel de cristal, mientras que la cabeza puede visitarse en la iglesia de Santo Domingo en Siena.


Santa María Magdalena de Pazzi (1566 - 1607)

María Magdalena de Pazzi fue una religiosa del convento carmelita de Santa María de los Ángeles en Florencia, que consagró su existencia al sufrimiento por amor a Dios. A lo largo de su vida tuvo numerosos éxtasis y visones de Jesucristo, e incluso le salieron estigmas en los pies y en las manos. Además de los dolores físicos que le provocaban las heridas, la santa vivió atormentada por todo tipo de tentaciones impuras. Según el testimonio de algunas hermanas de la congregación, Magdalena, asaltada por insaciables deseos de comer, solía irrumpir en la despensa para darse un atracón con todo lo qua allí encontraba. Aunque estos incidentes eran atribuidos al demonio, los síntomas inducen a pensar que Santa María Magdalena de Pazzi padecía bulimia. Después de su muerte, su cuerpo permaneció incorrupto y a día de hoy se sigue conservando en el monasterio de Florencia donde pasó la mayor parte de su vida.


Santa Verónica Giuliani (1660 – 1727)

La vida de esta monja capuchina del convento de Cittá di Castello de Umbria está recogida en el diario personal que ella misma escribió, y por ello se conocen muchos detalles de su biografía. Su existencia estuvo marcada por multitud de experiencias místicas en las que se comunicaba con Dios, y en una de ellas llegó a recibir las cinco llagas de Cristo. En un afán de asemejarse a él, Santa Verónica experimentó en su propia piel todo tipo de crueles penitencias. Por las noches solía pasear por el huerto del convento con una pesada cruz a la espalda y ataviada con una túnica a la que ella misma había cosido clavos por dentro. Otras veces grababa con hierro al rojo vivo el nombre de Jesús sobre su pecho o escribía cartas a Dios utilizando su propia sangre. Sus sacrificios también incluían el ayuno, pues durante tres años se alimentó sólo con pan y agua. En otras etapas de su vida parece ser que también pudo padecer bulimia, ya que solía frecuentar continuamente la cocina, el refectorio y la despensa para apiporrarse antes de la Eucaristía.


Un libro:

"Holy Anorexia" propone un viaje por la historia de la anorexia a través de la vida de más de doscientas santas que padecieron la enfermedad.

Título: Holy Anorexia (1985)

Autor: Rudolph M. Bell, con epílogo de William C. Davis

Editorial: The University of Chicago Press

Características: 255 páginas, inglés

Ya que muchas de nuestras lectoras se quedaron con ganas del broche de moda by R en nuestro anterior concurso, les vamos a proponer uno nuevo para que tengan otra oportunidad.

La pregunta es muy sencilla...

- ¿Cómo se llama el artista que aparece en la fotografía de la izquierda?



La fotografía de la derecha es una ilustre señora de NY que nuestros lectores habituales sabrán reconocer.

La ganadora del concurso será la primera persona que comente el post con la respuesta correcta. ¡Ánimo y suerte a todas!

Quién nos iba a decir a nosotros cuando nos hicimos fans de Astrud que un día acabaríamos cantando una de sus canciones acompañados por Genís al teclado.

Cosas así sólo pasan una vez en la vida.

(post dedicado a Omanyte, ganadora de nuestro último concurso)

Marcel Duchamp (1887, Blainville-sur-Crevon - 1968, París), es sin duda uno de los artistas cuyo trabajo más ha influenciado en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Considerado uno de los máximos representantes del Dadaísmo, también realizó obras surrealistas, arte abstracto y cubismo entre otros, aunque su mayor aportación al mundo del arte serían sus readymades.




Algo sobre los dadaístas

El Dadaísmo es un movimiento cultural que se manifestó en diferentes ciudades del mundo (Nueva York, Zurich y París entre otras) durante la segunda década del siglo XX.

El origen de su nombre se debe a la palabra DADA, concepto que sus representantes proclamaban en su obra.

El porqué de la elección de la palabra DADA como estandarte no está claro. En Francia, DADA, se utiliza para referirse a un caballito de madera, en Rusia, significa "sí, sí", en Alemania, "hasta la vista", en Rumanía, "sí, de acuerdo" y en España, ¡lo dicen mal! ¡lo llaman mal el DADA! (perdón, si no lo pongo, reviento).


Además, DADA es el nombre de un crecepelo maravilloso que la empresa de Zurich Bergmann & Co. lanzó en 1908.

Las obras dadaístas suelen estar compuestas por la técnica denominada collage, utilizando para su ejecución madera, papel, vidrio y demás materiales que se encontraban por ahí. Los trabajos defienden los dobles sentidos, el humor inteligente y la crítica a los valores hasta entonces establecidos.

También eran comunes las reuniones de sus seguidores, en las que se recitaban poemas dadaístas, creados a partir del método de escritura automática. Sí, vale, eran un poco raritos.



L.H.O.O.Q.

Sin duda la se trata de una de las obras más conocidas de Duchamp.
El artista adquirió una postal de recuerdo de la Mona Lisa en la tienda del museo de Louvre, sobre la que pintó bigote y perilla.
Al pie de la postal podemos leer L.H.O.O.Q., que pronunciado en francés es elle a chaud au cul que, en sentido literal sería ella tiene el culo caliente, pero que, en realidad, significa algo así como ella es una calientapollas.
No es difícil imaginarse la reacción de los críticos de 1919 al recibir semejante obra.


El código Du Champ

Numerosos historiadores apuntan a que, en realidad, la obra L.H.O.O.Q. no se realizó a partir de una reproducción de la Giocconda, sino que se trata de una variación que el propio Duchamp realizó en base a sus propias facciones.




Cubista

Su trabajo Desnudo bajando una escalera (1912) fue elogiado por la crítica. La que es una de las obras más populares de Duchamp, representa un movimiento de descenso contínuo generado en base a la superposición de imágenes cubistas.











Los Readymades

Marcel Duchamp creó el término readymade para referirse a objetos hallados eligidos por el artista como arte.
Para su primer readymade, eligió una rueda de bicicleta colocada sobre una banqueta a la que tituló Rueda de Bicicleta (1913). Mientras que recibía alabanzas por su Desnudo bajando una escalera, su rueda de bicicleta causaba la indignación de los mismos críticos.








Botellero (1914), firmado por Duchamp, es considerado el primer readymade puro.Brazo roto (1915), compuesto por una pala de nieve, seguiría a estas obras.



Pero, sin duda, su readymade más conocido es Fuente (1917) que, firmado como R. Mutt, revolucionó el mundo del arte, siendo rechazado por la Sociedad de Artistas Independientes ese mismo año. El trabajo Fuente estaba compuesto de un urinario de cerámica con su parte trasera como base.


Dudas sobre los readymades

Un estudio publicado en 1997 por el historiador Rhonda Roland Shearer apunta a que las supuestamente encontradas obras de Duchamp podrían haber sido creadas en realidad por el propio artista.

Por otra parte, las pocas obras originales que se conservan son, en realidad reproducciones autorizadas o diseñadas por Duchamp en las dos últimas décadas de su vida.


El gran vidrio

La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (1915-1923), también llamada El gran vidrio se trata de una obra abstacta de grandes dimensiones que Duchamp creo a base de pintura y alambre sobre vidrio. ¿Podéis identificar la novia desnuda y sus solteros?

En 1968, se presentó en Buffalo (Nueva York) un ballet titulado Walk Around the Park, inspirado en El Vidrio de Duchamp. La obra fue supervisada por Jasper Jones.









Rrose Sélavy

Duchamp, aficionado a jugar con la ambigüedad (veáse por ejemplo su trabajo L.H.O.O.Q.), creó su alter ego femenino: Rrose Sélavy. Esta distinguida dama neoyorkina, fotografíada por primera vez en 1920 por Man Ray, se dedicaba a recitar poesía y a amenizar veladas dadístas.

El propio nombre Rrose Sélavy, es un juego de palabras, ya que, su promunciación correcta en francés sería algo así como Eros c'est la vie (Eros es la vida). El propio Duchamp comentaba "Tengo gran fe en el erotismo, porque es algo de lo más corriente en todo el mundo, es algo que la gente entiende".


Además, Rrose Sélavy se adelantó a las petardas famosas del futuro, lanzando su propia fragancia, "Belle Hailene. Eau de Voilette". Para darle más caché, el frasquito incluía una etiqueta con la inscripción "RS, New York-París" (RS=Rrose Sélavy).




Étant Donnés: una despedida por la puerta grande

El último trabajo de Duchamp titulado Étant Donnés fue presentado en el Museo de Arte de Phildelphia poco después de su muerte. Este trabajo, que tardó veinte años en finalizarlo, consiste en una tosca puerta de madera.

Al acercarnos a la puerta para mirar a través de sus grietas, una luz se enciende e ilumina la estancia interior. Dentro, una mujer desnuda, cuyo rostro no vemos, sujeta en su mano una lámparita.

El cuerpo de la mujer fué realizado en piel de cerdo y la posible modelo fue María Martins, artista brasileña con la que mantuvo un romance por aquella época.


Y, aquí, una animación que permite recrear Étant Donnés













Duchamp punkarra

Además de todo lo mencionado, Marcel Duchamp es una banda punk de Chile, formada en el verano del 2001. Su música es bastante rápida teniendo como principales influencias a bandas como Los Crudos, Spazz, entre otras. Su nombre es debido a la simpatía que éstos comparten con el artista Marcel Duchamp, y sobre todo, con los movimientos sociales, artísticos y contraculturales de tipo rupturista y que promueven la libertad. (de la Wikipedia, Marcel Duchamp punk)

Podrás visitar el blog del grupo aquí.



Moriría por ir a...

..la primera gran exposición dadaísta del mundo organizada por el MoMa (Nueva York), que tendrá lugar del 18 de junio al 11 de septiembre (¿qué mejor día para estar en NY?). La exposición incluye las famosas L.H.O.O.Q. y Fuente, entre otras muchas.

Una falsa creencia popular tiende a achacar el habitual buen aspecto que lucen las famosas en las revistas a sus continuas visitas al quirófano y a las maravillas del botox. Y no ponemos en duda que sean factores muy importantes, pero lo que está claro es que por mucha cirugía plástica que una lleve encima, si de verdad quiere aparecer radiante, lo que tiene que hacer es encomendarse a ese invento del diablo llamado Adobe Photoshop. Y es que Photoshop llega a donde el bisturí no llega. Basta con un par de clicks con el ratón para que el cutis de la estrella de turno se vuelva perfecto, la celulitis pase a mejor vida y los estragos de la mala vida se borren del mapa en cuestión de minutos. Es la mentira de la belleza de nuestros días: cuerpos perfectos pero completamente irreales e inalcanzables. Y claro, luego al resto de los mortales nos toca acomplejarnos con nuestra mierda de piel y nuestros kilos de más.

Por eso es de agradecer que a veces el Photoshop se utilice con fines completamente contrarios, es decir, para afear a las celebridades y ponerlas en su sitio. Precisamente, eso es lo que nos proponen los creadores de Silly English, una página web que, entre otras secciones, contiene una impagable galería de fotos de famosos convertidos en zombie. Olvídense de cutis radiantes y cuerpos diez. Aquí lo importante es causar repugnancia a través de la descomposición, los gusanos y la putrefacción, y nos encanta. Es la revancha que nos da el Photoshop.

Nota: No se olviden de colocar el puntero del ratón sobre cada una de las imágenes para descubrir quién es la estrella convertida en zombie.

Una vez más vamos a proponer a nuestros lectores un bonito concurso. Esperemos que, por una vez, sea fructuoso y alguien se lleve el premio.

Las reglas son sencillas: la ganadora del concurso será la primera lectora que conteste correctamente en un comentario a TODAS las preguntas que planteamos a continuación:


1. ¿Cuál es el nombre artístico de la señorita que aparece en la fotografía?

2. ¿A qué se dedicaba esta señora?

3. ¿Cuál es su verdadero nombre?

4. Su nombre artístico esconde un bonito juego de palabras en francés, ¿podrían decirme qué otro juego de palabras realiza en uno de sus conocidos trabajos?







Y, como no hay concurso sin premio, aquí está el regalo: un auténtico broche made in R, realizado a mano, con mucho amor y fieltro del bueno. Todo un lujo para nuestra lectora más cultureta.



Dale a tu buscador... ¡el premio puede ser tuyo!


Actualización I: con pistas

- Se trata de un hombre disfrazado de mujer
- El hombre en cuestión tiene algo que ver con un caballito de madera francés.

Cuando Dios creó a los ángeles del cielo, hubo uno que destacó por encima de los demás. Su nombre era Lucifer y era el más hermoso e inteligente de todos. No había otro ángel en el cielo que irradiase tanta luz como él y su poder sólo era superado por el del Creador. Desafortunadamente, tanta belleza y gloria se le terminó por subir a la cabeza y Lucifer decidió que quería más. Corroído por la envidia de ver la adoración que todas las criaturas celestiales profesaban a Dios, se empeñó en demostrar al resto de los ángeles hasta dónde podía llegar su poder. Ciego de ambición y orgullo, planeó elevar su trono a la altura del de Yahvé, erigiéndose como un nuevo dios.


Pero Lucifer no contaba con que algunos de sus vecinos del cielo iban a oponerse a sus oscuros planes. Descontentos con la idea de que un ser inferior desafiase a Dios y tratase de igualar su poder, un grupo de ángeles leales a Yahvé, capitaneados por el arcángel San Miguel, decidió plantar cara a Lucifer. Sin embargo, el rebelde no estaba sólo y disponía de un ejército de ángeles que le apoyaban. Así fue como estalló la Primera Guerra del Cielo. Después de una cruel batalla, la victoria fue para el bando de San Miguel y la guerra terminó con la expulsión del cielo de Lucifer y sus seguidores, que fueron condenados a vivir en el infierno como demonios. A raíz de este episodio, Lucifer pasó a ser conocido como Satanás o el Ángel Caído

Lucifer en la historia del arte:

La iconografía del demonio ha cambiado mucho a lo largo de la historia. La Biblia únicamente proporciona una descripción poco detallada y se centra más en el parte inmaterial del mal, por lo que, en los primeros siglos del cristianismo, la imagen asociada al diablo es la de un Ángel Caído cuya única diferencia es su color oscuro. Con el paso de los siglos, Lucifer va variando de aspecto progresivamente. Por ejemplo, en la Edad Media, se metamorfosea en un ser de facciones horripilantes con rasgos animales. Su imagen terrorífica busca provocar el miedo en el observador, cumpliendo una misión adoctrinadora. En cambio, en el Renacimiento y más tarde en el Barroco, el diablo recupera un aspecto más humano, con un cuerpo musculoso y normalmente acompañado de una expresión de sufrimiento, aunque los elementos animales como rabo, cuernos o pezuñas se mantienen.

Un ángel que cayó en El Retiro:

Madrid cuenta con el único monumento del mundo dedicado expresamente al Ángel Caído. La estatua, erigida en 1874, es obra de Ricardo Bellver y siempre ha estado rodeada de la polémica. Su inauguración escandalizó a la sociedad madrileña de la época, que se horrorizó ante la idea de tener en el parque de El Retiro un monumento en honor de Satanás. En los años 40 y 50, la estatua estuvo a punto de ser retirada porque ya entonces se había convertido en punto de encuentro para rituales satánicos. La última controversia del Ángel Caído tuvo lugar el año pasado, cuando grupos simpatizantes de Franco solicitaron su destrucción como respuesta a la retirada de las últimas estatuas del dictador que quedaban en España.

¿Y a qué viene todo esto?:

Hoy es 6 de junio de 2006, es decir 6 del 6 del 6, o lo que es lo mismo, 666, que es el número asociado al diablo según el Libro del Apocalipsis. Esta fecha se da sólo una vez cada milenio y los adoradores de Satán las esperan con impaciencia. En algunos países como Noruega, la alarma ha saltado ante el temor a posibles ataques contra iglesias y cementerios. Y es que, como dice el portavoz de la organización eclesiástica noruega KA, "en estos tiempos de El código Da Vinci es posible que alguien se exceda". ¿Será que Dan Brown es el Anticristo?

La película:

En una fecha tan señalada como hoy, se estrena mundialmente el remake de la película La profecía dirigida por John Moore, cuyo mayor aliciente es la recuperación de Mia Farrow en el papel de la niñera diabólica. La Farrow es toda un experta en asuntos satánicos puesto que ya se las tuvo que ver que con el Príncipe de las tinieblas en "La semilla del diablo" (Roman Polanski, 1968).

"Las chicas buenas van al cielo, las malas a todas partes" dijo la gran Mae West aludiendo directamente a la fama de aburrido que siempre ha tenido el cielo como lugar para pasar la eternidad. Y la verdad es que no le faltaba razón, porque, desde luego, a mí no me resulta nada atractiva la idea de permanecer por los siglos de los siglos recostado sobre una nube blanca, con coros angelicales como hilo musical de fondo y sin más compañía que la de un montón de almas libres de pecado, pero tremendamente sosas.

Eso mismo debieron de pensar Pierre Commoy y Gilles Blanchard cuando comenzaron a realizar sus famosas fotografías de santos y mártires. En el cielo ideado por estos dos artistas franceses, la rectitud y la pureza del alma son sustituidas por el hedonismo y la sensualidad carnal, con lo que la diversión queda garantizada. No esperen encontrar dolor o dramatismo en el santoral de Pierre et Gilles, aquí sólo hay cabida para los facciones perfectas y el culto al cuerpo. Y si además todo esto viene acompañado de un estética kitsch deudora de la imaginería queer, el resultado no puede ser más apetitoso.

Así que, si ustedes son de los que nunca se han preocupado de llevar un estilo de vida compatible con asegurarse una plaza en el cielo, vayan pensando en cómo se las van a ingeniar para que sus pecados sean perdonados. Y es que, con santos tan atractivos como estos, a ver quién es el guapo que se atreve a decir que prefiere ir al infierno...

Jesucristo

Sagrado Corazón de Jesús

Santa Virgen

Sagrado Corazón de María

Sagrada Familia

Santa Águeda

San Agustín y Santa Mónica

San Andrés

Santa Bárbara

Santa Bibiana

Santa Blandina

San Esteban

San Gil

San Ivo de Tréguier

San Jorge

San Juan Bautista

San Juan y Santiago

Santa Juana de Arco

San Lázaro

Santa Librada (Wilgefortis)

Santa Liduvina de Schiedman

San Luis Gonzaga

San Marcelo de Châlon

Santa María Magdalena

Santa María McKillop

San Martín

San Miguel Arcángel

San Pedro

San Pedro Luis María Chanel

Santa Rita

San Roque

San Sebastián

San Simeón, el Estilita

Sobre los autores:

Pierre Commoy (La Roche-sur-Yon, 1949), el fotógrafo, y Gilles Blanchard (La Havre, 1953), el pintor, se conocieron en 1976 durante el transcurso de una fiesta en París. Pese a que los dos iban bastante pasados, el encuentro no pudo ser más prolífico, puesto que dio lugar a una sólida relación, tanto en lo profesional como en lo personal, que continúa en la actualidad. A lo largo de estos años, en su curriculum podemos encontrar trabajos para revistas como Marie Claire o PlayBoy, colaboraciones con diseñadores como Thierry Mugler o Jean Paul Gaultier e infinidad de exposiciones en algunas de las galerías más prestigiosas de todo el mundo.

Sin ordenadores:

El proceso de elaboración de las fotografías de Pierre et Gilles es completamente artesanal. Pierre realiza la instantánea y después Gilles la pinta por encima para obtener el precioso acabado de color que caracteriza a todos sus trabajos.

Modelos V.I.P:

Cualquier petarda que se precie tiene que haber pasado por las manos de Pierre et Gilles, como ya lo han hecho Madonna, Erasure, Amanda Lear, Rossy de Palma, Siouxie, Boy George o Naomi Campbell.

Modelos rechazados:

Pierre et Gilles no han tenido ningún reparo en dar calabazas a estrellas que han solicitado sus servicios y que por diferentes motivos no les han acabado de convencer. Michael Jackson, Elton John o los Pet Shop Boys son algunas de las celebridades que se han quedado sin su retrato.

Modelos divinos:

Dentro de la serie Les Saints también podemos encontrar a algunos famosos ejerciendo de modelos, como Kylie Minogue, Lio, Nina Hagen o los propios Pierre y Gilles. ¿Son ustedes capaces de reconocerlos?